Wochenendsequenzaufnahme (1967)

• Jahr : 1967

• Regie/Drehbuch: Jean-Luc Godard

• Länder: Frankreich / Italien

• Kameramann: Raoul Coutard (Breathless, Contempt, Pierrot le Fou, La Chinoise)

• Regieassistent: Claude Miller (späterer Regisseur – The Best Way to Walk, The Impudent Girl, A Secret)

• Redaktion: Agnès Guillemot

• Musik: Antoine Duhamel

• Kamera: Mitchell, 35 mm

• Aufbau: 300 Meter Gleise wurden entlang der Straße verlegt.

• Sequenzdauer: 7 Minuten 50 Sekunden (von 16:14 bis 24:04)

• Struktur: Zwei Einstellungen à ca. 3 Minuten + ca. 5 Minuten, unterbrochen von drei Zwischentiteln bei 18:48-18:54 Uhr („13H40“, „WEEKEND“, „14H10“).

• Richtung der Kamerabewegung: seitlich, von links nach rechts, parallel zur Straße, keine Vorwärtsbewegung

• Entfernung zum Stau: ca. 1,2 km (¾ Meile)

• Drehort: Straße in der Nähe von Guyancourt, südlich von Versailles (nicht Oinville; das im Film sichtbare Schild „Oinville“ wurde über den eigentlichen Namen des Dorfes geklebt).

• Budget: sehr niedrig (Godard arbeitete schnell und mit begrenzten Ressourcen)

• Godards letzter "klassischer" Film: Ja, nach Weekend wandte er sich dem militanten Kino zu (Dziga Vertov Group).

Eine Landstraße südlich von Versailles. Ein endloser Stau. Die Kamera ist auf Schienen parallel zur Straße montiert. Langsam, unaufhaltsam gleitet sie von links nach rechts. Fast acht Minuten lang fährt sie ununterbrochen durch den Stau. Was für ein Stau! Autos stehen Stoßstange an Stoßstange, über einen Kilometer lang. Unaufhörliches Hupen, ohrenbetäubend, unerträglich. Ein Paar spielt Schach vor seinem umgekippten Auto. Kinder spielen neben einem Wrack. Ein Mann kämpft mit den Segeln eines Bootes auf einem Anhänger. Tiere (Affen, Lamas) stecken in festgefahrenen Lastwagen. Ein riesiger gelb-roter Shell-Tankwagen blockiert die Straße. Und ganz am Ende des Staus: Leichen. Tote Menschen. Blut. Ein Unfall. Die Durands (Jean Yanne und Mireille Darc) fahren in ihrem Cabrio auf dem gegenüberliegenden Gleis die Schiene entlang, vorbei an allen, unbeeindruckt von den Toten, dem Hupen und den feindseligen Blicken. Und die Kamera gleitet urteilslos auf ihrer 300 Meter langen Strecke neben ihnen her.

Warum diese Szene legendär ist

Antoine de Baecque, Godards Biograf, nannte sie „die längste Plansequenz der Filmgeschichte“. 1967 stimmte das wohl; „ Im Zeichen des Bösen“ (1958) dauerte 3 Minuten und 20 Sekunden. Godards Sequenz ist 7 Minuten und 50 Sekunden lang. Doch was diese Sequenz in der Filmgeschichte einzigartig macht, ist nicht ihre Dauer, sondern Godards Inszenierung.

Brian Henderson identifizierte in seinem wissenschaftlichen Essay „Toward a Non-Bourgeois Camera Style“ die Technik: eine reine seitliche Kamerafahrt ohne Vorwärtsbewegung entlang einer exakt parallel zur Szene verlaufenden Grundlinie. Henderson argumentiert, dass dieser Stil „ein einschichtiges, synthetisches Konstrukt ist, das als solches akzeptiert wird und das der Betrachter kritisch prüfen, annehmen oder ablehnen muss.“ Die Kamera dringt nicht in den Raum ein; sie scannt ihn wie ein Barcode-Lesegerät. Sie dringt nicht in das Leben der Figuren ein; sie inventarisiert sie. Jedes Auto, jedes Gesicht, jedes Tableau vivant (die Schachspieler, die Kinder, die Tiere) ist ein Kästchen in einem Katalog der verfallenden bürgerlichen Gesellschaft.

