Eine Actionszene in einer einzigen Einstellung choreografieren: Der vollständige Leitfaden
Sie lernen, wie man eine komplette Actionszene in einem einzigen Take ohne Schnitt plant, probt und dreht. Dabei wenden Sie die Methoden an, die auch am Set bekannter Filme zum Einsatz kommen.
Zusammenfassung
Warum weigert man sich, während der Action zu schneiden?
Vorbereitung der Choreografie: 80 % der Arbeit sind vor der Aufführung erledigt
Auswahl und Beherrschung der Kamerabewegung
Koordination von Stuntleuten, Schauspielern und Technikern
Ton und praktische Effekte in einer einzigen Aufnahme
Fallstudien: Analyse von 3 Szenen
Fehler, die alles ruinieren
Betriebscheckliste
Häufig gestellte Fragen
Einführung
Der klassische Schnitt einer Actionszene ist präzise: Er gibt den Rhythmus vor. Er schneidet vor dem Aufprall, ändert die Perspektive, um einen Schnitt zu kaschieren, und beschleunigt genau in dem Moment, in dem Ihr Gehirn Zweifel aufkommen lassen würde. Sie sehen nichts. Es ist angenehm.
Und nun nimm all das weg. Drehe dieselbe Szene in einer einzigen Einstellung. Jede Bewegung muss echt sein. Jedes Timing präzise. Jeder Fehler sichtbar.
Genau das macht diese Szenen so kraftvoll und so selten. Wenn Park Chan-wook in „Oldboy“ drei Minuten lang im Flur nicht schneidet ,wennCuarón seine Kamera in „ Children of Men“, wenn David Leitch Charlize Theron in „Atomic Blonde“, dann sieht der Zuschauer nicht länger nur einen Film. Er ist Teil davon.
Dieser Leitfaden richtet sich an Regisseure, Kameraleute und alle, die sich für Filmtechniken begeistern. Keine abstrakte Theorie, sondern konkrete Methoden, Beispiele aus der Praxis und die Folgen teurer Fehler.
1. Warum wird während der Action nicht geschnitten?
Jeder Schnitt in einer Actionszene ist eine winzige Erlaubnis zum Abschalten. Das Gehirn empfängt das Signal: „Es ist nur ein Film, du kannst aufatmen.“ Die lange Einstellung nimmt diese Erlaubnis wieder weg. Man hält mit der Figur den Atem an.
Die physiologischen Auswirkungen sind gut dokumentiert. Wenn die Kamera während eines Kampfes oder einer Schießerei nicht abschaltet, bleibt der Zuschauer in höchster Alarmbereitschaft: Sein Puls ist erhöht, seine Aufmerksamkeit bleibt anhaltend und er kann sich nicht distanzieren. Der Theoretiker André Bazin nannte dies „Respekt vor der Kontinuität von Raum und Zeit“, nur dass hier nicht ein Dialog, sondern Chaos gefilmt wird.
Hinzu kommt die Frage der Glaubwürdigkeit. Eine in einer einzigen Einstellung gedrehte Actionsequenz beweist, dass das Geschehen vor der Kamera physikalisch möglich ist. Kein Stuntdouble, das durch einen Perspektivenwechsel kaschiert wird, kein vorgetäuschter Schlag, der durch einen Schnitt verdeckt wird. Das Publikum spürt es, selbst ohne es auszusprechen.
Aber, und das wird meiner Meinung nach selten diskutiert, die lange Einstellung ist nicht immer die beste Wahl für Actionszenen. Wenn das Fehlen von Schnitten weder der Emotion noch der Erzählung etwas hinzufügt, bleibt am Ende nur eine leere Stilübung. Der Zuschauer bewundert die technische Brillanz, anstatt die Szene wirklich zu erleben. Das ist der Unterschied zwischen der Korridorszene inOldboy (wo das Fehlen von Schnitten ein gemeinsames Gefühl der Erschöpfung mit der Figur erzeugt) und manchen Actionszenen in langen Einstellungen in Marvel-Serien (wo sie zu einer bloßen Pflichtübung verkommen sind).
Profi-Tipp : Bevor du eine Actionszene ohne Schnitt drehst, stell dir folgende Frage: Geht dem Zuschauer verloren , wenn ich sie konventionell schneide? Wenn die Antwort „Nein“ lautet, dann schneide sie konventionell. Die lange Einstellung sollte der Emotion dienen, nicht dem Ego des Regisseurs.
