Die 50 besten langen Einstellungen in Film und Fernsehen
Die lange Einstellung ist die anspruchsvollste Technik im Kino: eine ganze Szene, manchmal mehrere Minuten lang, ohne sichtbare Schnitte zu drehen. Fehler sind nicht erlaubt. Nur Schauspieler, eine Kamera und perfekt ausgeführte Choreografie. Diese Top-50-Liste der besten langen Einstellungen der Filmgeschichte vereint die unvergesslichsten Szenen der Kinowelt – von Pionieren wie Orson Welles und Alfred Hitchcock bis hin zu den langen Einstellungen, die in den letzten Jahren auf Netflix und Apple TV+ für Furore gesorgt haben. Kultklassiker, Blockbuster, Serien, Arthouse-Filme: Hier ist für jeden Geschmack etwas dabei. Klicken Sie auf den jeweiligen Titel, um die vollständige Analyse der Szene zu entdecken.
#1 - 1917 (2019) von Sam Mendes
Sam Mendes drehte einen ganzen Kriegsfilm ohne einen einzigen Schnitt. Zwei Soldaten überqueren die feindlichen Linien, um eine Nachricht zu überbringen, die 1.600 Leben retten könnte, und die Kamera weicht ihnen nicht von der Seite. Wir atmen mit ihnen, wir schwitzen mit ihnen. Dieser Film brachte die lange Einstellung zurück ins Herz des Mainstream-Kinos.
#2 – Birdman (2014) von Alejandro González Iñárritu
Der gesamte Film erweckt den Eindruck, in einer einzigen, ununterbrochenen Einstellung ohne sichtbare Schnitte gedreht zu sein. Wir begleiten einen alternden Schauspieler, der versucht, ein Stück am Broadway auf die Bühne zu bringen, verfolgt von seiner früheren Superhelden-Identität. Die Kamera wechselt mit atemberaubender Leichtigkeit zwischen Bühne und Backstage. Der Film gewann vier Oscars, darunter den für den besten Film, und besticht durch einen Regiestil, der seinesgleichen sucht.
#3 - Children of Men (2006) von Alfonso Cuarón - Der Autoüberfall
Die Kamera ist in einem Auto gefangen, als plötzlich und unerwartet ein Hinterhalt ausbricht. Keine Musik, kein Schnitt, keine Spezialeffekte. Nur die rohe Gewalt eines Angriffs, gefilmt, als wäre man selbst dabei. Diese Szene gilt als eine der größten technischen Leistungen der Filmgeschichte.
#4 – Goodfellas (1990) von Martin Scorsese
Die Plansequenz im Copacabana ist wohl die berühmteste One-Take-Einstellung der Filmgeschichte. Die Kamera folgt Henry Hill und Karen, als sie den Club betreten, durch die Küche und die Gänge gehen und schließlich in einer einzigen, über dreiminütigen Bewegung an ihrem Tisch ankommen. Scorsese wollte zeigen, wie die Mafia jede Tür öffnete, und er tat dies mit einer Kamera, die niemals stillsteht. Eine Einstellung, die Generationen von Filmfans und Regisseuren beeinflusst hat.
#5 - Im Zeichen des Bösen (1958) von Orson Welles
Dies markiert die Geburtsstunde der modernen langen Einstellung. Orson Welles eröffnet seinen Film noir mit einer über dreiminütigen Sequenz: Ein Kran schwebt über einer Autobombe, die die mexikanische Grenze überquert. Kein Schnitt, keine Unterbrechungen – nur die absolute Beherrschung von Raum und Zeit. Diese Einstellung wird bis heute an Filmhochschulen weltweit gelehrt.
#6 - Old Boy (2003) von Park Chan-wook
Der Korridor. So nennen Filmkenner diese ikonische Szene des koreanischen Kinos. Ein erschöpfter Mann, bewaffnet mit einem Hammer, kämpft sich in einem engen Korridor gegen ein Dutzend Gegner vor. Die Kamera filmt alles von der Seite, in einer einzigen, scheinbar endlosen horizontalen Einstellung. Sie ist roh, brutal und unvergesslich.
