Lange Einstellung: Es war einmal in Amerika (1984) – Fat Moes Hütte

• Film : Eswar, Sergio Leone, 1984

• Szene : Noodles' Rückkehr nach New York, 1968 – der Anruf bei Fat Moe aus der Telefonzelle

• Position im Film : Eröffnung des Blocks 1968, kurz nach dem Zeitsprung am Busbahnhof (etwa in der 23. Minute, je nach Version).

• Darsteller : Robert De Niro (David „Noodles“ Aaronson), Larry Rapp (Fat Moe)

• Kameramann : Tonino Delli Colli

• Ausrüstung : Dolly (Schienenwagen mit Arm), der in einer einzigen, durchgehenden Aufnahme auf- und abfährt

• Medium und Format : 35 mm, Arriflex-Kameras, sphärische Objektive, Bildformat 1,85:1

• Redaktion : Nino Baragli

• Musik : Ennio Morricone – Instrumentalversion von „Yesterday“ (Lennon/McCartney) für den Übergang zu 1968; „Amapola“ (Joseph LaCalle) als wiederkehrendes Motiv im Film

• Bühnenbild : Carlo Simi

• Drehorte für die Szene in Fat Moes Viertel : South 6th und South 8th Street, Williamsburg, Brooklyn; derselbe Häuserblock wurde in Rom, Via delle Messi d'Oro, nachgebaut. Der genaue Drehort dieser Szene ist nicht dokumentiert.

• Von Leone angeführte visuelle Referenzen : Edward Hopper, Reginald Marsh, Norman Rockwell, die Fotografien von Jacob Riis

• Drehzeitraum : 14. Juni 1982 – 22. April 1983

• Budget : 30 Millionen Dollar

• Filmlänge : 229 Minuten (europäische Fassung)

• Genaue Dauer des Plans : nicht durch eine zuverlässige Quelle dokumentiert.

Ein Leuchtschild in der Nacht: Fat Moe's. Hinter dem Fenster geleitet ein übergewichtiger alter Mann seine letzten Gäste hinaus, schaltet das Licht aus und räumt alles weg. Hinten im Raum klingelt das Telefon. Er geht über die Theke, um ranzugehen. Doch anstatt ihm zu folgen, macht die Kamera genau das Gegenteil: Sie hebt sich, verlässt das Fenster und gibt den Blick frei auf die halb menschenleere Straße, die nassen Bürgersteige, die Gegend, die ihm schon lange nicht mehr gehört. Dann senkt sie sich sanft wieder, auf der anderen Straßenseite. Sie landet auf einer Telefonzelle. Drinnen, den Hörer am Ohr, sitzt ein älterer Mann, den uns der Film erst vor dreißig Sekunden als jungen Mann gezeigt hat. Noodles ist hereingekommen. Er war seit Beginn der Einstellung da, zehn Meter von seinem Freund entfernt, und hatte sich nicht getraut, die Tür zu öffnen.

Warum diese Szene legendär ist

Wir müssen uns fragen, was Leone sich hier selbst verbietet. „ Es war einmal in Amerika“ ist der virtuoseste Montagefilm seiner Karriere. Die Eröffnungssequenz verbindet fünf verschiedene Orte mit einem einzigen klingelnden Telefon, das 22 Mal außerhalb des Bildausschnitts weiterklingelt, bevor eine Hand abnimmt. Sein Cutter Nino Baragli schafft Schnitte, die vierzig Jahre in einem einzigen Bild umspannen. Der Film basiert vollständig auf Auslassungen, Schnitten und Zeitsprüngen.

Und dann, nur ein einziges Mal, weigerte sich Leone zu schneiden

Das ist keine Laune eines Virtuosen. Es ist der einzige Moment im Film, in dem Gegenwart und Vergangenheit physisch denselben Raum einnehmen, ohne dass ein Schnitt sie verbindet. Im restlichen Teil der Erzählung sind Noodles und seine Erinnerungen durch Schnitte getrennt. Hier sind sie in derselben Einstellung: Fat Moe, der ans Telefon geht, gehört zum Jahr 1968, ebenso wie Noodles in der Telefonzelle, aber die Geste, das Warten, die Stimme am anderen Ende der Leitung – all das stammt aus dem Jahr 1933. Der Caen Film Club merkt an, dass diese Einstellung die einzige zu sein scheint, die Gegenwart und Vergangenheit in einer einzigen Arabeske zu verbinden scheint, und dass „die weite Parabel, die die Kamera beschreibt, Geheimnis und Ritual suggeriert“ und eine Straßenecke in eine theatralische Szene verwandelt