2. Die Choreografie vorbereiten: 80 % der Arbeit sind vor der Aufführung erledigt
Der Erfolg einer in einem einzigen Take gedrehten Actionszene entscheidet sich bereits in der Vorbereitung. Am Set selbst wird ein Plan umgesetzt, der über Wochen ausgearbeitet wurde.
Das dynamische Storyboard
Statische Storyboards, die Bild für Bild darstellen, reichen hier nicht aus. Für eine Actionsequenz in einer langen Einstellung ist ein dynamisches Storyboard– eine Draufsicht, die gleichzeitig die Kamerabewegung, die Position jedes Schauspielers und den Zeitpunkt wichtiger Aktionen festhält.
Cuarón filmte für „ Children of Men “ wochenlang Proben mit seinem Smartphone, bevor die eigentlichen Dreharbeiten begannen. Sein Kameramann Emmanuel Lubezki beschrieb den Prozess als „die Choreografie eines Balletts, bei dem die Kamera nur ein weiterer Tänzer ist“ ( Interview mit American Cinematographer , Januar 2007). Andere Regisseure verwenden physische Modelle des Sets; Park Chan-wook ließ beispielsweise für „Oldboy“ ein Miniaturmodell des Flurs anfertigen , um die Kamerapositionen zu planen.
Zeit sekundeweise aufschlüsseln
Eine dreiminütige Actionsequenz dauert 180 Sekunden, in denen jede Geste, jede Kamerabewegung und jeder Soundeffekt seinen genauen Platz hat. Die gängigste Methode: eine Referenz-Audiodatei mit akustischen Signalen (Piepton bei jeder wichtigen Aktion), die das gesamte Team über Kopfhörer abhört. Stuntkoordinator und Kameramann arbeiten mit diesem gemeinsamen Timing; es ist ihre gemeinsame Partitur.
Atemzonen
Das ist wohl der häufigste Fehler von Regisseuren bei ihrer ersten Actionszene: Sie wollen durchgehend Chaos. Die besten Actionszenen zeichnen sich durch Mikropausen: eine Figur geht einen Korridor entlang, ein Blickwechsel, zwei Sekunden Stille.
Diese kurzen Atempausen erfüllen einen doppelten Zweck: Sie ermöglichen es dem Zuschauer, das Gesehene zu verarbeiten, und geben dem Technikteam 5 bis 10 entscheidende Sekunden, sich neu zu positionieren. In Oldboysind die Pausen, in denen Oh Dae-su zwischen den Gegnerwellen Luft holt, kein Füllmaterial, sondern strukturell bedeutsam.
Profi-Tipp : Nutzen Sie die natürlichen Bewegungen als Übergangszonen – Treppensteigen, Türöffnen, Durchqueren eines Raumes. Der Zuschauer bemerkt die Pause nicht, aber das Team gewinnt Zeit, die Szene anzupassen. Genau das macht Mendes in „ 1917“ : Jede Schützengrabenüberquerung ist eine getarnte Atempause.
3. Auswahl und Beherrschung der Kamerabewegung
Die Kamerahaltung bestimmt den emotionalen Charakter der gesamten Szene. Es ist keine technische, sondern eine erzählerische Entscheidung.
Steadicam vs. Schulterkamera vs. Schiene
Die Steadicam verleiht dem Film eine fast unwirkliche, fließende Bewegung. Iñárritu und Lubezki wählten sie für Birdman; die Kamera gleitet durch die Kinogänge, und der Zuschauer schwebt mit ihr. In einer Actionszene kann diese fließende Bewegung ein Vorteil sein (man ist ein Geist, der durchs Chaos irrt) oder ein Nachteil (zu glatt, nicht intensiv genug).
Die schultermontierte Kamera verleiht dem Bild eine organische Nervosität, Erschütterungen, kleinste Anpassungen und die physische Präsenz des Kameramanns. Sie ist die instinktive Wahl für Nahkampfszenen.
