Sequenzaufnahme aus La La Land (2016)

• Originaltitel: La La Land

• Jahr: 2016 (Weltpremiere bei den Filmfestspielen von Venedig am 31. August 2016 - US-Kinostart am 9. Dezember 2016, Frankreich-Kinostart am 25. Januar 2017)

• Regie und Drehbuch: Damien Chazelle

• Produzenten: Fred Berger, Jordan Horowitz, Marc Platt, Gary Gilbert (Summit Entertainment / Lionsgate)

• Land: Vereinigte Staaten

• (DP Kameramann): Linus Sandgren, ASC, FSF – Schwede, zuvor Kameramann für David O. Russell bei American Hustle (2013) und Joy (2015)

• Steadicam-Operator (Kamera wird durch ein Gelenkgeschirr stabilisiert): Ari Robbins

• Choreografin: Mandy Moore (bereits als Choreografin bei American Hustle und Silver Linings Playbook)

• Komponist: Justin Hurwitz (Chazelles Kommilitone und Mitbewohner in Harvard; auch der Komponist von Whiplash)

• Die Liedtexter von „Another Day of Sun“: Benj Pasek und Justin Paul (zukünftige Autoren von „Dear Evan Hansen“ am Broadway)

• Produktionsdesigner: David Wasco (bereits Produktionsdesigner für Pulp Fiction und Kill Bill)

• Kostüme: Mary Zophres

• Schnitt: Tom Cross (Oscar für den besten Schnitt für Whiplash im Vorjahr)

• Kamera: Panavision Panaflex Millennium XL2

• Optik: Anamorphotische Objektive der Panavision C- und E-Serie, mit einem von Panavision speziell angefertigten 40-mm-Objektiv für eine Fokusdistanz von 9 Zoll (anstelle der üblichen 3 Fuß).

• Filmmaterial: 35 mm (mit einer Sequenz in 16 mm anamorph für eine andere Szene im Film)

• Format: CinemaScope 2.55:1 - das Bildformat der 1950er Jahre (und nicht das heutige 2.39:1), eine bewusste Wahl, um an Beau fixe sur New York (It's Always Fair Weather, 1955)

• Schauspieler (Eröffnungssequenz): über 100 anonyme Tänzer; Mia (Emma Stone) und Sebastian (Ryan Gosling) sind am Ende der Einstellung im Hintergrund zu sehen.

• Drehort: Auffahrt zwischen den Fahrgemeinschaftsspuren der Autobahnen 105 und 110 (Innenstadt von Los Angeles)

• Vorbereitung auf dem Parkplatz: 5 Tage Proben auf einem Parkplatz an der San Fernando Road mit einem Viertel der Autos und allen Tänzern.

• Dreharbeiten: 2 Tage, August 2015, aufgrund einer Wochenendsperre der California Highway Patrol abgesperrt

• Anzahl der Takes: 25 bis 27 während der Hauptdreharbeiten, immer auf der Suche nach dem richtigen Licht

• Dauer der analysierten Aufnahme: ungefähr 6 Minuten (3 Aufnahmen zusammen)

• Gesamtbudget des Films: 30 Millionen US-Dollar

• Weltweites Einspielergebnis: 443 Millionen US-Dollar

• Filmpreise: 7 Golden Globes (ein Allzeitrekord für eine einzelne Verleihung), 14 Oscar-Nominierungen im Jahr 2017 (gleichauf mit Titanic und Alles über Eva), 6 Oscars, darunter Beste Kamera (Sandgren), Beste Filmmusik (Hurwitz), Bester Filmsong („City of Stars“), Beste Regie (Chazelle), Beste Hauptdarstellerin (Stone) und Bestes Szenenbild (Wasco).