#7 - True Detective - Staffel 1, Folge 4 (2014)
Rust Cohle schleust sich in eine Gang ein und muss einen verdeckten Ermittler außer Gefecht setzen. Was folgt, ist eine sechsminütige, in Echtzeit gedrehte Kamerafahrt durch eine brennende Stadt, voller Verfolgungsjagden, Auseinandersetzungen und unerträglicher Spannung. HBO hatte damit bewiesen, dass das Fernsehen das Kino übertreffen konnte. Diese Szene gilt bis heute als einer der verrücktesten Momente der Fernsehgeschichte.
#8 – Eine Leiche im Keller (1948) von Alfred Hitchcock
Hitchcock wollte einen ganzen Film in einer einzigen Einstellung drehen. Da die damalige Technik dies nicht zuließ, versteckte er die Schnitte in Aufnahmen von Rücken oder dunklen Objekten und schuf so die perfekte Illusion. Das Ergebnis ist ein 80-minütiges Kammerspiel mit einer in einer Truhe versteckten Leiche. Dieser Film begründete das Konzept der „falschen“ langen Einstellung, das später von Iñárritu und Mendes aufgegriffen wurde.
#9 – Boogie Nights (1997) von Paul Thomas Anderson
Der Film beginnt mit einer fast dreiminütigen Einstellung, die neun Hauptfiguren in einer einzigen, ununterbrochenen Bewegung in einem Nachtclub in Los Angeles zeigt. Die Kamera fährt an einem Kran von der Straße herab, wechselt zu einer Steadicam und fährt ohne sichtbaren Übergang in den Club. Anderson war 27 Jahre alt und führte bei seinem zweiten Film Regie. Es ist eine erklärte Hommage an Scorsese und Altman und zählt bereits jetzt zu den Meisterwerken.
#10 – Atomic Blonde (2017) von David Leitch
Die Treppenhausszene dauert fast zehn Minuten und ist in Spionagefilmen beispiellos. Charlize Theron kämpft, stürzt, steht wieder auf und verliert während der gesamten Szene auf realistische Weise an Kraft. Wir sehen, wie die Figuren außer Atem geraten, verletzt werden und dennoch weitermachen. Die Szene ist brutal, menschlich und visuell atemberaubend.
#11 – Victoria (2015) von Sebastian Schipper
Dieser deutsche Film wurde in einer einzigen, ununterbrochenen Einstellung gedreht. Keine versteckten Schnitte, keine digitalen Tricks. Zwei Stunden Film, eine einzige Einstellung, gedreht in einer Nacht auf den Straßen Berlins, mit improvisierten Dialogen. Es ist der einzige Spielfilm, der jemals auf diese Weise und mit diesem Produktionsniveau gedreht wurde. Die unglaublichste Leistung auf dieser Liste.
#12 – Die russische Arche (2002) von Alexandre Sokurov
Eine einzige Einstellung. 96 Minuten. 33 Räume der Eremitage in Sankt Petersburg. Drei Jahrhunderte russischer Geschichte. Sokurov drehte diesen Film in einer einzigen Einstellung mit 2.000 Statisten und drei Live-Orchestern. Verpasste jemand seinen Auftritt, musste alles von vorne beginnen. Eine technisch absolut kühne Leistung, vollbracht an nur einem Drehtag.
#13 – Roma (2018) von Alfonso Cuarón
Die Szene am Strand von Tuxpan beginnt als ruhiger Familienmoment und wandelt sich innerhalb von Sekunden in etwas Erschütterndes. Cuarón filmt die Wellen, die Panik, die Rettung – alles in einer fließenden Kamerafahrt. Es ist eine der emotional intensivsten Szenen der letzten Jahre. Großer Preis in Venedig, Oscar für den besten fremdsprachigen Film.