Und dann ist da noch die Kamerafahrt auf Schienen, Park Chan-wooks kühnste Wahl für den Korridor inOldboy. Eine statische, seitliche Kamerafahrt, parallel zur Handlung, erzeugt einen Effekt theatralischer Distanz. Man beobachtet die Gewalt wie hinter der Bühne einer Aufführung. Es ist kontraintuitiv für eine Actionszene, und genau das macht sie unvergesslich.
Gimbal- und FPV-Drohne
Moderne Gimbals ( DJI Ronin, Freefly MōVI) ermöglichen Bewegungen, die vor 15 Jahren noch unmöglich waren, wie der Wechsel von einem Innen- in einen Außenbereich, das Treppensteigen und die Verfolgung einer Person zu Fuß ohne Schulterrucke oder die Einschränkungen der Schiene.
FPV-Drohnen eröffnen völlig neue Möglichkeiten für Action-Szenen im Freien: flüssige Flugbahnen, die durch Explosionen gleiten, Fahrzeugen folgen und in Gebäude stürzen. Die Eröffnungssequenzen einiger aktueller Produktionen nutzen diese Technologie, um Ergebnisse zu erzielen, die kein menschlicher Kameramann physisch erreichen könnte.
Die Grundregel: Vorhersehen, niemals reagieren
Bei einer langen Einstellung folgt der Kameramann nicht der Handlung. Jede Kamerabewegung ist choreografiert und spiegelt die Handlung wider. Der Kameramann weiß exakt, wo die Faust in drei Sekunden sein wird, und seine Kamera bewegt sich bereits auf diesen Punkt zu. Reagiert er, anstatt vorauszusehen, verzögert sich der Bildausschnitt, und bei einer langen Einstellung gibt es keine zweite Chance im selben Bild.
Profi-Tipp : Lassen Sie den Kameramann von Anfang an mit den Stuntleuten proben. Er muss die Kampfszene genauso gut kennen wie die Stuntleute; er ist ein zusätzlicher Tänzer in der Szene, kein bloßer Beobachter. Bei „Atomic Blonde“probte Kameramann Jonathan Sela die Treppenszene wochenlang mit Charlize Theron und den Stuntleuten, bevor er überhaupt eine Kamera in die Hand nahm [Quelle: IndieWire, 2017].
4. Stuntleute, Schauspieler und Techniker koordinieren
Bei einer vorab aufgezeichneten Szene wird die Aufnahme wiederholt und in der Postproduktion angepasst, wenn ein Stuntman den Punkt um eine halbe Sekunde verfehlt. Bei einer Szene, die in einer einzigen Einstellung gedreht wird, kann diese halbe Sekunde vier Minuten Teamarbeit zunichtemachen. Koordination ist kein Luxus, sondern unerlässlich.
Der Stuntkoordinator wird zum Co-Regisseur
Der Stuntkoordinator spielt eine viel umfassendere Rolle als an einem typischen Filmset. Er choreografiert nicht nur die Kampfszenen, sondern integriert die Kameraführung in jede Bewegung. Ein Schlag, der aus einem bestimmten Winkel perfekt aussieht, kann aus einem anderen völlig unnatürlich wirken. Und in einer einzigen Einstellung ändert sich der Winkel ständig, weil sich die Kamera bewegt.
Bei „Oldboy“musste der Stuntkoordinator eine Kampfszene entwerfen, die auch in seitlichen Kamerafahrten . Das bedeutete, dass jeder Schlag von der Seite, nicht aber von vorn, wirken musste. Diese radikale Vorgabe prägte die gesamte Choreografie.
Sicherheitssysteme: "Sicherheitswörter"
Bei Actionszenen gibt es Signalsysteme, die die Dreharbeiten sofort stoppen, wenn jemand in Gefahr ist. Eine Geste, ein Codewort im Ohrhörer. Das ist unerlässlich, denn der Regisseur möchte instinktiv eine gut laufende Aufnahme nicht unterbrechen, selbst wenn ein Risiko besteht. Keine Aufnahme ist eine Verletzung wert. Niemals.
Der Hauptdarsteller inmitten des Chaos
Der Schauspieler, der kein Stuntman ist, steht oft im Mittelpunkt des Geschehens, ohne dass ein Stuntdouble sichtbar ist. Ihm müssen Sicherheitsreflexe (Abstände, Ausweichmanöver) beigebracht werden, während er gleichzeitig seinen natürlichen Schauspielstil beibehält – eine sehr schwierige Gratwanderung.