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Ein Stau auf einer Autobahnausfahrt in Los Angeles. Dutzende Autofahrer stehen in der kalifornischen Sonne, die Fenster heruntergelassen, die Radios auf verschiedene Sender eingestellt: Country, Hip-Hop, Salsa. Eine Frau beginnt leise in ihrem Auto zu singen. Dann steigt eine andere aus. Und plötzlich tanzen alle auf den Motorhauben, zwischen den Türen, mitten auf der Straße, auf den Dächern von Lastwagen. Über 100 Tänzer in leuchtenden Farben bewegen sich synchron zu dem Song „Another Day of Sun“. Die Kamera gleitet über die Autos, taucht zwischen die Tänzer, schwebt und fällt, ohne jemals zu schneiden. Sechs Minuten scheinbar ununterbrochene Bewegung. Als die Musik aufhört, steigen alle wieder in ihre Autos, als wäre nichts geschehen. Die Hupen beginnen von Neuem. Mia und Sebastian haben sich noch nicht kennengelernt, aber du bist bereits in ihrer Welt

Warum diese Szene legendär ist

Was auffällt, ist der Kontrast. Man befindet sich auf einer Autobahn, einem der unpoetischsten Orte, die man sich vorstellen kann, und innerhalb von Sekunden verwandelt sich alles in pure Musikalität. Chazelle fragt nicht um Erlaubnis. Er bereitet den Boden nicht vor. Er wirft einen vom ersten Bild an in die Welt der Künstlichkeit und zwingt einen, die Regeln seines Universums zu akzeptieren: Hier singen und tanzen die Menschen, wann immer ihnen danach ist. Wenn man sich darauf einlässt, funktioniert der Rest des Films. Wenn man abschaltet, ist er vorbei. Der Anfang ist eine Prüfung und ein Vertrag, der mit dem Zuschauer vom ersten Bild an geschlossen wird

Die Wahl der scheinbar ungeschnittenen Einstellung steigert die Spannung. Kein Schnitt, der den Schock abmildert. Keine Atempausen. Man ist entweder mittendrin oder völlig draußen. Genau diese Strategie hatte Iñárritu zwei Jahre zuvor in Birdman (ein weiterer Oscar-Gewinner für den besten Film, der mit einer scheinbar ungeschnittenen Einstellung beginnt), doch Chazelle kehrt sie komplett um: Wo Iñárritu auf Schnitte verzichtet, um den Zuschauer in die psychische Hölle eines Schauspielers zu versetzen, verzichtet Chazelle auf Schnitte, um ihn in pure Freude einzutauchen. Die lange Einstellung dient nicht länger der Spannungserzeugung, sondern ist zum Ausdruck von Begeisterung geworden.

Und dann ist da noch das Produktionsrisiko. 2016 galt die Finanzierung eines Original-Musicals – also eines mit nie zuvor gehörten Liedern, untermalt von Jazz, den die Studios als „definitiv ausgestorbenes Genre“ betrachteten – als blanker Wahnsinn. Hurwitz und Chazelle schrieben das Drehbuch in Harvard, zogen 2010 gemeinsam nach Los Angeles und verbrachten fünf Jahre damit, ein Studio zu finden. Erst der Erfolg von „Whiplash“ im Jahr 2014 brachte das Projekt bei Summit schließlich ins Rollen. Die Eröffnungsszene auf dem Highway ist der entscheidende Schritt des Films: Gelingt sie, hat sich das Wagnis gelohnt. Scheitert sie, hat der Film keine Chance.

Wie sie es gefilmt haben

Die Sequenz erforderte sechs Monate Vorbereitung. Chazelle und die Choreografin Mandy Moore begannen mit Proben auf einem Parkplatz an der San Fernando Road. Sie probten mit einem Viertel der Autos und 100 Tänzern und filmten jede Probe mit einem iPhone. Diese iPhone-Montage wurde, so Chazelle, „unsere Bibel“. Fünf Tage Proben auf dem Parkplatz, dann direkt auf die Autobahn.

Die Aufnahme sollte ursprünglich komplett mit einer Steadicam gedreht werden. Doch als das Team den tatsächlichen Drehort – die Verbindungsrampe zwischen den Fahrgemeinschaftsspuren der Highways 105 und 110 – entdeckte, tat sich ein Problem auf: Eine zentrale Betonbarriere verhinderte, dass die Steadicam von einer Fahrspur zur anderen gelangen konnte. Sandgren musste das gesamte Setup überdenken und für die Bewegungen über den Autos auf einen Teleskopkran umsteigen. Dabei entstand ein neues Problem: In der gleißenden Augustsonne von Los Angeles warf der Kran seinen Schatten ins Bild. Dies ließ sich bei einer wirklich durchgehenden Aufnahme nicht vermeiden

