Sequenzaufnahme aus „Der Spieler“ (1992)
Filmtitel: The Player (Hinter den Kulissen von Hollywood)
Jahr : 1992
Regie: Robert Altman
Land: Vereinigte Staaten
Kameramann: Jean Lépine (Kanadier – Altman war auf ihn bei Fernsehfilmen aus Quebec aufmerksam geworden)
Musik: Thomas Newman
Redaktion: Geraldine Peroni (†2004 - Altmans reguläre Redakteurin in den 90er Jahren)
Drehbuchautor: Michael Tolkin (basierend auf seinem eigenen Roman)
Dauer der Eröffnungssequenz: ca. 8 Minuten (einige Quellen geben 8 Minuten 30 an)
Methode: Echte, durchgehende Einzelaufnahme – kombinierte Zooms, Kamerafahrten und Kranbewegungen
Anzahl der Steckdosen: 10
Vorbereitung: Zur Planung der Route wurden Studio-Modelle verwendet; der Studioboden wurde neu beschichtet, um sicherzustellen, dass Dolly und Kran vibrationsfrei rollen konnten; am Tag vor den Dreharbeiten fand eine Generalprobe statt.
Improvisation: Buck Henry improvisierte seinen Pitch live; die drohenden Postkarten wurden von Altman selbst handgeschrieben.
Gastauftritte: 65 Prominente im gesamten Film (darunter mehrere in der Eröffnungsszene)
Budget: 8-10 Millionen Dollar
Metareferenz: Walter Stuckels Figur (Fred Ward) spricht während der Kamerafahrt über den Beginn von „Im Zeichen des Bösen“: „Welles' Einstellung dauerte sechseinhalb Minuten … er hat den ganzen Film in einer einzigen Kamerafahrt aufgebaut.“
Oscars (65. Verleihung): 3 Nominierungen: Beste Regie, Bestes adaptiertes Drehbuch, Bester Schnitt
Ein Studiogelände in Hollywood. Eine Filmklappe erscheint im Bild. Eine Stimme ruft: „Und … Action!“ Der Film beginnt mit der Ankündigung, dass es sich um einen Film handelt. Dann fährt die Kamera zurück und enthüllt ein riesiges Schild: „Filme – jetzt mehr denn je.“ Menschen laufen über das Gelände: Produzenten, Drehbuchautoren, Assistenten mit Handys, eine Gruppe japanischer Touristen. Die Kamera bewegt sich. Sie gleitet zwischen den Studio-Bungalows hindurch, fängt eine Pitch-Besprechung zwischen zwei Drehbuchautoren und Griffin Mill (Tim Robbins) ein, schwenkt zu Walter Stuckel (Fred Ward), dem Sicherheitschef des Studios, der mit einem Kollegen geht und erklärt: „Die Eröffnungsszene von Orson Welles’ ‚Im Zeichen des Bösen‘ war sechseinhalb Minuten lang … er hat den ganzen Film in einer einzigen Plansequenz gedreht.“ Während er das sagt, macht die Kamera, in die er spricht, seit vier Minuten genau dasselbe. Die Kamera fährt weiter. Sie zoomt auf ein Fenster und beobachtet Griffin durch die Scheibe, während er einem Pitch zuhört. Sie fährt weiter. Sie folgt einem Postboten. Sie greift eine weitere Idee auf, Buck Henry, improvisiert live, die eine Fortsetzung von „Die Reifeprüfung“ vorschlägt. Sie kehrt zu Griffin zurück, der eine drohende Postkarte erhält: „Dein Hollywood ist tot.“ Die Kamera fährt zurück. Griffin blickt über die Schulter. Er weiß, dass er beobachtet wird. Acht Minuten. Kein einziger Schnitt.
Warum diese Szene legendär ist
Die Eröffnungsszene von „The Player“ ist die wohl metasequenziellste One-Take-Einstellung der Filmgeschichte. Während die Kamera acht Minuten lang in einer einzigen Einstellung verharrt, diskutiert eine Figur innerhalb dieser Einstellung die Qualität der dreiminütigen und zwanzigsekündigen One-Take-Einstellung aus „Im Zeichen des Bösen“. „Schnitt ist heute wie bei MTV: Schnitt, Schnitt, Schnitt“, sagt Stuckel. Altman persifliert sich selbst in Echtzeit: Seine Einstellung ist mehr als doppelt so lang wie die von Welles, und er platziert eine Figur darin, die ihn (ungünstig) mit dem Vorbild vergleicht, das er übertrifft.