Keanu Reeves trainiert aus diesem Grund monatelang vor jedem John-Wick-Film . Charlize Theron absolvierte ein intensives Kampftraining für Atomic Blonde. Dieses Maß an körperlicher Anstrengung ist keine Eitelkeit eines Schauspielers, sondern eine technische Notwendigkeit, wenn der Schnitt eine misslungene Szene nicht mehr retten kann.
5. Klang und praktische Effekte in einer einzigen Einstellung
Wenn wir über Actionsequenzen sprechen, wird es systematisch vergessen: Der Ton ist eine logistische Herausforderung für sich.
Tonaufnahme
Bei einer sich ständig bewegenden Kamera ist der Einsatz eines fest installierten Richtmikrofons unmöglich. Die Lösungen: drahtlose Mikrofone an jedem Schauspieler oder separate Tonaufnahmen mit teilweiser Nachsynchronisation. Bei den Dreharbeiten zu „1917“Interview mit Sound on Sound, 2020).
Praktische Effekte in Echtzeit
Explosionen, berstendes Glas, Fehlschüsse, Stürze – all das muss in Echtzeit , die sich an das gleiche Audio-Timing wie der Rest des Teams halten. Ein pyrotechnischer Effekt, der eine Sekunde zu früh oder zu spät ausgelöst wird, ist nicht nur gefährlich, sondern führt auch zum Ausschluss aus der Szene.
Das am häufigsten zitierte Beispiel ist nach wie vor „Children of Men“ : In der Szene des Autoüberfalls wurden die Bluteffekte auf der Windschutzscheibe manuell von einem Spezialeffekttechniker ausgelöst, der sich im Fahrzeug unter dem Armaturenbrett versteckt hatte. Der Techniker folgte der Abfolge nach Gehör, ohne visuelle Hinweise, und löste jeden Treffer im exakt richtigen Moment aus. Ein einziger Timingfehler, und die gesamte vierminütige Aufnahme musste neu gedreht werden (Quelle: „Children of Men“).
6. Fallstudien: Analyse von 3 in einer einzigen Einstellung gedrehten Actionszenen
Oldboy (2003) — Der Korridor
Park Chan-wook filmt einen einzelnen Mann, der in einem engen Korridor gegen etwa fünfzehn Gegner kämpft – in einer einzigen, etwa dreiminütigen. Die Regieentscheidung ist radikal: Die Kamera bleibt in Distanz, parallel zur Wand, und beobachtet. Es gibt keine Nahaufnahmen der Zusammenstöße, keine heroische Musik, keine Zeitlupe.
Die Schläge wirken unbeholfen, abgeklärt, aber realistisch. Oh Dae-su (Choi Min-sik) wird getroffen, stolpert und steht wieder auf. Seine Gegner fallen und stehen wieder auf. Der Schauspieler drehte die Szene in 17 Takes über drei Tage (Quelle: Audiokommentar der DVD). Das Ergebnis wirkt eher wie ein zermürbender Straßenkampf als wie ein Actionfilm – und genau das ist die Absicht.
Das Besondere an dieser Szene ist die Distanz der Kamera. Indem er sich weigert, selbst ins Geschehen einzugreifen, erzeugt Park Chan-wook einen theatralischen Effekt: Man ist Zuschauer der Gewalt, nicht Teilnehmer. Es ist unangenehm, und das ist beabsichtigt.
Wichtigste Erkenntnis : Die Distanz der Kamera kann Brutalität wirkungsvoller verstärken als die Nähe. Manchmal ist die Beobachtung aus der Ferne gewalttätiger als die unmittelbare Nähe zu den Leichen.
Wenn Sie eine vollständige Analyse dieser Szene wünschen, finden Sie die entsprechende Seite hier.
Children of Men (2006) — Der Autoüberfall
Cuarón positioniert seine Kamera im Inneren eines von Angreifern attackierten Autos. Die Einstellung dauert fast vier Minuten, die Kamera schwenkt dabei um 360 Grad zwischen den Insassen hin und her. Der Zuschauer ist im Fahrzeug eingeschlossen; es gibt keine Außenansichten, keine Weitwinkelaufnahmen, um die Situation zu erfassen. Nur Panik.