Die Lösung dokumentiert Sandgren selbst: „Es war ein technisches Rätsel. Wir behielten die Idee der Bewegung bei, mussten uns aber an bestimmten Stellen hinter den Tänzern positionieren, anstatt davor. Um die Schatten zu bewältigen, teilten wir die Szene in mehrere Einstellungen auf und kaschierten die Schnitte mit der Whip-Pan-Technik. Für den Zuschauer entsteht so die Illusion einer einzigen Einstellung, ganz wie von Damien Chazelle gewünscht.“ Die Sequenz besteht daher aus drei Einstellungen, die mithilfe zweier Whip Pans (schnelle Schwenks, bei denen die Kamera so schnell horizontal schwenkt, dass das verschwommene Bild den Schnitt kaschiert). Der erste Schnitt erfolgt bei 3 Minuten, der zweite bei 4 Minuten 45.

Die ersten beiden Einstellungen wurden komplett mit Kränen gefilmt. Die dritte beginnt mit einer Steadicam, Ari Robbins läuft etwa eine Minute lang zwischen Autos hin und her, bevor ein eigens für die finale Vogelperspektivenaufnahme der Tänzer gebauter Kran zum Einsatz kommt. Dieselbe Technik der versteckten Schnitte in schnellen Schwenks wird 68 Jahre nach Hitchcocks Pionierarbeit in „Cocktail, allerdings zu einem völlig anderen Thema: kollektive Freude statt eines vertuschten Mordes.

Der gesamte Film wurde auf 35-mm-Film mit einer Panavision Panaflex Millennium XL2-Kamera im CinemaScope-Format 2,55:1 gedreht, dem Bildformat der 1950er-Jahre (nicht dem heutigen 2,39:1). Sandgren erklärte dem MovieMaker Magazine, dass Chazelle den Look von „ It ’s Always Fair Weather“ (1955) und den MGM-Musicals der goldenen Ära wiederbeleben wollte. Als Objektive dienten anamorphotische Objektive der Panavision C- und E-Serie, die aufgrund ihres klassischen Hollywood-Flairs ausgewählt wurden. Eine technische Einschränkung: Diese Objektive haben eine Naheinstellgrenze von 90 cm, was für die Nahaufnahmen, die Chazelle in die Choreografie einbauen wollte, problematisch war. Panavision fertigte daraufhin ein 40-mm-Anamorphot-Objektiv speziell an, das eine Fokussierung auf 23 cm ermöglichte. Dieses einzigartige Objektiv kam für die engsten Einstellungen des Films zum Einsatz.

Die Generalprobe auf der Autobahn endete in einem Desaster. Chazelle gab dies gegenüber TheWrap offen zu: „Der Kran lässt sich nicht wie ein iPhone bewegen. Die Choreografie wirkte anders, die Steigung der Rampe verursachte weitere Probleme. Alles war kompliziert. Bei den Windböen, die gegen die Kräne schlugen, wollten wir auf keinen Fall, dass die Kamera einen Tänzer oder ein Auto traf oder unscharf wurde.“ Das Team reiste ab, kalibrierte neu und kehrte zwei Wochen später für den eigentlichen Dreh zurück – diesmal mit Gosling und Stone als Tänzer im Hintergrund der finalen Aufnahme.

Die kalifornische Autobahnpolizei sperrte lediglich die Ausfahrt, nicht aber die Hauptstraße. Die regulären Fahrspuren blieben geöffnet, und im Hintergrund war während der Aufführung echter Verkehr zu sehen. Dieses Detail verankert die Handlung in der Realität und verhindert, dass die Szene in reine Fantasie abgleitet: Der Hollywood-Traum entfaltet sich neben einem echten Stau

Der erste Drehtag fiel ins Wasser; es ist schwierig, einen Song namens „Another Day of Sun“ ohne Sonnenschein zu drehen. Das Team drehte 25 bis 27 Takes im vollen Licht der magischen Stunde (dem goldenen Spätnachmittag, nach dem alle Kameraleute streben) und fing das Licht bei jedem Take ein. Chazelle fasste die unsichtbare Arbeit gegenüber TheWrap so zusammen: „Meine Tänzer, die man nicht sieht, sind ein phänomenaler Kranführer und ein phänomenaler Steadicam-Operator. Sie waren genauso choreografiert wie alle anderen im Bild. “‍ ‍

Worauf man bei der Überprüfung achten sollte

• Bei genau 3:00 und 4:45 Minuten befinden sich zwei versteckte Schnitte. Die Kamera schwenkt schnell und kaschiert so den Schnitt. Sobald man ihre Positionen kennt, sind sie unübersehbar. Die Technik ist exakt dieselbe, die Hitchcock für „ eine Leiche“, nur 68 Jahre später und mit einem völlig anderen Thema angewendet.