Ebert vergab 4 von 4 Sternen und schrieb, der Film nutze Hollywood als Metapher für die Gier der 1980er-Jahre. Doch die Eröffnungsszene leistet mehr: Sie verwendet die lange Einstellung als Metapher für Hollywood selbst. Die Kamera gleitet ohne Pause zwischen den Bungalows hin und her, fängt Gesprächsfetzen ein, späht durch Fenster, folgt einer Figur und wendet sich dann der nächsten zu – das ist Hollywoods Blick auf sich selbst. Ein oberflächlicher, flüchtiger, zerstreuter Blick, stets in Bewegung, der nie lange genug verweilt, um jemanden wirklich zu verstehen.
Das Magazin Cineaste bemerkte, dass die Eröffnungsszene „mit einem Klatschen und einem ‚Action!‘ beginnt und dem Publikum signalisiert, dass der Film als Kunstgriff, als Film, zu betrachten ist.“ Diese erste Geste durchbricht die vierte Wand, noch bevor die eigentliche Szene beginnt. Man weiß, dass man einen Film sieht. Man weiß, dass die lange Einstellung ein Meisterwerk ist. Und der Film weiß es auch, und es kümmert ihn nicht.
Wie sie es gefilmt haben
Altman nutzte physische Modelle des Studiogeländes, um den Kameraweg, jeden Bungalow, jeden Gehweg, jedes Fenster genau festzulegen. Der Boden des Geländes wurde eigens für diese Aufnahme neu versiegelt: Der ursprüngliche Belag war zu uneben, als dass Dolly und Kran acht Minuten lang reibungslos hätten rollen können. Am Tag vor den Dreharbeiten probten die gesamte Besetzung und Crew die Szene vor Ort.
Lépine kombinierte drei Arten von Kamerabewegungen in einer einzigen Einstellung: Dollyfahrten (für horizontale Bewegungen), Zooms (für den nahtlosen Übergang von der Totalen zur Nahaufnahme) und Kranfahrten (um die Bungalows zu überblicken und die Fenster heranzuzoomen). Diese Kombination aus Dollyfahrt, Zoom und Kranfahrt in einer einzigen, ununterbrochenen Einstellung ist das technische Markenzeichen des Films: Die Kamera folgt nicht nur, sie spioniert.
Insgesamt zehn Takes. Altman erklärte im Audiokommentar der Criterion-Edition, dass er den Schauspielern die Freiheit zur Improvisation geben wollte; Buck Henry beispielsweise improvisierte seine gesamte Idee für eine Fortsetzung von „Die Reifeprüfung“. Doch die Improvisation musste innerhalb eines akribisch geplanten Rahmens stattfinden: Jeder Schauspieler musste sich zu einem exakten Zeitpunkt an einem bestimmten Ort befinden, damit die Kamera ihn einfangen konnte. War jemand auch nur eine Sekunde zu spät, landete die Kamera in einer leeren Position, und die acht Minuten waren vergeudet.
Altman bat Fred Ward, Anspielungen auf berühmte Kamerafahrten in seine Dialoge einzubauen; es war eine Anweisung des Regisseurs, keine Improvisation. Die Anspielung auf „Im Zeichen des Bösen“ ist kein Zufall; es war genau das Vorbild, das Altman übertraf. Ward erwähnt auch, dass Welles’ Einstellung „den gesamten Film in einer einzigen Kamerafahrt etablierte“, und genau das tut Altmans Einstellung: In acht Minuten werden die Figuren (Griffin, die Drehbuchautoren, der Sicherheitsdienst), der Schauplatz (das Studiogelände), das Thema (Hollywood als Fleischwolf), die Handlung (die bedrohlichen Postkarten) und der Ton (satirisch, bissig, selbstironisch) eingeführt.
Das Gesamtbudget des Films lag bei 8 bis 10 Millionen Dollar, wodurch Altman 65 Prominente für Gastauftritte zum Mindestlohn gewinnen konnte. Alle Gagen wurden an das Motion Picture & Television Country House and Hospital, ein Altersheim für Filmschaffende, gespendet. Niemand hatte das Drehbuch gelesen, bevor er zusagte. Sie kamen, weil es Altman war.
Worauf man bei der Überprüfung achten sollte
„Sechseinhalb Minuten …“ (ca. Minute 4) Stuckel spricht über die Eröffnungsszene von „Im Zeichen des Bösen“: „Sechseinhalb Minuten lang hat er den ganzen Film in einer einzigen Kamerafahrt aufgebaut.“ Die Kamera, die ihn filmt, macht das schon seit vier Minuten. Und sie wird noch weitere vier Minuten so weitermachen. Das ist die köstlichste Ironie dieser Szene.
