One-Shot-Sequenz aus Enter the Void (2009) – Oscars Sichtweise
Filmtitel: Enter the Void (Suddenly the Void)
Jahr: 2009 (Cannes) / 2010 (öffentliche Veröffentlichung)
Regisseur / Co-Autor / Mitherausgeber / Kranführer: Gaspar Noé
Co-Drehbuchautorin: Lucile Hadzihalilović (Noés Partnerin, Regisseurin von Innocence)
Länder: Frankreich / Deutschland / Italien / Kanada
Kameramann: Benoît Debie (SBC - Irreversible 2002, Climax 2018, bereits in dieser Sammlung)
Key Grip: Akira Kanno (Japaner, „der Beste, von dem ich hätte träumen können“, laut Noah)
Mitherausgeber: Marc Boucrot und Jérôme Pesnel
Musik: Thomas Bangalter (Daft Punk, auch auf Irreversible und Climax) + "Freak" von LFO (Vorspann)
Generisches Design: Tom Kan (Typografie) + Thomas Fleisch (30.000-Volt-elektrostatische Fotografien auf Kartonausschnitten + Aluminiumfolie)
VFX: BUF Company – Geoffrey Niquet (Supervisor)
Kameras: Aaton XTR Prod, ARRICAM Lite (LT), Ikonoskop
Optiken: Zeiss Master Prime, Zeiss Ultra 16
Film: Kodak Vision3 250D 5207 und 500T 5219
Stabilisierung: massive Kräne im Studio (Nachbau realer Drehorte), Steadicam für Übergänge
Dauer der Eröffnungssequenz: ca. 15 Minuten (bis zu Oscars Tod auf der Toilette)
Methode: Vollständige POV-Perspektive (Point of View), die Kamera ist im ersten Teil aus Oscars Augenperspektive, danach schwebt sie nach seinem Tod „einen Fuß hinter seinem Kopf“.
Bemerkenswerte lange Einstellungen im Film:
POV-Eröffnung (~15 Min.)
Luftaufnahme von Tokio nach dem Tod (5 Minuten in einer einzigen Einstellung, BUF)
Das Liebeshotel (die Kamera fährt durch die Wände von Zimmer zu Zimmer)
Direkte Inspiration: Die Dame im See (Robert Montgomery, 1947), der erste Film, der vollständig aus der Ich-Perspektive gedreht wurde und von Noah unter dem Einfluss halluzinogener Pilze gesehen wurde.
Filmlänge: 161 Minuten (erweiterte Fassung) / 143 Minuten (internationale Fassung)
Drehorte: Tokio (3+ Monate) + Montreal (4 Wochen, Kindheitsszenen)
Budget: 12,4 Millionen Euro
Einspielergebnis: 1,5 Millionen Dollar
Cannes 2009: Offizielle Auswahl
Tokio. Eine Wohnung im sechsten Stock. Blick auf die Neonlichter des Viertels. Du liegst im Bett. Du bist Oscar. Du siehst das Fenster, den Balkon, den rosafarbenen Himmel über den Dächern. Deine Schwester Linda betritt das Zimmer, deine Augen folgen ihr, wie dein Verstand es tun würde. Sie spricht dich an. Du antwortest ihr (in einem inneren Voice-over, denn deine Lippen sind auch deine Stimme). Sie geht zur Arbeit, Stripperin in einem Club in Shinjuku. Du bist allein. Du nimmst deine DMT-Pfeife. Du rauchst. Und fünf Minuten lang siehst du nichts, nur farbige Mandalas, Neon-Tentakel, sich drehende Kugeln. Der Trip endet. Du schaust auf den Wecker. Du gehst die Treppe hinunter. Du durchquerst das Viertel. Du betrittst eine heruntergekommene Bar namens „The Void“. Die Toilette. Ein schiefgelaufener Drogendeal. Die Polizei trifft ein. Du schließt dich in einer Kabine ein. „Ich habe eine Waffe.“ Ein Schuss durchschlägt die Tür. Du fällst. Die Kamera, die seit dem Vorspann nie von deinem Kopf gewichen ist, bleibt bei dir. Du blickst zu Boden. Du blickst auf deine Hände. Deine Sicht verschwimmt. Du stirbst. Und doch schaltet die Kamera nicht ab. Sie bleibt bei dir. Die nächsten zwei Stunden wird sie dich nicht mehr verlassen.