• Im Hintergrund war echter Verkehr zu sehen. Die regulären Fahrspuren der Autobahn waren nicht gesperrt. Hinter den Tänzern fuhren echte Autos. Dieses Detail verankert die Performance in der Realität und verhindert, dass die Szene in reine Fantasie abgleitet – eine typische Regieentscheidung von Chazelle, der im gesamten Film beständig sozialen Realismus (gescheiterte Castings, Jobs ohne Perspektive) und den Hollywood-Traum miteinander verwebt.

• Die letzte Einstellung, die letzte Vogelperspektive, zeigt Robbins, wie er mit einer Steadicam zwischen Autos hin und her läuft und dann einen improvisierten Kran erklimmt. Die Bewegung wandelt sich von intim (zwischen den Tänzern) zu panoramisch (über allen anderen). Es ist der Übergang von „Ich bin Teil der Party“ zu „Ich beobachte die Party“, dieselbe emotionale Bewegung, die den gesamten Film prägt. Sie ist zugleich die direkteste Hommage an Busby Berkeleys Vogelperspektiven in Musicals der 1930er-Jahre (42nd Street, Footlight Parade).

Wussten Sie?

• Hurwitz und Chazelle: Eine Harvard-Freundschaft. Der Komponist Justin Hurwitz war Damien Chazelles Kommilitone und Zimmergenosse in Harvard. 2010 zogen sie gemeinsam nach Los Angeles und suchten fünf Jahre lang nach einem Studio, das ein eigenes Jazz-Musical finanzieren sollte. Der Erfolg von „ Whiplash “ (2014) brachte das Projekt schließlich bei Summit Entertainment in Gang. Für „Another Day of Sun“ arbeitete Hurwitz mit den Liedtextern Benj Pasek und Justin Paul zusammen, die später den „Dear Evan Hansen“ . Der Song gewann den Oscar für den besten Originalsong bei derselben Verleihung, bei der auch „City of Stars“ (ein weiterer Song von Hurwitz, Pasek und Paul aus demselben Film) ausgezeichnet wurde.

• Das CinemaScope-Bildformat von 2,55:1, ein geheimes Erkennungsmerkmal: Der gesamte Film wurde im ursprünglichen CinemaScope-Bildformat der 1950er-Jahre (2,55:1, nicht dem heutigen Standard 2,39:1) gedreht. Dieses Format ist mit der damaligen Ausrüstung nicht mehr verfügbar. Chazelle ließ die gesamte Filmkette mit Panavision rekonstruieren. Dadurch erhält der Film seine einzigartige Ultra-Breitbild-Silhouette, die man 2016 so noch nicht gesehen hat. Eine direkte Anspielung auf * The Beautiful Days in New York* (Donen-Kelly, 1955).

• Der unverkennbare Einfluss von „Boogie Nights“: Der Kran-Steadicam-Übergang, der den visuellen Stil von „La La Land“ prägt, ist eine direkte Übernahme „Boogie Nights“ , ein Einfluss, den Chazelle öffentlich bestätigt hat. Sandgren nannte außerdem Jacques Demy („Die Regenschirme von Cherbourg“, „Die Mädchen von Rochefort“) als wichtige Referenz für die Farbpalette. Und die Vogelperspektive ist von Busby Berkeley inspiriert.

• Die kalibrierten Lens Flares : Jeder Lens Flare im Film ist beabsichtigt und kontrolliert. Sandgren nutzte sie, um die Momente zu markieren, in denen die Figuren von der Realität in den Traum übergehen. Auch deshalb bestand er darauf, auf 35-mm-Film zu drehen: Ein digitaler Sensor hätte die optische Signatur der anamorphotischen Objektive jener Zeit nicht reproduzieren können.