#14 – Gravity (2013) von Alfonso Cuarón
Der Film beginnt mit einer 13-minütigen, ungeschnittenen Einstellung im Weltraum, im Hintergrund die Erde. Zwei Astronauten arbeiten an der Raumfähre, und alles ändert sich, als Trümmerteile mit hoher Geschwindigkeit eintreffen. Die Grenze zwischen realen Aufnahmen und digitalen Effekten ist kaum sichtbar. Cuarón ist mit zwei Filmen in diesen Top Ten vertreten, und das völlig zu Recht.
#15 – Creed (2015) von Ryan Coogler
Ryan Coogler war 29 Jahre alt, als er diesen ersten Boxkampf in einer einzigen, ungeschnittenen Einstellung filmte. Adonis Creed betritt den Ring zu seinem ersten richtigen Profikampf, und die Kamera weicht ihm während des gesamten Kampfes nicht von der Seite. Man spürt jeden Schlag, jede Bewegung, als wäre man selbst direkt am Ringseil. Es war eine völlig neue Art, Boxen zu filmen, die seither unzählige Sportfilme beeinflusst hat.
#16 - Athena (2022) von Romain Gavras
Der Film beginnt mit einer sechsminütigen Plansequenz, die den Zuschauer sofort überrascht. In der Stadt Athena bricht ein Aufruhr aus, die Figuren rennen in alle Richtungen, und die Kamera gleitet mit chirurgischer Präzision durch das Chaos. Dieser französische Film, verfügbar auf Netflix, wurde weltweit für seine visuelle Kühnheit gefeiert. Eine der schönsten Eröffnungsplansequenzen der jüngeren Filmgeschichte.
#17 – Panic Room (2002) von David Fincher
Die Eröffnungsszene von „Panic Room“ ist eine stilistische Übung von David Fincher: Die Kamera gleitet wie ein Geist durch die Korridore, Wände und Decken eines New Yorker Hauses. Fincher nutzte digitale Effekte, um reale Aufnahmen miteinander zu verbinden und die Illusion nahtloser Kontinuität zu erzeugen. Ein meisterhafter Auftakt zu einem packenden Thriller.
#18 – Wege zum Ruhm (1957) von Stanley Kubrick
Kubrick filmte einen Schützengraben im Ersten Weltkrieg mit einer langsam vorwärtsfahrenden Kamera, die einem Oberst folgt, der seine Truppen vor dem Angriff inspiziert. Die Einstellung ist lang, eindringlich und zeigt die Realität der Schützengräben mit dokumentarischer Präzision. Sie zählt zu den ersten großen langen Einstellungen im amerikanischen Kino. Der Film war in Frankreich aufgrund seiner antimilitaristischen Inhalte 18 Jahre lang verboten.
#19 - 007 Spectre (2015) von Sam Mendes
Die Eröffnungssequenz von „Day of the Dead“ in Mexiko-Stadt zählt zu den spektakulärsten der gesamten Bond-Reihe. James Bond bewegt sich durch eine maskierte Menge, betritt ein Hotel und verfolgt sein Ziel zu einem Hubschrauberduell – alles in einer einzigen, scheinbar ununterbrochenen Einstellung. Sam Mendes, bereits Regisseur von „1917“, demonstrierte hier seine Meisterschaft in der langen Einstellung im großen Stil. Ein Filmauftakt, der von der Kritik gefeiert wurde.
#20 – Hunger (2008) von Steve McQueen
Die Szene zwischen Bobby Sands und seinem Priester ist einzigartig in der Filmgeschichte. Die beiden Männer sitzen sich 17½ Minuten lang in einer einzigen, statischen Einstellung gegenüber – ohne Schnitt. Ein authentischer Dialog, vorgetragen mit absoluter Intensität, ohne jegliche Regietricks. Es war Steve McQueens erster Spielfilm. Diese eine Szene brachte ihm internationalen Ruhm ein.
#21 – Seltsame Tage (1995) von Kathryn Bigelow
Dieser Science-Fiction-Film aus dem Jahr 1995 entwirft das Bild einer Technologie, die es ermöglicht, die Erlebnisse anderer Menschen buchstäblich aufzuzeichnen und wiederzuerleben. Die mit diesem Gerät aufgezeichneten Szenen sind aus der Ich-Perspektive gefilmt, und die erste dauert mehrere Minuten ohne Schnitt. Sie zählt zu den immersivsten Ich-Perspektiven-Sequenzen, die je gedreht wurden. Ein Film, der vom breiten Publikum zu Unrecht übersehen wurde.