Für die Szene wurde ein umgebautes Fahrzeug mit abnehmbarem Dach und ein Kamerasystem benötigt, das an einem speziell für den Film entwickelten Roboterarm montiert war, um volle Drehungen zu ermöglichen. Die Windschutzscheibe war ein im Drehbuch festgelegtes Element: Die Blutspritzer, die von dem im Fahrzeug versteckten Spezialeffekttechniker manuell ausgelöst wurden, mussten genau im richtigen Moment auftreffen, damit die Kamera sie während der Drehung einfangen konnte.
Das Ergebnis ist eine Szene, in der die Klaustrophobie die gesamte emotionale Arbeit übernimmt. Man sieht die Gefahr nicht, man hört sie, man spürt sie, und das ist viel schlimmer.
Wichtigste Erkenntnis : Beschränkt man die Kamera während der Handlung auf einen kleinen Bereich, verstärkt dies das Gefühl der Ohnmacht beim Zuschauer. Je weniger er sieht, desto stärker fühlt er.
Die detaillierte Analyse dieser Szene finden Sie hier.
Atomic Blonde (2017) — Die Berliner Treppe
David Leitch inszeniert eine fast achtminütige Kampfszene in einem Berliner Treppenhaus. Es gibt einige versteckte Schnitte (Schwenks, Passagen vor dunklen Flächen), aber der Eindruck von Kontinuität bleibt erhalten.
Was diese Szene auszeichnet, ist die Erschöpfung. Charlize Theron kämpft mit bloßen Händen und improvisierten Gegenständen, stürzt die Treppe hinunter und rappelt sich mühsam wieder auf. Die Kamera bleibt nah an ihrem Körper. Die Schauspieler waren tatsächlich außer Atem; Stuntkoordinator Sam Hargrave bestätigte, dass das sichtbare Keuchen auf der Leinwand nicht gespielt war ( Variety-, 2017).
Die wichtigste Lehre dieser Szene ist: Erschöpfung ist ein erzählerisches Mittel. Wenn der Zuschauer sieht, wie die Figuren in Echtzeit an Kraft verlieren, ohne dass ein Schnitt die Szene unterbricht, wird die Gewalt auf eine Weise physisch glaubwürdig, die kein Spezialeffekt erreichen kann.
Wichtigste Erkenntnis : Die Darstellung der körperlichen Erschöpfung – der Figuren und der Schauspieler – macht die Gewalt realer als jede technische Meisterleistung.
Die detaillierte Analyse dieser Szene finden Sie hier.
7. Fehler, die alles ruinieren
Unzureichende Proben. Die häufigste Ursache für Misserfolge. Wenn die Crew die gesamte Sequenz nicht mindestens 15 bis 20 Mal geprobt hat, ist die Wahrscheinlichkeit, dass etwas schiefgeht, enorm. Die Korridorszene inOldboy : 17 Takes. Manche Szenen aus 1917 : 30 bis 50 Takes. Das ist nicht übertrieben, sondern Standard.
Zu viel Action ohne Pause. Die ständige Intensität bewirkt genau das Gegenteil des Beabsichtigten: Der Zuschauer verliert das Interesse. Die kurzen Pausen sind kein Füllmaterial, sondern strukturell wichtig.
Der Kameramann entdeckt die Choreografie erst am Drehtag. Hat er nicht mit den Stuntleuten geprobt, wird die Bildgestaltung unpräzise, verzögert und reaktiv statt vorausschauend sein. Die Folgen sind sofort sichtbar.
Die Stromabschaltung zu verweigern, um „die Situation zu retten“, ist ein Fehler. Der Reflex, weiterzumachen, wenn etwas schiefgeht, ist zwar verständlich, aber gefährlich. Ein klares Sicherheitsprotokoll mit sofortigen Stoppsignalen muss vorhanden sein und ausnahmslos befolgt werden.
Die lange Einstellung als Selbstzweck. Wenn das Fehlen von Schnitten weder Emotionen noch der Erzählung dient, sieht der Zuschauer nur eine stilistische Übung. Technische Brillanz ohne dramatische Absicht ist hohl, und das Publikum spürt es.
