Das Studio (2025) – Sequenz in einer einzigen Einstellung
Jahr : 2025
Regie/Produktion: Seth Rogen und Evan Goldberg
Land: Vereinigte Staaten (Apple TV+)
Kameramann: Adam Newport-Berra
Kameramann: Mark Goellnicht
Key Grip: Adam Kolegas
Produktionsdesignerin: Julie Berghoff
Farbkolorist: Damien Vandercruyssen (Harbor)
Kamera: ARRI Alexa 35
Objektiv: 21 mm (fest) - dasselbe Objektiv, das während der gesamten Dreharbeiten verwendet wurde
Stabilisierung: DJI Ronin (Gimbal) für Übergänge zwischen Standorten
Anzahl der Folgen: 10
Methode: Jede Szene wurde in einer einzigen, ununterbrochenen Einstellung gedreht, nicht nur eine Folge, sondern die gesamte Serie. Lediglich am Anfang und Ende der Szenen wurden kleinere Schnitte vorgenommen; Folge 2 wurde so bearbeitet, dass sie wie eine einzige, ununterbrochene Einstellung wirkt.
Durchschnittliche Anzahl der Einstellungen pro Szene: 16 (einige Szenen: 22+)
Episode 2 „The Oneer“: gedreht über mehrere Tage bei Sonnenuntergang, mit einem Zeitfenster von 90 bis 120 Minuten Tageslicht pro Tag, zusammengeschnitten zu einer einzigen 25-minütigen Einstellung.
Zweite Kamera: nur einmal – an Scorseses Drehtag. Nie benutzt.
Als Inspiration wurden folgende Filme genannt: The Player (Altman, 1992 – 8-minütige Eröffnungsszene); Im Zeichen des Bösen (Welles); Goodfellas – Drei Jahrzehnte in der Mafia (Scorsese); Boogie Nights (PT Anderson); Ich bin Kuba (Kalatozov)
Die Büros der Continental Studios. Matt Remick (Seth Rogen), der neue Studioboss, geht einen Flur entlang. Sein Telefon klingelt. Patty (Catherine O'Hara) taucht hinter ihm auf. Sal (Ike Barinholtz) kommt durch eine Seitentür herein. Maya (Kathryn Hahn) gesellt sich auf der Treppe zu ihnen. Die Kamera folgt den Vieren, umkreist sie beim Sprechen, folgt ihnen beim Gehen und fängt sie ein, wenn sie stehen bleiben. Sie fährt eine Treppe hinauf, durch ein Büro, hinaus auf einen Parkplatz, in einen Golfwagen und in Matts Büro – alles ohne Schnitt. Drei Schauplätze. Vier Hauptfiguren. Zwei Gastauftritte. Ein Golfwagen. Kein Schnitt. Und das ist nur die erste Szene der ersten Folge. Alle zehn Folgen der Serie wurden auf dieselbe Weise gedreht.
Warum diese Szene legendär ist
In der zweiten Folge, die mit perfektem metakomischem Flair den Titel „Die lange Einstellung“ trägt, beobachtet Matts Figur Sarah Polley (die sich selbst spielt) bei den Dreharbeiten zu einer langen Einstellung. Er murmelt ehrfürchtig: „Es ist, als wäre man mit P.T. Anderson am Set von Boogie Nights, als sie die Eröffnungsszene in einer einzigen Einstellung drehten. Oder als wäre man mit Orson Welles am Set von Im Zeichen des Bösen während der Autobombenszene. Oder als wäre man auf den Straßen Kubas, als sie die Beerdigungsszene in Ich bin Kuba drehten.“
Drei der auf dieser Seite besprochenen Filme werden in den Dialogen einer Apple TV+-Komödie erwähnt. Rogen kennt sich mit der Geschichte der langen Einstellung aus. Und er hat sie zu einer Produktionsphilosophie gemacht.