#22 – Enter the Void (2009) von Gaspar Noé
Der Film beginnt mit einer einzigen, subjektiven Einstellung, die den Zuschauer in die Gedankenwelt einer Figur in ihren letzten Augenblicken versetzt. Nach ihrem Tod verweilt die Kamera weiterhin über Tokio, erfasst alles, verfolgt alles. Es ist das verstörendste Filmerlebnis in dieser Liste. Gaspar Noé hat stets mit den Grenzen des Mediums gespielt, und dieser Film ist sein ambitioniertestes Werk.
#23 – Adoleszenz (2025) von Philip Barantini
Diese britische Netflix-Miniserie wurde nach ihrer Veröffentlichung zu einem weltweiten Phänomen. Jede Folge wurde in einer einzigen, ungeschnittenen Einstellung gedreht. Die Geschichte eines 13-jährigen Jungen, der des Mordes beschuldigt wird, wird mit einer zutiefst bewegenden Intimität erzählt. Philip Barantini bewies, dass die lange Einstellung im Jahr 2025 aktueller denn je ist.
#24 - Severance - Staffel 2, Folge 1 (2025)
Die Apple TV+ Serie kehrt mit einer ersten Folge zurück, die mit einer in einer einzigen Einstellung gedrehten Sequenz die Fans begeistert hat. Wir folgen einer Figur durch die labyrinthischen Gänge von Lumon Industries – ohne sichtbare Schnitte. Severance hat schon immer mit visuellen Konventionen gespielt, und diese Folge setzt neue Maßstäbe. Eine der innovativsten Serien der Gegenwart.
#25 – The Revenant (2015) von Alejandro González Iñárritu – The Bear Attack
Die Apple TV+ Serie kehrt mit einer ersten Folge zurück, die mit einer in einer einzigen Einstellung gedrehten Sequenz die Fans begeistert hat. Wir folgen einer Figur durch die labyrinthischen Gänge von Lumon Industries – ohne sichtbare Schnitte. Severance hat schon immer mit visuellen Konventionen gespielt, und diese Folge setzt neue Maßstäbe. Eine der innovativsten Serien der Gegenwart.
#26 – Baby Driver (2017) von Edgar Wright
Der Film beginnt mit einer Verfolgungsjagd, dann folgt die Kamera Baby in einer fließenden, akribisch choreografierten Einstellung durch eine Straße in Atlanta. Jeder Schritt, jeder Blick, jedes Detail der Umgebung ist mit der Musik synchronisiert, die er über Kopfhörer hört. Es ist eine völlig neue Art, eine Figur zu filmen. Schon in der ersten Minute wird klar: Baby Driver ist etwas Besonderes.
#27 - Hard Boiled (1992) von John Woo
John Woo erfand das „Bullet Ballet“, einen Actionfilmstil, bei dem Schießereien an Tänze erinnern. Die finale Schießerei im Krankenhaus ist sein Meisterwerk: Dutzende Minuten voller Kämpfe, Hechtsprünge und weißer Tauben, gefilmt mit beinahe unglaublicher Geschmeidigkeit. Es ist der Film, der die Actionregisseure der letzten 30 Jahre am meisten beeinflusst hat. Chow Yun-fat auf dem Höhepunkt seines Ruhms.
#28 – Die Ehre des Drachen (2005) von Prachya Pinkaew
Tony Jaa steigt eine Treppe hinauf und stellt sich in einer einzigen, minutenlangen Einstellung Dutzenden von Gegnern. Keine Spezialeffekte, keine Drähte, kein Schnitt, der die Schläge kaschiert. Es ist Muay Thai pur, gefilmt mit einer Kamera, die sich spiralförmig um ihn dreht. Diese Szene machte Tony Jaa zum internationalen Star und zählt bis heute zu den beeindruckendsten Momenten des asiatischen Actionkinos.