Die Nahaufnahme des Fensters (ca. Minute 5-6): Die Kamera zoomt auf Griffins Fenster und beobachtet ihn von draußen beim Pitching. Man befindet sich in der Rolle eines Voyeurs, versteckt hinter einer Pflanze, kauernd unter einer Glasscheibe. Es ist eine Metapher für den Kinobesucher: Man beobachtet Menschen, die nicht wissen, dass man sie beobachtet.
Der Eröffnungsklatscher (ca. 0:00). Der Film beginnt mit einer Filmklappe und dem Ausruf „Und… Action!“. In diesem Moment durchbricht Altman die vierte Wand, noch bevor die eigentliche Szene beginnt. Alles, was folgt, ist ein Film, der sich seiner Rolle als Film bewusst ist. Und das sagt er auch.
Wussten Sie das?
Evan Goldberg bestätigte, dass „The Player“ die Inspiration für „The Studio“ (Apple TV+, 2025) war, Seth Rogens Serie, die komplett in langen Einstellungen gedreht wurde. „Diese Eröffnungsszene hat uns wirklich inspiriert.“ Die Eröffnung von „The Player“ gleitet nahtlos von einem Gespräch zum nächsten in einem Studio. „The Studio“ griff diese Idee auf und übertrug sie auf eine ganze Serie: zehn 30-minütige Episoden, jede Szene in einer einzigen Einstellung, mit einer einzigen Kamera und einem einzigen Objektiv (21 mm). 33 Jahre trennen die beiden Serien, doch die Verbindung ist direkt.
„The Player“ ist zudem der direkte Vorläufer von „Boogie Nights“ (1997) und „Magnolia“ (1999), beides Filme von Paul Thomas Anderson, die bereits in dieser Sammlung enthalten sind. PTA hat wiederholt bestätigt, dass die Einstellung aus „The Player“ und die Copa-Einstellung aus „Goodfellas“ (1990) die beiden prägenden langen Einstellungen des Films sind. Die Eröffnungsszene von „Boogie Nights“ (der Nachtclub) und die Studioaufnahme aus „Magnolia “ (die Spielshow) sind beide direkte Nachfolger dieser Hollywood-Studioaufnahmen.
Diese Einstellung ist die einzige lange Einstellung in der Sammlung, die sowohl eine Hommage an als auch eine Persiflage auf ihre Vorbilder darstellt. „Im Zeichen des Bösen“ wird im Dialog als Meisterwerk der langen Einstellung genannt, nur um dann von der Einstellung, die es zitiert, an Länge übertroffen zu werden. Es ist die lange Einstellung als Akt der Unverfrorenheit. Und genau das ist Altmans Tonfall: die Meister zu respektieren, indem man sie übertrifft.
Quellen
Robert Altman, Michael Tolkin, Jean Lépine - Audiokommentar DVD Criterion (1992)
Robert Altman – Kommentar zur Eröffnungsszene (Criterion Channel)
Roger Ebert – Rezensent, 4/4 Sterne (April 1992)
Cineaste Magazine – „The Player“ (Criterion-Kritik, Herbst 2016)
Filmotomy – „Stille am Set: Die Eröffnungsszene in Altmans The Player analysiert“ (Mai 2019)
RogerEbert.com – „Eröffnungsszenen: Der Spieler“ von Jason Haggstrom (Dezember 2012)
Cinephilia & Beyond – „Robert Altmans The Player“ (Februar 2025)
Christian's Cinematic Syntax - "Der Spieler: Hollywood-Konventionen und die westliche Zivilisation" (März 2021)
Scene By Green - "The Player (1992)" (November 2023)
Criterion Collection – offizielle Seite + Extras (Kommentare, Interviews, Dokumentation)
Wikipedia – Der Spieler (Film von 1992)
Lesen Sie auch:
The Studio (2025) – The Studio: Eine einzige Einstellung – https://www.plan-sequences.com/categories-de-plans-sequences/the-studio – Der direkte Nachfolger 33 Jahre später: Seth Rogen wendet Altmans Logik auf eine ganze Serie an, jede Szene eine einzige Einstellung.
Erzählerische Wirkung: Lange Einstellung vs. Schnitt https://www.plan-sequences.com/blog-plan-sequences/efficacite-narrative-plan-sequence-contre-decoupage – Warum Altman die lange Einstellung wählte, obwohl der MTV-Schnitt schneller gewesen wäre – und was diese Entscheidung über Hollywood aussagt.