Der andere Effekt ist einfacher und zugleich grausamer. Indem Leone auf derselben Ebene bleibt, zwingt er den Betrachter, die Distanz zu erkennen. Zehn Meter Asphalt trennen zwei Männer, die seit fünfunddreißig Jahren kein Wort miteinander gewechselt haben, und eine Telefonleitung überbrückt diese Distanz. Ein Schnitt hätte ihre Gesichter einander näher gebracht. Die ungeschnittene Einstellung lässt sie getrennt

Wie sie es gefilmt haben

Das Setup ist so einfach wie bei einem erfahrenen Profi. Ein Dolly, montiert auf Schienen und mit einem Arm ausgestattet, fährt auf das Schild zu, rahmt die Szene durch das Fenster ein, fährt hoch, weitet den Blick auf die Straße und fährt dann wieder herunter, um in einer Nahaufnahme von Noodles im Imbissstand zu enden. Keine Steadicam (eine handgeführte Kamera, die durch ein Gelenkgeschirr stabilisiert wird, erfunden 1975 und damals bereits weit verbreitet), kein Baukran: eine klassische Zeitlupen-Kamerafahrt, deren Schwierigkeit allein darin besteht, eine konstante Geschwindigkeit beizubehalten. Eine Verlangsamung am Scheitelpunkt der Parabel und der rituelle Effekt bricht zusammen

Technisch gesehen drehte Tonino Delli Colli den Film auf 35-mm-Film mit Arriflex-Kameras und sphärischen Objektiven im Kinoformat 1,85:1. Dies war eine bemerkenswerte Entscheidung: Leone hatte „Spiel mir das Lied vom Tod“ in Techniscope gedreht, einem anamorphotischen Verfahren mit einem Bildformat von 2,35:1. Für das urbane Amerika gab er das Panoramaformat des Westerns auf und verengte den Bildausschnitt. Durch den engeren Bildausschnitt wird die vertikale Bewegung des Kamerawagens viel deutlicher sichtbar; man spürt förmlich, wie die Kamera nach oben fährt, weil weniger Himmel zu sehen ist.

Die Szene ist autobiografisch geprägt und wurde von Leone selbst erzählt. Er hatte Harry Grey, den ehemaligen Gangster und Autor von * The Hoods*, in einer Bar in Manhattan kennengelernt, deren Besitzer übergewichtig und liebenswürdig war – genau das Vorbild für Fat Moe. Der Ort, gleichermaßen entspannt und geheimnisvoll, diente als Vorlage für die Bar in der Verfilmung von 1968. Und aus dieser Begegnung leitete er direkt die Sequenz ab: Noodles kehrt nach New York zurück und ruft Fat Moe von einer Sitzecke vor der Bar aus an, was, wie er sagte, „genau so , wie wir Harry Grey kennengelernt haben“. Die aufwendigste Einstellung des Films stellt somit eine Erinnerung an die Suche nach Drehorten nach.

Die Wahl des Drehorts wirft eine Frage auf, die die Produktion nie vollständig klären konnte. Fat Moes Viertel wurde in Williamsburg, genauer gesagt in der South 6th und South 8th Street in Brooklyn, gedreht. Leone hatte die ihm für „Der Pate II“ , da er sich Tiefenwirkung, mehrere Häuserblöcke und den Blick auf eine große Brücke wünschte. Derselbe Häuserblock wurde jedoch vom Szenenbildner Carlo Simi auch in der Via delle Messi d'Oro in Rom nachgebaut, und andere „New Yorker“ Straßen im Film wurden mangels intakter historischer Fassaden in Montreal gedreht. Keine der konsultierten Quellen gibt an, welches dieser Sets für diese spezielle Szene verwendet wurde.

Dann ist da noch die Beleuchtung, die die halbe Miete ist. Delli Colli inszeniert den Film im Hell-Dunkel-Kontrast, mit sehr punktuellen, warmen Lichtquellen in tiefem Schwarz. Seine Regel in diesem Film: Licht enthüllt niemals etwas Gutes. Schon in der ersten Szene dient eine historische Lampe in einem dunklen Raum lediglich dazu, auf eine Frau hinzuweisen, die gleich erschossen wird. Hier ist das erleuchtete Fenster der Bar der einzige Lichtpunkt in einer dunklen Straße, und die Kamera schwenkt davon weg, um einen Mann in einer Sitzecke einzufangen. Die Bewegung ist buchstäblich vom Licht zum Schatten

Ein letztes Detail der Mise-en-scène verdient Beachtung: Das Telefon ist das zentrale Objekt des Films. Es ist ein Anruf, der die Katastrophe auslöst; Noodles denunziert seine Freunde bei der Polizei und verursacht so ihren Tod. Es ist ein klingelndes Telefon, das die gesamte Eröffnungsszene strukturiert. Dass Leone seine einzige ungeschnittene Einstellung als Telefonszene wählt, ist kein Zufall. Seine einzige ununterbrochene Kamerafahrt konzentriert sich auf das eine Objekt, das seine Figur nie auflegen konnte

Worauf man bei der Überprüfung achten sollte

• Gleich zu Beginn der Szene, durchs Fenster : Moe verabschiedet seine letzten Kunden, noch bevor das Telefon klingelt. Die Szene beginnt mit dem Schichtende, nicht mit einer Wartezeit – und genau das macht den Anruf so störend.