#29 – Snake Eyes (1998) von Brian De Palma
Brian De Palma ist besessen von langen Einstellungen, und „Snake Eyes“ beginnt mit einer seiner virtuosesten. Fünfzehn Minuten lang begleiten wir einen korrupten Detective, gespielt von Nicolas Cage, hinter die Kulissen einer Boxarena. Die Kamera schlängelt sich durch die Umkleidekabinen, die Gänge und schließlich zum Ring – alles in einem einzigen, fließenden Tanz. Typisch De Palma: extravagant, ein bisschen verrückt und vollkommen kontrolliert.
#30 - 19-2 - Staffel 2, Folge 1 (2015)
Diese Polizeiserie aus Québec ist in Frankreich relativ unbekannt geblieben, doch die Eröffnungsszene der Folge „Schule“ ist unter Serienfans legendär. Zwei Polizisten rücken zu einem Einsatz an einer High School aus, und die Kamera folgt ihnen fast sechs Minuten lang ohne Schnitt – pure Spannung. Es ist eine der realistischsten und authentischsten langen Einstellungen, die je für das Fernsehen gedreht wurden.
#31 – Children of Men (2006) von Alfonso Cuarón – Die Schlacht von Bexhill
Die zweite große Sequenz des Films ist ebenso beeindruckend wie die erste, aber in völlig anderer Manier. Eine Straßenschlacht in einem verwüsteten Stadtgebiet, in einer einzigen Einstellung inmitten der Kämpfer gefilmt. Schauspieler und Kamera verharren für einige Sekunden, wenn eine Figur das Schlachtfeld betritt, dann geht alles weiter. Eine Kriegsszene wie keine andere.
#32 – Abbitte (2007) von Joe Wright
Die Szene am Strand von Dünkirchen in diesem romantischen Drama dauert fünf Minuten und zeigt 250.000 alliierte Soldaten, die auf ihre Evakuierung warten. Joe Wright setzte 1.000 Statisten und Horizonteffekte ein, um den Eindruck einer ganzen Armee zu erzeugen. Es ist eine monumentale Plansequenz in einem Film, der kein Kriegsfilm ist. Eine der besten Anwendungen dieses Formats im britischen Kino.
#33 - Elephant (2003) von Gus Van Sant
Gus Van Sant filmt einen gewöhnlichen Tag an einer amerikanischen High School vor dem Amoklauf. Lange Sequenzen folgen Schülern durch die Flure, mit dem Rücken zur Kamera, ohne je eine Erklärung zu liefern. Die Kamera beobachtet, dokumentiert und weigert sich zu urteilen oder zu dramatisieren. Diese radikale formale Entscheidung macht den Film zu einem kraftvollen politischen und emotionalen Werk. Gewinner der Goldenen Palme in Cannes 2003.
#34 – Kill Bill: Volume 1 (2003) von Quentin Tarantino
Die Kampfszene im Crazy 88 ist Quentin Tarantinos spektakulärste Szene. Die Braut stellt sich in einem japanischen Club Dutzenden von Gegnern, und die Kamera folgt dem Geschehen in einem fast ununterbrochenen Fluss, wobei sie zwischen Farbe und Schwarzweiß wechselt. Es ist eine Mischung aus Kung Fu, Schwertkampf und Slapstick in einer mitreißenden Choreografie. Eine Sequenz, die alles verkörpert, was wir an Tarantino lieben.
#35 – Magnolia (1999) von Paul Thomas Anderson
Die Eröffnungsszene von „Magnolia“ präsentiert in nur wenigen Minuten eine Galerie scheinbar zusammenhangloser Charaktere mit schwindelerregender Dynamik und Geschwindigkeit. Anderson wechselt nahtlos und mit verblüffender Leichtigkeit zwischen Situationen und Schauplätzen. Der Film dauert über drei Stunden, und schon in den ersten Minuten wird klar, dass man es mit einem außergewöhnlichen Regisseur zu tun hat. Mit Tom Cruise in einer seiner besten Rollen.
