Kingsman: The Golden Circle (2017) Sequenzaufnahme

Regie: Matthew Vaughn

Filmtitel: Kingsman: The Golden Circle

• Jahr : 2017

• Regie: Matthew Vaughn

• Land: Vereinigtes Königreich / Vereinigte Staaten

• Kameramann: George Richmond (BSC) – derselbe Kameramann wie bei den ersten Kingsman-Filmen und Children of Men.

• Choreograf / Stuntkoordinator / Regisseur der zweiten Einheit: Brad Allan (†), das erste nicht-asiatische Mitglied des Jackie Chan Stuntteams

• VFX-Supervisor: Mark Breakspear (Sony Pictures Imageworks)

• Vorschau: Das dritte Stockwerk

• Kameras: ARRI Alexa Studio, ARRIRAW-Format

• Optiken: Hawk V-Lite und V-Plus (anamorph)

• Stabilisierung: Steadicam, Schulterkamera, Technocrane, Seilkameras + CG-Virtualkamera

• Dreharbeiten: Longcross Studios (Diner-Set physisch aufgebaut, mit Lidar gescannt, digital rekonstruiert)

• Musik: „Word Up!“ (The BossHoss, Country-Rock-Cover von Cameo) NICHT „Saturday Night’s Alright for Fighting“ (Elton John), das den vorherigen Angriff auf Poppy Land begleitete.

Poppy's Diner. Ein amerikanisches Diner der 50er-Jahre, Chrom und rotes Vinyl, mitten im kambodschanischen Dschungel – eine absurde Szenerie. Whiskey (Pedro Pascal), der Agent der Statesman, den alle für einen Verbündeten hielten, hat gerade seinen Verrat offenbart: Er will alle Drogenkonsumenten der Welt, darunter auch Eggsys Verlobte, sterben lassen, um die Alkoholpreise in die Höhe zu treiben und seine von Drogenabhängigen getötete Frau zu rächen. Er hat das Lasso. Er hat die Peitsche. Er ist im Vorteil. Harry (Colin Firth) verriegelt die Tür des Diners – dieselbe Geste wie im Pub aus dem ersten Film, nach dem Motto „Manieren machen den Mann“ – und der Kampf beginnt. Die Kamera bricht aus. Sie dreht sich, stürzt ab, beschleunigt, verlangsamt, durchfährt die Lassoschlinge, schwebt über der Theke, folgt der Peitsche und scheint nie zu schneiden. Dreieinhalb Minuten lang kämpfen drei Männer in einem 50 Quadratmeter großen Raum voller reflektierender Oberflächen, und die Kamera umhüllt sie wie ein unsichtbarer vierter Tänzer.

Warum diese Szene legendär ist

Dieser Kampf ist keine Einzelaufnahme. Er ist eine Komposition aus Dutzenden kurzer Einstellungen, die digital zusammengefügt wurden, um die Illusion von Kontinuität zu erzeugen. Und genau diese hybride Natur macht ihn so faszinierend: Es ist der Punkt, an dem Actionkino aufhört, physische Aktionen einzufangen, und zu digitaler Choreografie wird. Fotorealistische Animation tanzt mit realen Körpern.

Die Kirchenszene im ersten Kingsman (2014) nutzte versteckte Schnitte in den Laufstegen der Statisten und weite Schwenks, blieb aber den Gesetzen der Physik treu. Hier überschreitet Vaughn eine Grenze: Die Kamera vollführt unmögliche Bewegungen (sie durchquert die Schlaufe eines sich bewegenden Lassos), die Gesichter der Schauspieler werden digital auf die Körper der Stuntmen projiziert, und die Schäden am Set sind komplett computergeneriert, sodass sie zwischen den Takes „zurückgesetzt“ werden können. Es ist weniger Kino als vielmehr Animation unter der Regie eines Filmemachers – und genau das ist die Absicht.

Der Choreograf Brad Allan konzipierte den Kampf wie eine Partitur: Jeder Schlag ist ein Schlag, jede Ausweichbewegung eine Stille. Die Kamerafahrten korrespondieren mit den Temposteigerungen von „Word Up!“, die Zeitlupensequenzen unterstreichen die musikalischen Pausen. Es ist ein Musical der Gewalt, kein realistischer Kampf. Und genau hier unterscheidet sich Kingsman von den anderen Filmen der Blog-Sammlung: Während Atomic Blonde (im selben Jahr erschienen) die Plansequenz nutzt, um Erschöpfung und Schmerz darzustellen, setzt Kingsman sie ein, um Virtuosität und Stil zu präsentieren. Realismus gegen Idealismus. Schweiß gegen Pixel.