Und dann sabotiert Godard seinen eigenen Plan. Um 18:48 Uhr, mitten in der Kamerafahrt, blendet er drei Zwischentitel ein: „13:40 Uhr“, „Wochenende“, „14:10 Uhr“. Drei Titelkarten, die den Bildfluss unterbrechen, die Illusion zerstören und den Zuschauer brutal daran erinnern, dass er einen Film sieht. Senses of Cinema bemerkte, dass Godard „den Effekt sabotiert, indem er das Bild mit wiederholten Zwischentiteln durchschneidet und so jegliche Gewissheit des Zuschauers über die für die Einstellung erforderliche technische Meisterschaft zunichtemacht.“ Godard kreiert die längste ungeschnittene Einstellung der Filmgeschichte und zerreißt sie dann absichtlich, um den Zuschauer daran zu hindern, sie zu bewundern. Technische Virtuosität ist bürgerlich. Die Bewunderung des Zuschauers ist bürgerlich. Die ungeschnittene Einstellung selbst ist bürgerlich. Godard erschafft und zerstört sie zugleich.

Wie sie es gefilmt haben

Senses of Cinema enthüllte das Setup: „Eine Mitchell-Kamera auf 300 Metern Schienen, um einen alptraumhaften Stau zu filmen.“ Dreihundert Meter Dolly-Schienen, die entlang der Straße verlegt waren – eine monumentale Apparatur im Jahr 1967, als die meisten Kamerafahrten nur 5 oder 10 Meter lang waren. Raoul Coutard, der Kameramann, der mit „Außer Atem“ (1960) den visuellen Stil der Nouvelle Vague begründet hatte, bediente die Mitchell-Kamera auf diesem scheinbar endlosen Dolly.

Coutard war Kriegsfotograf in Indochina und arbeitete später als Fotojournalist (Paris Match, Look). Den Umgang mit der Filmkamera lernte er im Beruf, anfangs „durch Ausprobieren“, wie Criterion berichtet. Dieser Hintergrund als Kriegsfotograf zeigt sich deutlich in der Aufnahme des Verkehrsstaus: Die Kamera scannt die Szene mit derselben distanzierten Aufmerksamkeit, mit der ein Reporter ein Schlachtfeld durchquert. Sie verweilt nicht bei den Toten. Sie zoomt nicht auf verzweifelte Gesichter. Sie fährt weiter.

Lange Zeit galt die D913 bei Oinville-sur-Montcient als Drehort (wie Baecque in seiner Godard-Biografie schrieb). Doch The Cine-Tourist hat nachgewiesen, dass das im Film sichtbare „Oinville“-Schild eine Fälschung ist, die den echten Ortsnamen überklebt hat. Die Dreharbeiten fanden auf einer Straße nahe Guyancourt, südlich von Versailles, statt. Claude Miller, der Regieassistent (und spätere Regisseur), fungierte auch als Location Scout, und Guyancourt war das logistische Zentrum des Films – derselbe Ort, an dem Godard 1966 am Set von Bressons „Au hasard Balthazar“ Anne Wiazemsky kennengelernt hatte.

Die Fahrzeuge im Stau wurden von The Cine-Tourist katalogisiert: Citroën DS, Peugeot 404, Renault 4L, Lkw, ein Boot auf einem Anhänger, ein Shell-Tankwagen und landwirtschaftliche Fahrzeuge. Jedes Fahrzeug wurde einzeln, Stoßstange an Stoßstange, über eine Strecke von mehr als einem Kilometer positioniert. Die Statisten in den Fahrzeugen mussten während der gesamten Drehzeit ihre Positionen halten und dabei hupen, schreien, Schach spielen und Zeitung lesen.

Godard hatte erklärt: „Politik ist eine Kamerafahrt.“ Henderson analysierte diesen Satz als Manifest der Stauaufnahme: Die seitliche Bewegung der Kamera ist kein narratives Mittel, sondern ein politischer Akt. Indem er die französische Gesellschaft regungslos, feindselig und gleichgültig gegenüber den Toten auf einer Straße zeigt, macht Godard seine Kamerafahrt zu einem politischen Statement. Die Kamera folgt keiner Figur; sie liest ein Land.

Worauf man bei der Überprüfung achten sollte

• Die Zwischentitel (ca. 18:48) : Mitten im Bild blendet Godard drei Titelkarten ein: „13:40 Uhr“, „Wochenende“, „14:10 Uhr“. Das Bild ist halbiert. Absichtlich. Godard zerstört seine eigene achtminütige Sequenz, um zu verhindern, dass man sie als virtuoses Meisterwerk bewundert. Es ist der subversivste Akt der gesamten Sammlung.