#36 - The Place Beyond the Pines (2012) von Derek Cianfrance
Der Film beginnt mit einer langen Einstellung, die Ryan Gosling von hinten durch einen Jahrmarkt zu seinem Motorrad und dem Eingang zu einem sich drehenden Metallkäfig begleitet. Es gibt keinen Dialog, nur Musik und die Geräusche der Menge. Es ist eine der besten Charaktervorstellungen der letzten zehn Jahre. Vom ersten Moment an wollen wir wissen, wer dieser Mann ist.
#37 - Daredevil: Born Again - Staffel 1, Folge 1 (2025)
Daredevils Rückkehr auf Disney+ beginnt mit einer ausgedehnten Kampfszene in einem Treppenhaus – eine Hommage an die langen Einstellungen, die zum Markenzeichen der Originalserie wurden. Matt Murdock stellt sich in einer einzigen Einstellung mehreren Gegnern – erschöpft, aber immer noch kampfbereit. Es ist sowohl eine Verneigung vor der ersten Serie als auch ein Statement für die Zukunft. Langjährige Fans bekamen genau das, was sie sich erhofft hatten.
#38 – Mr. Robot – Folge 3.4 (2017) von Sam Esmail
Sam Esmail hatte die kühne Idee, eine ganze Folge seiner Serie in einer einzigen, ungeschnittenen Einstellung zu drehen. Vierundvierzig Minuten ohne einen einzigen Schnitt, mit Schauspielern, die unmöglich einen Fehler machen konnten. Eine absolut wahnwitzige Produktionsherausforderung für eine Fernsehserie. Die Folge zählt zu den ambitioniertesten Werken in der Geschichte des amerikanischen Fernsehens.
#39 – Spuk in Hill House – Folge 6 (2018) von Mike Flanagan
Mike Flanagan hat in dieser Folge geschickt zwei lange Kamerafahrten versteckt, die vielen Zuschauern beim ersten Ansehen entgangen sind. Die Kamera gleitet minutenlang ohne Schnitt zwischen den trauernden Personen in einem Bestattungsinstitut hin und her. Es ist eine emotionale, keine spektakuläre Kamerafahrt, und genau das macht sie so bemerkenswert.
#40 – Deadpool & Wolverine (2024) von Shawn Levy
Der wohl verrückteste Marvel-Film der letzten Jahre bietet Actionsequenzen, die scheinbar in einer einzigen Einstellung gedreht wurden, in denen Wade Wilson und Logan sich ununterbrochen bekämpfen. Shawn Levy wollte den Actionfilmen der 80er Jahre Tribut zollen und gleichzeitig die Grenzen des Filmemachens neu definieren. Er ist pure Unterhaltung, aber unglaublich gut umgesetzt.
#41 - Die drei Musketiere: D'Artagnan (2023) von Martin Bourboulon
Martin Bourboulon wollte beweisen, dass das französische Kino Weltklasse-Abenteuerfilme hervorbringen kann. D'Artagnans Kampfszene wurde in einer einzigen Einstellung gedreht, mit einer Kampfchoreografie und einer Energie, die an die besten Hollywood-Abenteuerfilme erinnert. Einer der ambitioniertesten französischen Blockbuster seit Langem. Und er funktioniert.
#42 – The Shining (1980) von Stanley Kubrick
Mit „The Shining“ revolutionierte Kubrick den Einsatz der Steadicam. Die Kamera folgt Danny Torrance auf seinem Dreirad durch die Korridore des Overlook Hotels mit hypnotischer Geschmeidigkeit. Diese langen Einstellungen erzeugen ein ständiges Gefühl der Unruhe, als ob die Kamera ein Raubtier wäre, das den Jungen verfolgt. Kubrick machte die lange Einstellung zu einem Werkzeug psychologischen Terrors.
#43 - Buffy – Im Bann der Dämonen – „Die Leiche“ (2001) von Joss Whedon
„Die Leiche“ gilt als die beste Folge von Buffy und ist wohl eine der schönsten Fernsehfolgen überhaupt. Die lange Eröffnungssequenz zeigt Buffy, wie sie den leblosen Körper ihrer Mutter entdeckt – ohne Musik, ohne jegliche Ausschmückungen. Sechs Minuten roher emotionaler Wucht, die jeden Zuschauer tief berühren. Niemand war darauf vorbereitet.