Warum diese Szene legendär ist
Jeder andere Film hätte zu deinem Tod geschnitten. Jeder andere Film hätte beim Fallen des Körpers eine Totale gezeigt, eine Kamerafahrt, einen Schwarzblende, einen Perspektivwechsel. Noah weigert sich. Die Kamera bleibt an deinem toten Gehirn kleben. Und von dort aus entsteht der gesamte Film: 143 Minuten lang schwebst du über Tokio in Oscars postmortalem Bewusstsein, siehst deine Schwester leiden, deine Freunde dich verraten, deine Vergangenheit in Bruchstücken zurückkehren. Die einleitende Kamerafahrt ist keine technische Meisterleistung, sie ist ein Vertrag. Noah verspricht dir von der ersten Sekunde an, dass du Oscar nicht entkommen kannst. Die Kamera wird ihn nie verlassen. Du bist für die gesamten 2 Stunden und 20 Minuten des Films in seinem Schädel gefangen.
Dies ist das radikalste Projekt dieser Sammlung in Bezug auf die Perspektive. Strange Days (1995, ebenfalls in der Sammlung) nutzte die Helmkamera in Sequenzen von 3 bis 10 Minuten Länge. Enter the Void dehnt dies auf den GESAMTEN FILM aus. 143 Minuten aus der Ich-Perspektive, zunächst aus Oscars Sicht, dann nach seinem Tod „einen Fuß hinter seinem Kopf“. Kein Film davor oder danach hat die visuelle Identifikation so weit getrieben.
Noah erklärte den Ursprung des Projekts: Er hatte Robert Montgomerys „Die Dame im See“ (1947) gesehen, einen Film noir, der vollständig aus der Ich-Perspektive gedreht ist und in dem Detektiv Philip Marlowe, während er halluzinogene Pilze konsumiert, nur durch seine Hand im Bild zu sehen ist. Die Kombination aus Montgomerys Perspektive und der psychedelischen Erfahrung inspirierte ihn zu der Idee: ein ganzer Film in der Ich-Perspektive, wie ein andauernder Trip, mit dem Tod als Wendepunkt.
366 Weird Movies fasst die Dreistigkeit so zusammen: „Der Film beginnt mit einer kurzen Einführung der Hauptfiguren, Oscar, dem Drogendealer (aus dessen Perspektive der gesamte Film gedreht ist), und seiner Stripper-Schwester Linda, und gleitet dann in einen fünfminütigen wortlosen DMT-Trip ab, eine abstrakte Regenbogen-Odyssee aus wirbelnden Mandalas und sanft wogenden Tentakeln.“
Wie sie es gefilmt haben
Die radikalste technische Neuerung war zugleich die am wenigsten sichtbare: Noé bediente den Kran selbst. Nicht Debie. Noé. In einem Interview mit HollywoodChicago aus dem Jahr 2010 erklärte Noé: „Ich bediente den Kran, aber der Grip schob den Dolly, auf dem der Kran stand. Ich träumte fast jede Nacht davon, wie ich den Kran am nächsten Tag am Set positionieren würde. Das war meine größte Obsession. Mein Kameramann kümmerte sich um die Beleuchtung. Es war wirklich schwierig, diese Szenen zu drehen, deshalb übernahm er nicht die Kameraarbeit, zumindest nicht bei diesem Film. Ich bin froh, dass wir uns die Arbeit teilen konnten, und zum Glück hatte ich den besten Grip, von dem ich hätte träumen können.“
Das ist das genaue Gegenteil der traditionellen Arbeitsteilung. Bei „Irreversible“ (2002)bediente Noé bereits selbst die Kamera. Bei „Enter the Void“ steuert er den Kran, während Debie, seine reguläre Kamerafrau, sich ausschließlich um die Beleuchtung kümmert. Akira Kanno, der japanische Oberbeleuchter, schiebt den Dolly, auf dem der Kran sitzt, selbst. Der Filmemacher wird so zum Kameramann in Personalunion, der Kameramann zum reinen Lichtgestalter und der Oberbeleuchter zum Motor des Films.
Die physische Herausforderung war enorm. Um die Kamera durch die Wände der Apartments und Liebeshotels schweben zu lassen – was nach Oscars Tod die Bildsprache des Films prägte –, waren Kransysteme nötig, die es damals noch nicht gab. Noah bestätigte gegenüber BUF: „Am schwierigsten war es, jemanden zu finden, der fähig genug war, Kransysteme zu entwickeln, mit denen die Kamera ständig durch die Wände fliegen konnte. Es schien eine technisch unmögliche Leistung zu sein. Wir versuchten, Prototypen anfertigen zu lassen. Letztendlich dachten wir, wir könnten vor Ort drehen, aber wir mussten vieles im Studio nachbauen, weil es sonst unmöglich gewesen wäre.“ Die echten Tokioter Apartments wurden in Studios mit abnehmbaren Wänden, abnehmbaren Decken und riesigen Kränen, die durch alles hindurchreichen konnten, nachgebaut. „Ich hatte Albträume, in denen der Kran stecken blieb, und jede Nacht träumte ich von Kamerapositionen und Szenenfolgen.“ Die Dreharbeiten in Tokio dauerten über drei Monate.