• Die Durands befinden sich auf der Gegenfahrbahn (siehe die gesamte Einstellung). Roland und Corinne fahren auf der freien Spur durch den Stau. Niemand sonst tut dies; die anderen Fahrer bleiben in ihrer Spur gefangen, wie von einer unsichtbaren Wand eingekesselt. Der AV Club bemerkte die Absurdität: „Sie fahren durch den Stau, ohne den anderen Fahrern, die darin feststecken, einen zweiten Blick zu schenken.“ Das ist Kapitalismus in Reinform: individueller Vorteil auf Kosten der Gemeinschaft.

• Die Todesfälle am Ende (in letzter Minute). Der Stau endet in einem Unfall. Leichen auf der Straße. Blut, Kunstblut, das Godard selbst als „kein Blut, rot“ beschrieb. Die Durands fahren vorbei, ohne anzuhalten. Und die Kamera fährt ebenfalls vorbei.

Wussten Sie das?

Weekend ist der letzte Film aus Godards „klassischer Periode“, und die abschließende Einblendung macht es deutlich: „Ende des Kinos“. Nach Weekend wandte sich Godard vom kommerziellen Kino ab und der Dziga-Vertov-Gruppe (maoistisches Aktivistenkino) zu. Erst 1980, mit Jeder für sich (Sauve qui peut (la vie)), kehrte er zum „normalen“ Kino zurück. Weekend ist somit ein doppelter Abschied: ein Abschied von der bürgerlichen Gesellschaft (inhaltlich) und ein Abschied vom narrativen Kino (formal). Die Stauszene ist die letzte große formale Geste der Nouvelle Vague und untergräbt sich selbst.

Diese Einstellung ist der Ursprung zweier Einstellungen dieser Sammlung. Die seitliche Kamerafahrt in Deadpool & Wolverine (2024), stets von links nach rechts auf Madonna gerichtet, ist ein direkter Nachfolger dieser Bewegung. Shawn Levy nannte 300 und Watchmen als Einflüsse, die ihrerseits Comics zitieren, welche wiederum Godards Kino zitieren. Und die seitliche Kamerafahrt in Code Unknown (Haneke, 2000), bei der die Kamera über einen Pariser Boulevard gleitet, ist eine explizite Hommage an Godards Methode. Haneke nahm die seitliche Kamerafahrt aus Weekend und entleerte sie ihrer Ironie: Wo Godard Gleichgültigkeit mit Sarkasmus zeigt, zeigt Haneke Ungerechtigkeit mit Ernsthaftigkeit. Dasselbe Werkzeug, dieselbe Bewegung, zwei diametral entgegengesetzte Temperamente.

Quellen

• Raoul Coutard – Archiviertes Interview (Criterion DVD/Blu-ray-Extras)

• Claude Miller – archiviertes Interview (Criterion-Beilage)

• Philippe Garrel – Filmmaterial am Set (Criterion-Extras)

• Senses of Cinema – „Weekend (Jean-Luc Godard, 1967)“ (September 2017)

• Brian Henderson – „Auf dem Weg zu einem nicht-bürgerlichen Kamerastil“ (akademischer Aufsatz, 1970er Jahre)

• Antoine de Baecque – Godard bei der Arbeit: die 60er Jahre (Cahiers du cinéma, 2008)

• AV Club – Criterion-Rezension (November 2012)

• The Cinema Archives - "Weekend – 1967 Godard" (Mai 2021)

• The Cine-Tourist – „Wochenende: Zeit, Ort und Autos“ (Analyse von Drehorten und Fahrzeugen)

• Die neueste Bilderserie – „Die besten Szenen des Kinos: Wochenende“ (Mai 2016)

• Avantgardistische Betrachtungen – „Kurzer Vergleich: Lange Kamerafahrten in der Filmgeschichte“

• Criterion Collection – offizielle Seite + Zusatzmaterial

• Wikipedia – Weekend (Film von 1967)

Lesen Sie auch:

Die lange Einstellung in „Cocktail für eine Leiche“ (1948) https://www.plan-sequences.com/categories-de-plans-sequences/la-corde – Die andere großartige lange Einstellung, die sich selbst sabotiert: Hitchcock dreht einen ganzen Film ohne Schnitte und gibt dann zu, dass es ein Fehler war. Zwei Regisseure, zwei Formen kreativer Selbstzerstörung.

Narrative Wirkung: Lange Einstellung vs. Schnitt https://www.plan-sequences.com/blog-plan-sequences/efficacite-narrative-plan-sequence-contre-decoupage - Wenn Godard mitten in seiner eigenen Einstellung Zwischentitel einfügt, um Bewunderung zu verhindern: die lange Einstellung als politischer Akt gegen seine eigene Virtuosität