8. Checkliste für den Betrieb
Die vollständige Choreografie wurde mit dem Stuntkoordinator abgesprochen
Dynamisches Storyboard (Draufsicht mit Kamerabewegung + Schauspielern)
Sekundengenaue Zeitmessung, die dem gesamten Team mitgeteilt wird (Referenz-Audiodatei)
Die Wahl der Kamerahalterung wurde validiert und narrativ begründet (Steadicam, Schulterhalterung, Gimbal, Schiene)
Der Kameramann war von Anfang an in die Proben integriert
Die Atemzonen wurden identifiziert und im Plan platziert
Sicherheitssignalsystem vorhanden und getestet
Praktische Effekte (SFX) gemäß Zeitplan, Techniker eingewiesen
Tonaufnahme geplant (drahtlose Mikrofone, Kameramikrofone, nachträgliche Synchronisation geplant)
Mindestens 15-20 vollständige Proben vor den Dreharbeiten
Plan B vorbereitet (alternative Bearbeitung im klassischen Format, falls die Sequenzaufnahme fehlschlägt)
9. Häufig gestellte Fragen (FAQ)
Wie viele Steckdosen werden im Durchschnitt benötigt?
Der Zeitaufwand variiert je nach Komplexität erheblich. Die Korridorszene inOldboy : 17 dauerte über drei Tage. Manche Szenen in 1917 benötigten 30 bis 50 Takes. Planen Sie ausreichend Zeit ein; einen ganzen Tag für eine drei- bis fünfminütige Einstellung zu reservieren, ist nicht übertrieben, sondern realistisch.
Sind versteckte Kürzungen Betrug?
Nein, es ist ein Stilmittel. Ein Schwenk , eine Passage vor einer dunklen Wand, eine verschwommene Bewegung – all das sind Momente, in denen in der Postproduktion ein unsichtbarer Schnitt eingefügt werden kann. Birdman und 1917 nutzen diese Technik ausgiebig. Die Frage ist nicht „Gibt es einen Schnitt?“, sondern „Nehmt der Zuschauer die Kontinuität wahr?“ Wenn die Antwort „Ja“ lautet, funktioniert die lange Einstellung.
Welche Mehrkosten entstehen im Vergleich zur Standardinstallation?
Rechnen Sie mit etwa zwei- bis dreimal so viel Probenzeit und 30–50 % mehr Drehzeit. Die Mehrkosten entstehen durch den erhöhten Zeitaufwand für Stunts, Spezialeffekte und die Dreharbeiten sowie die größere Anzahl an Takes. Dafür sparen Sie möglicherweise Kosten für Schnitt und visuelle Effekte in der Postproduktion.
Ist das mit einem kleinen Budget möglich?
Die Flurszene inOldboy hatte kein Hollywood-Budget. Der Schlüssel: die Choreografie vereinfachen, die Anzahl der Statisten reduzieren, einen begrenzten Raum (Flur, Einzelzimmer, Treppenhaus) nutzen und Zeit in Proben statt in Equipment investieren. Gerade die räumliche Beschränkung, die das Budget begrenzt, führt oft zu den besten Szenen.
Was ist die längste wirklich ununterbrochene Sequenzaufnahme?
Die Frage ist knifflig, da die Grenze zwischen einer „echten langen Einstellung“ und einer „langen Einstellung mit versteckten Schnitten“ fließend ist. Was eine wirklich durchgehende Einstellung angeht, bleibt die Korridorszene inOldboy (ca. 3 Minuten) der absolute Maßstab. Mit versteckten Schnitten 1917 Einstellungen von über 30 Minuten ununterbrochener Handlung, doch es handelt sich um eine raffiniert getarnte, brillant umgesetzte Montage.
Abschluss
Eine Actionszene in einem einzigen Take zu choreografieren bedeutet, zu akzeptieren, dass es kein Sicherheitsnetz gibt. Kein Schnitt, um eine misslungene Bewegung zu retten, kein alternativer Kamerawinkel, um einen Fehltritt zu kaschieren. Alles ist Vorbereitung, Probe, Koordination, und wenn der 17. Take gelingt, bedeutet das, dass sich die wochenlange Arbeit im Vorfeld gelohnt hat.
Das Ergebnis ist, wenn es gelingt, ein körperliches Erlebnis für den Zuschauer. Eine gemeinsame Atemlosigkeit mit den Figuren, die mit traditionellen Schnitttechniken nicht erreicht werden kann. Es ist selten, es ist schwierig, und genau deshalb ist es so wirkungsvoll.
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