#44 – Akte X – „Dreieck“ – Staffel 6, Folge 3 (1998) von Chris Carter
Chris Carter drehte eine ganze Folge von Akte X, die 1939 auf einem Ozeandampfer spielt und dabei von Hitchcock inspiriert ist, mit mehreren langen Einstellungen. Mulder findet sich in die Vergangenheit katapultiert wieder, und die Kamera weicht ihm fast nie von der Seite. Es ist eine völlig ungewöhnliche Folge für eine Science-Fiction-Serie. Gerade deshalb ist sie so unvergesslich.
#45 - Der längste Tag (1962)
Dieser Kriegsfilm über die Landung in der Normandie enthält eine spektakuläre Plansequenz während des Angriffs auf das Casino von Ouistreham. Alliierte Soldaten rücken unter Beschuss vor, die Kamera folgt ihnen durch das Chaos und die Verwirrung – ohne Schnitt. Es ist eine der ersten großen Kriegsszenen des Hollywood-Kinos. Auch über 60 Jahre später hat die Szene nichts von ihrer Wirkung eingebüßt.
#46 — Sinners (2025) von Ryan Coogler
Ryan Cooglers neuester Film, vom Regisseur von „Creed“ und „Black Panther“, besticht durch eine faszinierende, in einer einzigen Einstellung gedrehte Musiksequenz, die das Publikum in Staunen versetzt hat. Angesiedelt im Mississippi-Delta der 1930er-Jahre, zeichnet sich dieser Moment durch außergewöhnliche Bildqualität aus. Mit diesem Film bestätigt Ryan Coogler seinen Status als einer der begabtesten Filmemacher seiner Generation.
#47 — Der Spieler (1992) von Robert Altman
Robert Altman eröffnet seinen Film über Hollywood mit einer achtminütigen Einstellung, die in den Büros eines Filmstudios spielt. Dutzende von Figuren betreten und verlassen das Bild, Gespräche kreuzen sich, und die Kamera bewegt sich mit einer mühelosen, fast natürlichen Leichtigkeit durch all das. Altman zollt in den Dialogen sogar „Im Zeichen des Bösen“ Tribut. Eine lange Einstellung in einer langen Einstellung.
#48 - Das Studio (2025)
Die Apple TV+ Serie mit Seth Rogen als Hollywood-Studioboss in der Krise enthält eine Folge, die in einer einzigen Einstellung gedreht wurde. Das chaotische Treiben hinter den Kulissen eines Filmdrehs wird ohne Schnitte gezeigt, die Kamera ist fast so hektisch wie die Figuren. Es ist eine Komödie, aber die technische Umsetzung ist beeindruckend. Eine Serie, die mit Liebe und Ironie vom Kino erzählt.
#49 – Guardians of the Galaxy Vol. 3 (2023) von James Gunn
James Gunn hat in seinem neuesten MCU-Film eine Korridorszene eingebaut, die eine Hommage an „Oldboy“ und seine mitreißenden, ununterbrochenen Actionsequenzen darstellt. Die Guardians besiegen ihre Gegner in einem weißen Korridor mit einer komischen und ungewöhnlichen Choreografie. Es ist ein Superheldenfilm, der sich Zeit für seine Inszenierung nimmt. Eine angenehme Überraschung in einem Universum, das nicht immer für solch visuelle Brillanz bekannt ist.
#50 – Kingsman: Secret Service (2014) von Matthew Vaughn
Die Kirchenszene ging nur wenige Tage nach Kinostart viral. Ein einzelner Mann stellt sich in einer einzigen, mehrminütigen Einstellung Hunderten von Gegnern entgegen – mit einer irren Kampfchoreografie. So etwas hatte man in einem Mainstream-Actionfilm noch nie gesehen. Millionen von Aufrufen auf YouTube, eine einzige Einstellung, die jeder teilte.