Das Studio hat keine einzige Folge in einer einzigen, ununterbrochenen Einstellung gedreht. Es ist eine ganze Serie, die in einer einzigen, ununterbrochenen Einstellung entstanden ist. Jede Szene jeder Folge wurde in einer einzigen, ungeschnittenen Einstellung gefilmt. Eine Kamera. Ein Objektiv (21 mm). Kein Schnitt als erzählerisches Mittel; der Schnitt erfolgt live am Set, innerhalb der Choreografie der Schauspieler und der Kamera. Newport-Berra: „Wir haben versucht, die Kamera so viel wie möglich zu bewegen, um so viel wie möglich von der Welt einzufangen. Wir haben darauf geachtet, dass sich die Kamera frei bewegen konnte und in jede Richtung schwenken konnte. Die Crew war immer darauf vorbereitet, und Julies Sets ermöglichten es uns, in jede Richtung zu schauen.“
Rogen beschrieb die Auswirkungen auf das Drehbuch: „Es zwang uns, sehr hohe Ansprüche an die Szenen zu stellen. Ist es gut genug? Ist es zu lang? Es war aufschlussreich, um festzustellen, ob die Szenen wirklich funktionierten, denn wenn sie zu lang waren, merkte man das sofort.“ Der Mangel an Schnitten wurde zu einer Art Lügendetektor; wenn eine Szene in einem Take nicht funktioniert, funktioniert sie einfach nicht.
Wie sie es gefilmt haben
Newport-Berra legte von Anfang an die Regel fest: „Man muss für eine einmalige Sache schreiben. Das Material muss geeignet sein.“ Rogen und Goldberg hatten diese Vorgabe bereits in den Schreibprozess integriert; jede Szene war mit einem Anfang, einem Verlauf und einem Ende konzipiert, die mit einer einzigen Kamerafahrt gefilmt werden konnten.
Der tägliche Drehablauf: stundenlange Proben am Morgen, manchmal ohne Dreharbeiten bis zum Mittagessen (was die Produzenten nervös machte), dann wurden zwölf Seiten am Stück in einem Block gedreht. Rogen: „Als wir einmal angefangen hatten, konnten wir nicht mehr aufhören, und das Tolle daran ist, dass der Schwung nie nachließ.“ Zwischen 16 und 22 Takes pro Szene. Die Szenen entwickelten sich live am Set, unter Einbeziehung der Schauspieler, des Kameramanns und des Cutters.
Die technische Wahl fiel auf eine ARRI Alexa 35 mit einem festen 21-mm-Objektiv ohne Variationen. Newport-Berra, Kolegas (Oberbeleuchter) und Goellnicht (Kameramann) mussten Wege finden, die Kameraführung flüssig und unauffällig zu gestalten. Das 21-mm-Weitwinkelobjektiv bot genügend Schärfentiefe, um die Action in alle Richtungen scharf abzubilden. Die 360°-Herausforderung, wie bei allen langen Einstellungen: Es war unmöglich, die Beleuchtung außerhalb des Bildausschnitts zu verbergen, da sich die Kamera in jede Richtung drehen konnte. Berghoff entwarf jedes Set so, dass es aus jedem Blickwinkel glaubwürdig wirkte. Die Beleuchtung basierte auf natürlichem Licht und in das Set integrierten praktischen Hilfsmitteln (Straßenlaternen, Neonröhren, Schreibtischlampen).
Folge 2, „The Oner“, war die komplexeste. Die Handlung: Matt und Sal fahren durch die Hollywood Hills, um Sarah Polley beim Dreh einer One-Take-Szene zuzusehen. Die gesamte 25-minütige Folge wurde so geschnitten, dass sie wie eine einzige, durchgehende Einstellung wirkt, doch Goldberg bestätigte, dass es sich nicht um eine echte One-Take-Szene handelt. Die Dreharbeiten erstreckten sich über mehrere Tage, jeweils bei Sonnenuntergang, in einem Zeitfenster von 90 bis 120 Minuten Tageslicht pro Tag. Das Team probte den ganzen Tag und drehte dann drei oder vier Takes im optimalen Licht. Einmal verschwand die Sonne während der Dreharbeiten, und gleichzeitig durchbrannte die Kamera – ein doppelter Totalausfall.