Die Eröffnungsszene (Oscars Perspektive aus seiner Wohnung) nutzt unsichtbaren Schnitt. Die Kamera ist keine echte Helmkamera wie in Strange Days. Es handelt sich um ein System aus Handkameras und Kränen, das in der Postproduktion zusammengestellt wurde, um die Illusion einer durchgehenden Perspektive zu erzeugen. Wenn Oscar blinzelt, wird der Bildschirm kurz schwarz, wodurch die Schnitte zwischen den einzelnen Einstellungen kaschiert werden. Noah hat das Blinzeln zu einem Schnittmittel gemacht. Man blinzelt, um den Schnitt zu vergessen.
Der Vorspann ist jedoch eine einzigartige Kreation. Tom Kan entwarf die Typografie. Thomas Fleisch schuf die „Elektrofotografien“ der Kirlian-Bilder, die durch das Leiten von 30.000 Volt durch mit Aluminiumfolie bespannte Pappausschnitte erzeugt wurden. Ursprünglich war der elektrische Effekt für die Schlussszene im Liebeshotel vorgesehen (um die Genitalien der Paare herum, ein „Kirlian-Aura“-Effekt). Noé entschied sich schließlich für einen Raucheffekt für diese Szene. Die elektrischen Bilder waren jedoch so wirkungsvoll, dass er sie für den Vorspann wiederverwendete. Das Ergebnis: zwei Minuten stroboskopische Typografie, untermalt von LFOs „Freak“, in einer solchen Geschwindigkeit, dass die Namen unleserlich sind; Noé wollte den Zuschauer schon vor der ersten Einstellung des Films desorientieren.
Die Luftaufnahme von Tokio nach Oscars Tod, die technisch beeindruckendste Einstellung, dauert fünf Minuten. Geoffrey Niquet, BUF, erklärte gegenüber fxguide: „Für den Überflug aus großer Höhe modellierten wir zunächst eine Flugroute anhand von Videomaterial aus einem Hubschrauber. Anschließend modellierten wir die Stadtviertel und fügten Texturen mithilfe digitaler Fotos hinzu. Um den Aufnahmen eine traumhafte Qualität zu verleihen, verstärkten wir die Farben der Neonlichter, die Spiegelungen auf den nassen Gehwegen und das Schwarz der Dächer. Diese ununterbrochene Einstellung dauert fünf Minuten.“ BUF nutzte seine firmeneigene Software, um ganz Tokio anhand von Fotos in 3D zu rekonstruieren.
Worauf man bei der Überprüfung achten sollte
Blinzeln (~die gesamte Eröffnungsszene aus der Ich-Perspektive): Jedes Mal, wenn Oscar blinzelt, wird der Bildschirm kurz schwarz. Noah nutzt das Blinzeln als Schnitttechnik; jedes „Blinzeln“ kann einen Schnitt zwischen zwei Einstellungen verbergen. Es ist die genialste Erfindung des Films: Die natürliche Physiologie des menschlichen Auges wird zu einer unsichtbaren Nahttechnik. Zählen Sie die Blinzeln in den ersten 15 Minuten. Dort finden Sie die Übergänge zwischen den Einstellungen.
Der DMT-Trip (zwischen Minute 3 und 8) dauert 5 Minuten und kommt ohne Dialog aus; man sieht nur Mandalas und neonfarbene Tentakel. Keine Erzählung. Keine menschlichen Gesichter. Noah vertraut darauf, dass der Zuschauer 5 Minuten lang in Oscars chemischem Bewusstsein verweilt. Es ist das psychedelische Äquivalent zu Stargate aus „2001: Odyssee im Weltraum“, aber komplett aus der Ich-Perspektive.
Tod auf der Toilette (ca. Minute 14-15) Der Wendepunkt des gesamten Films. Oscar stürzt. Die Kamera bleibt bei ihm. Du starrst auf den schmutzigen Boden der Toilette im Nichts. Deine Sicht verschwimmt. Und anstatt zu schneiden, anstatt zu weiten, anstatt in Schwarz auszublenden, lässt Noah die Kamera in deinem Schädel. Der Pakt ist besiegelt: Zwei Stunden lang wirst du ein toter Zuschauer sein.