• Im Scheitelpunkt der Parabel, im oberen Drittel des Bildes , erscheint die Straße vollständig, fast menschenleer. Dies ist der einzige Moment in der Aufnahme, in dem wir das Viertel von 1968 in seiner Gänze sehen, und es ist im Vergleich zu den belebten Straßen der Sequenzen von 1922 nicht wiederzuerkennen.

• In den letzten Sekunden, auf De Niros Gesicht : der Schnitt zur vorherigen Einstellung. Der Film hat Noodles in einer Spiegelung um 35 Jahre gealtert, untermalt von den ersten Tönen von „Yesterday“. Die Nahaufnahme der Telefonzelle ist das erste Mal, dass wir ihn gealtert im vollen Licht sehen.

Wussten Sie?

• Der Film enthält praktisch keine weiteren langen Einstellungen. Der Caen Film Club identifiziert in fast vier Stunden nur zwei weitere bemerkenswerte Kamerabewegungen: die Vorwärtsfahrt von Deborah und Noodles, die in dem Restaurant an der Küste tanzen, und die sehr lange Rückwärtsfahrt vom Hotel in Miami zum Strand, die mit Max inmitten der Möwen endet.

• Diese Einstellung verweist auf einen anderen Leone-Film. Dieselbe Quelle vergleicht diese Kameraparabel mit Jills Ankunft in Flagstone in „ Spiel mir das Lied vom Tod“ (1968), wo eine Kamerafahrt Claudia Cardinale entlang der Bahngleise folgt, bevor sie über das Bahnhofsdach schwenkt und die gesamte Stadt enthüllt. Sechzehn Jahre trennen die beiden Einstellungen; es ist dieselbe Geste, nur von der Wüste nach Brooklyn übertragen.

• Der Zeitsprung ins Jahr 1968 wird durch einen einzigen Beatles-Song ausgelöst. Eine im Wesentlichen instrumentale Version von „Yesterday“ begleitet Noodles' Blick, als er sich dem Coney-Island-Wandgemälde am Busbahnhof zuwendet. Wir hören ein einzelnes gesungenes Wort, „ plötzlich“, und der Schnitt zeigt einen gealterten De Niro an derselben Stelle.

• Ein Telefon klingelt zweiundzwanzig Mal. In der Eröffnungssequenz ist das Klingeln in der Opiumhöhle an mindestens fünf verschiedenen Orten außerhalb des Bildausschnitts zu hören, bevor es mit dem Klingeln eines Telefons in Nahaufnahme verschmilzt, das von einer Hand abgenommen wird, ohne es zu unterbrechen.

• Leone wollte eine Brücke im Bild. Ihm wurden die Drehorte Pate II“ angeboten, insbesondere die Lower East Side. Er lehnte ab: Er verlangte Tiefenschärfe, mehrere Häuserblocks und den Blick auf eine der großen Brücken New Yorks. Die Manhattan Bridge wurde zum Motiv des Filmplakats.

• Tonino Delli Colli fotografierte alle drei „Once Upon a Time“-Filme. Er drehte außerdem die letzten drei Fellini-Filme, Annauds „ Der Name der Rose “ und Benignis „ Das Leben ist schön“.

Quellen

• Jean-Luc Lacuve, „Es war einmal in Amerika“, Caen Film Club, 15. Juni 2011

• Anthony Perrotta, „Homoerotik in Es war einmal in Amerika “, Drunk Monkeys, Juni 2022 (Sergio Leones Bemerkungen zu seinem Treffen mit Harry Grey)

• Once Upon a Time in America (Italienischer Import) 4K UHD-Rezension, The Digital Bits, Januar 2026 (Aufnahmemerkmale: 35 mm, Arriflex, sphärische Objektive, 1,85:1)

• Midwest Film Journal, „Jahrgang 1984: Es war einmal in Amerika“ (1933–1968: Wandel und Verwendung von „Gestern“)

• Larsen On Film, „Es war einmal in Amerika“ (Glockenmontage, Lichtdesign von Delli Colli)

• Wikipedia (EN), Es war einmal in Amerika und Tonino Delli Colli (technische Angaben, Drehdaten, Budget, Bildquellen)

• Filmtourist / Drehorte, Ortsführer (Williamsburg, Via delle Messi d'Oro, Montreal)

• Kinolab, Sequenzblätter für Eswar einmal in Amerika (Zeitmarken)

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