Scorsese-Tag. Rogen hatte ihm nicht gesagt, dass die Serie komplett in One-Shots gedreht wurde. „Es war wirklich beängstigend. Wir mussten Scorsese nicht nur Regieanweisungen geben, sondern ihn auch auf eine ganz bestimmte Art filmen, was für einen Schauspieler extrem schwierig ist.“ Rogen hatte vorsichtshalber eine zweite Kamera bestellt und in einem nahegelegenen Hotelzimmer versteckt, falls Scorsese fragen sollte: „Habt ihr keine zweite Kamera?“ Als Scorsese ankam und Rogen ihm das Setup erklärte, sagte Scorsese: „Super, gefällt mir sehr.“ Die zweite Kamera kam nie zum Einsatz. Newport-Berra: „Marty liebt One-Shots und er mag direkte Herangehensweisen, also war er sofort begeistert.“
Hahn war die Gefährlichste: Sie improvisierte so witzige Zeilen, dass Rogen oder der Kameramann in schallendes Gelächter ausbrachen und die Aufnahme ruinierten. Jeder – Schauspieler, Techniker, Kameraleute – verpatzte irgendwann mal eine Aufnahme. Rogen und Goldberg hatten diese Realität von Anfang an akzeptiert: „Wenn wir eine Aufnahme im Kasten hatten, war das einer der euphorischsten Momente überhaupt, denn es war Zusammenarbeit in ihrer reinsten Form. Wenn man eine Aufnahme im Kasten hat, ist die Show im Kasten.“
Die Gastdarsteller gerieten bei ihrer Ankunft in Panik, fanden dann aber ihren Rhythmus: „Gebt eure beste Leistung erst beim fünften oder sechsten Take ab. Es ist wie ein Marathon, verausgabt euch nicht gleich bei den ersten paar Takes.“
Worauf man bei der Überprüfung achten sollte
Das 21-mm-Objektiv kommt in der gesamten Serie zum Einsatz. In jeder Szene jeder Folge wird dieselbe Brennweite verwendet. Das ist eine radikale Entscheidung: Das Weitwinkelobjektiv mit 21 mm Brennweite verstärkt Tiefenwirkung und Bewegung, erzeugt leichte Verzerrungen an den Bildrändern und sorgt für durchgehende Schärfe. Es ist dasselbe Prinzip, das Lubezki bereits bei „The Revenant“ (ausschließlich 12–21 mm) anwandte, nur eben für eine Komödie.
Die 360°-Sets (die gesamte Show) sind aus jedem Blickwinkel funktional. Es gibt keine fehlenden Wände, keine saubere „Kameraseite“ und keine unordentliche „Technikseite“. Berghoff hat jeden Raum wie einen realen Ort gestaltet, nicht wie ein Filmset. Suchen Sie nach einem sichtbaren Scheinwerfer oder einem Kabel auf dem Boden; Sie werden keines finden.
„The Oner“ (Folge 2, die gesamte Episode) – Ein Ein-Mann-Stück über die Entstehung eines weiteren Ein-Mann-Stücks. Die wohl selbstreflexivste Folge der Serie und laut Barinholtz „wahrscheinlich die beste“. Matt nennt „Boogie Nights“, „Im Zeichen des Bösen“ und „Ich bin Kuba“ als Beispiele. Drei Filme, die in diesem Blog besprochen wurden.
Wussten Sie das?