Wussten Sie das?
„Enter the Void“ ist der dritte Artikel von Gaspar Noé und Benoît Debie in dieser Sammlung und vervollständigt eine perfekte Trilogie:
In „Irreversible“ (2002) bleibt die Kamera neun Minuten lang im Tunnel unbeweglich. Diese ununterbrochene Einstellung dient als Qual für den Zuschauer.
Enter the Void (2009): Die Kamera klebt 143 Minuten lang an einem Gehirn. Die ununterbrochene Einstellung, die den Zuschauer in ihren Bann zieht
Climax (2018) – Kamerafahrt über 42 Minuten. Die durchgehende Einstellung als Auflösung des Betrachters.
Drei Filme, drei gegensätzliche Funktionen des Verzichts auf Schnitt. Und dasselbe Duo hinter der Kamera. Noé und Debie haben die lange Einstellung zum zentralen Stilmittel ihres Kinos gemacht, eines Kinos, das die bequemen Konventionen des klassischen Schnitts ablehnt und den Zuschauer in ein Erlebnis einbindet, dem er sich nicht entziehen kann.
Dieser Film hat auch eine gewisse Ähnlichkeit mit „Strange Days“ (Bigelow, 1995, bereits in dieser Sammlung). Beide nutzen die Erzählperspektive, um dem Zuschauer eine Identität aufzuzwingen und ihn das Leben eines anderen erleben zu lassen. Doch während Bigelow die Erzählperspektive für 3- bis 10-minütige Sequenzen (die SQUID-Aufnahmen) verwendet, dehnt Noah sie auf einen ganzen Film aus. Und wo Bigelow eine kritische Distanz zwischen der SQUID-Maschine und dem Zuschauer wahrt, hebt Noah diese Distanz auf. Man sieht keine Aufnahme. Man ist Oscar.
Und da ist noch ein letztes, beunruhigendes Detail: Oscars Kindheitsszene (der Moment, in dem er seiner Schwester Linda verspricht, sie niemals zu verlassen) wurde in Montreal gedreht, nicht wie ursprünglich geplant in New York. Noé erklärt: „Anfangs dachte ich an eine Stadt wie New York, wo ich einen Teil meiner Kindheit verbracht habe. Daher schien es mir naheliegend, dass seine frühe Kindheit dort spielen würde. Aufgrund von Arbeitsgesetzen entschieden wir uns aber letztendlich für Kanada, weil wir dort deutlich mehr Stunden am Tag mit Kindern drehen konnten.“ Die intimste Erinnerung des Films, die Oscars gesamte Motivation prägt, spielt sich also nicht in seiner tatsächlichen Heimatstadt ab, sondern in einer Stadt, die aus arbeitsrechtlichen Gründen ausgewählt wurde. Typisch Noé.
Quellen
Gaspar Noé - HollywoodChicago / Indie Outlook, „Französischer Filmemacher wagt sich ins Nichts“ (September 2010, Neuauflage 2021)
Gaspar Noé – BUF, offizielles Interview (2010)
Geoffrey Niquet (BUF VFX Supervisor) - fxguide, "Enter the Void made by fx" (2010)
Tom Kan & Thomas Fleisch – Art of the Title, „Enter the Void (2009)“ (November 2011)
Thomas Fleisch – Watch the Titles, „Enter the Void Title Sequence by Gaspar Noé“ (zitiert 2019)
ShotOnWhat – Enter the Void (2009) Technische Daten
Express-Fahrstuhl zur Hölle – „Gaspar Noés Irreversible & Enter the Void“ (Juni 2022)
366 Weird Movies - "81. ENTER THE VOID (2009)" (April 2021)
Wikipedia – Enter the Void
Gaspar-noe.com - Offizielle Seite Betritt die Leere
Lesen Sie auch:
Russian Ark (2002) – Ein einziger Take (https://www.plan-sequences.com/categories-de-plans-sequences/plan-sequence-larche-russe-2002 ) – Der zweite Film der Sammlung, der komplett in einem Take gedreht wurde: dieselbe absolute Weigerung, zu schneiden, aber das Gegenteil von POV – eine geisterhafte Kamera, die beobachtet, ohne jemals Besitz zu ergreifen.
Kann KI einen Film in einer einzigen Einstellung drehen? (Sora, Runway...) https://www.plan-sequences.com/blog-plan-sequences/lia-peut-elle-tourner-un-plan-squence-sora-runway-kling-en-2026 – Was BUF 2009 mit eigener Software und drei Monaten Drehzeit erreichte, schaffen generative Modelle heute in wenigen Minuten.