• Sechs Oscars, 14 Nominierungen, ein verfluchter Umschlag. Der Film gewann bei den 89. Academy Awards 2017 sechs Oscars (Beste Kamera, Beste Filmmusik, Bester Filmsong, Beste Regie, Beste Hauptdarstellerin und Bestes Szenenbild) bei 14 Nominierungen und stellte damit den Rekord von „Titanic“ und „Alles über Eva“ ein . Eigentlich hätte er sieben gewinnen müssen: Bei der Zeremonie verkündeten Warren Beatty und Faye Dunaway fälschlicherweise „La La Land “ als besten Film, bevor dies zu „Moonlight “ korrigiert wurde . Die Szene mit dem Song „Another Day of Sun“ gehört zu den meistgesehenen Momenten der jüngeren Oscar-Geschichte und wurde während der Bekanntgabe des besten Films gezeigt.

• Der unsichtbare Mann hinter der Kamera: David Wasco. Produktionsdesigner David Wasco, der bereits für die Sets von Pulp Fiction und Kill Bill (die gesamte Tarantino-Trilogie bis dahin) verantwortlich war, hatte die Idee, Sebastian einen Buick Riviera aus den 80er-Jahren fahren zu lassen. Der Planetariumsprojektor für die Szene im Griffith Observatory wurde gebraucht auf eBay gefunden – ein echter Vintage-Minolta, dasselbe Modell wie in „…denn sie wissen nicht, was sie tun“ (1955).

Quellen

• TheWrap – Steve Pond, „La La Land: Die Eröffnungsszene mit dem hochfliegenden Highway: Wie haben sie das gemacht?“ (Dezember 2016)

• IndieWire – „La La Land Crafts Roundtable: Making a Neo-Classical Hollywood Musical“ (Dezember 2016)

• IndieWire – „Damien Chazelle entwarf die Eröffnungsszene von La La Land auf seinem iPhone“ (Februar 2017)

• MovieMaker Magazine - Paula Schwartz, "Die Kamera ist eine Tänzerin: Kameramann Linus Sandgren erklärt uns, wie er und Damien Chazelle La La Land gedreht haben" (Januar 2017)

• Deadline – Interview mit Linus Sandgren (Februar 2017)

• Kodak – „Gedreht in CinemaScope, lässt La La Land die alten Zeiten lebendig romantisieren“ (2017)

• SBIFF – La La Land-Profil mit Zitaten von Sandgren

• Keine Filmschule – „Was man von der Kinematografie von La La Land lernen kann“

• Rolling Stone – Peter Travers, Rezension zu La La Land (Dezember 2016)

• Wikipedia Frankreich – La La Land (Film) (Zitate von Sandgren)

• Wikipedia - La La Land (Auszeichnungen und Produktion)

• Vocal Media – Hinter den Kulissen: Ari Robbins (Instagram)

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Birdman (2014) – Lange Einstellung : Zwei Jahre vor La La Land gewannen Iñárritu und Lubezki mit einer scheinbar 119-minütigen, ununterbrochenen Einstellung den Oscar für den besten Film. Chazelle verwendet dieselbe Bildsprache, kehrt die Intention aber komplett um: eine ununterbrochene Einstellung zum kollektiven Vergnügen statt einer mentalen Falle.

Die lange Einstellung in „Cocktail für eine Leiche“ (1948) – die historische Blaupause für die scheinbar lange Einstellung. 1948 erfand Hitchcock das Prinzip der Schnitte, die hinter visuellen Hindernissen verborgen sind. Sandgren wendet genau dasselbe Prinzip 2016 an und verwendet Schwenks anstelle von dunklen Hintergründen.

In „Boogie Nights“ (1997) – einer langen Einstellung – bekennt sich Chazelle ausdrücklich zum Einfluss von Paul Thomas Anderson auf die Kran-/Steadicam-Übergänge. Anderson ist ein weiterer zeitgenössischer Meister der choreografierten langen Einstellung, und Chazelle macht daraus kein Geheimnis.

Echte vs. falsche lange Einstellungen – Der vollständige Leitfaden – Die von Sandgren verwendete Schwenktechnik, um die beiden Übergänge in „Another Day of Sun“ zu kaschieren, wird Schritt für Schritt erklärt: Warum der schnelle Schwenk auch 78 Jahre nach Hitchcock noch immer das beste Mittel für unsichtbare Übergänge ist.