Die ursprüngliche Inspiration kam nicht von einem Action- oder Kriegsfilm, sondern von Robert Altmans *The Player* (1992), einer Hollywood-Satire, die mit einer achtminütigen Plansequenz durch ein Studio beginnt. Goldberg: „Diese Eröffnungsszene hat uns wirklich inspiriert.“ Altman zeigte die inneren Abläufe Hollywoods mit einer ungeschnittenen Kamerafahrt, die von Gespräch zu Gespräch glitt. Rogen und Goldberg griffen diese Idee auf und setzten sie auf eine ganze Serie um – nicht nur auf den Vorspann, nicht nur auf eine Folge, sondern auf zehn 30-minütige Episoden.
„The Studio“ ist nach „Adolescence“ (2025) die zweite Serie, die die lange Einstellung als Serienformat nutzt, nicht als effekthascherisches Stilmittel. Doch die beiden Ansätze könnten unterschiedlicher nicht sein. „Adolescence“ ist rohes Drama: DJI Ronin 4D, keine Spezialeffekte, Laiendarsteller, traumatische Thematik. „The Studio“ hingegen ist anspruchsvolle Komödie: Alexa 35, 21-mm-Film, Filmstars, Improvisation. Die eine Serie filmt Leid, die andere Absurdität. Beide sind zu dem Schluss gekommen, dass die lange Einstellung das natürliche Format ist, um Geschichten in Echtzeit zu erzählen – seien es nun ein Mord in South Yorkshire oder Martin Scorsese, der in einem Studiobüro weint, weil sein Film über Jonestown gerade eingestellt wurde.
Und die lange Einstellung wurde unerwartet zu einem Mittel des kreativen Schutzes. Rogen erklärte der New York Times, dass die Dreharbeiten in ununterbrochenen Einstellungen die Umsetzung der Anweisungen der Apple-Manager praktisch unmöglich machten: „Wenn man mitten in einer Einstellung drei Dialogzeilen herausschneidet, funktioniert die Einstellung nicht mehr.“ Der Verzicht auf Schnitte wurde zum Schutzschild gegen Eingriffe des Studios. Die lange Einstellung als Akt des kreativen Widerstands – genau das, was die Figuren der Serie versuchen (und nicht tun).
Quellen
Adam Newport-Berra – IndieWire Filmmaker Toolkit, „Warum jede Einstellung im Studio eine aufwendige lange Take ist“ (Mai 2025)
Adam Newport-Berra – Variety, „Wie das Studio seine One-Take-Episode drehte“ (Juni 2025)
Adam Newport-Berra - Harbor / Foundry, „Eine Kamera, ein Objektiv: Wie das Studio eine Show mit nur einer Kamera produzierte“ (April 2025)
Seth Rogen & Evan Goldberg - IndieWire (Mai 2025)
Seth Rogen – Variety, „Martin Scorsese: Der Studio-Cameo-Auftritt: Wie Seth Rogen seinen Helden inszenierte“ (März 2025)
Seth Rogen – The Hollywood Reporter, „Wie Seth Rogens Apple TV+ Comedy The Studio gedreht wurde“ (April 2025)
Seth Rogen – New York Times (März 2025)
Evan Goldberg – TV Insider, „Wie das Studio Scorsese engagierte und diesen epischen One-Shooting-Film drehte“ (März 2025)
Ike Barinholtz – Variety Australia (April 2025)
Consequence of Sound – „Studio Review: Eine der besten Fernsehserien des Jahres 2025“ (März 2025)
AppleMagazine – „Seth Rogens The Studio überlistet Apple-Manager“ (März 2025)
Lesen Sie auch
Adolescence (2025) https://www.plan-sequences.com/categories-de-plans-sequences/adolescence – Die andere Serie aus dem Jahr 2025, die in einer einzigen Einstellung gedreht wurde und dieselbe Technik verwendet, um Leid statt Komik darzustellen.
The Revenant – Der Bärenangriff https://www.plan-sequences.com/categories-de-plans-sequences/the-revenant-plan-sequence-1 – Die gleiche radikale Entscheidung für eine einzige Brennweite (12–21 mm für Lubezki) wurde hier auf eine Komödie und nicht auf ein Survival-Drama angewendet.