Wie sie es gefilmt haben

Das Diner wurde in den Longcross Studios physisch aufgebaut, anschließend mit LiDAR gescannt und vollständig digital rekonstruiert. Warum zwei Kopien? Weil beim Filmen unter einem Tisch oder durch ein Hindernis das reale Objekt durch seine digitale Kopie ersetzt wird, um Kollisionen mit der Filmausrüstung zu vermeiden. Und da die Zerstörung des Sets (Einschläge, Glassplitter, zerbrochene Möbel) größtenteils digital erfolgt, kann das Set zwischen den Takes sofort zurückgesetzt werden. Die Platzierung der Trümmer wird präzise gesteuert, sodass sie die Komposition unterstützen, anstatt sie zu stören.

George Richmond drehte auf anamorphotischem Film (Hawk V-Lite und V-Plus auf ARRI Alexa Studio, ARRIRAW). Eine zunächst ungewöhnliche Wahl für eine Szene voller visueller Effekte: Anamorphotischer Film erzeugt tonnenförmige Verzeichnung, bläuliche horizontale Lens Flares und ovales Bokeh – optische „Fehler“, die dem Bild eine greifbare, filmische Realität verleihen. In einer so künstlichen Umgebung wie diesem Diner (Greenscreen, digitale Erweiterungen, CGI-Lasso) sind diese Unvollkommenheiten der organische Lack, der verhindert, dass das Bild ins „Videospiel“-Gefilde abdriftet. Richmond erklärte: „Es war der Look, der am filmischsten wirkte … Wir suchen gezielt nach Bildfehlern.“

Das Set stellte eine besondere Herausforderung dar: Es bestand aus vielen reflektierenden Oberflächen – Chrom, Glas, Vinyl. Da sich die Kamera ständig drehte, musste die Beleuchtung über 360 Grad gleichmäßig sein. Es gab keinen Platz außerhalb des Bildausschnitts, um die Scheinwerfer zu verstecken. Die Lösung: Praktische, in das Set integrierte Leuchten (die Neonlichter des Diners), die in der Postproduktion digital nachbearbeitet wurden, sodass die Reflexionen auf den CGI-Objekten (dem Lasso) der realen Umgebung entsprachen.

Die flüssigen Kamerafahrten verdankt sich einem vielseitigen Arsenal an Kameratechnik: Steadicam und Schulterkameras für Nahaufnahmen, Technocrane und Seilkameras für Aufnahmen von oben und vor allem die computergenerierte virtuelle Kamera – Kingsmans Geheimwaffe. Sobald die Kamera eine physikalisch unmögliche Bewegung ausführt (z. B. durch die Lasso-Schlaufe fliegt oder in einen Becher taucht), stoppt das Live-Filmmaterial und eine vollständig computergenerierte Kamera übernimmt. Die Produktionsfirma Third Floor analysierte jeden Übergang im Voraus, sodass das Filmteam genau wusste, wo die einzelnen Sequenzen beginnen und enden mussten, um sie mit der virtuellen Bewegung in Einklang zu bringen.

Der Gesichtsaustausch ist das bestgehütete Geheimnis der Szene. Egerton und Firth können die gefährlichsten Stunts nicht selbst ausführen; Stuntdoubles übernehmen das für sie. Die Schauspieler werden separat gefilmt, wie sie die entsprechenden Gesichtsausdrücke vor einem Greenscreen zeigen, und ihre Gesichter werden digital auf die Körper der Stuntdoubles übertragen. Mark Breakspear (VFX-Supervisor, Sony Pictures Imageworks) hat diese Technik so weit perfektioniert, dass sie selbst in Zeitlupe und Nahaufnahmen einwandfrei funktioniert; der Übergang vom Schauspieler zum Double ist absolut nahtlos.

Brad Allan komponierte die Choreografie für drei unterschiedliche Charaktere. Harry: ein ökonomischer und defensiver Stil, der Alltagsgegenstände mit Ruhe und Besonnenheit einsetzt. Doch sein eingeschränktes Sehvermögen führt dazu, dass er früh einen Becherwurf verfehlt – eine Ungeschicklichkeit, die im starken Kontrast zu seiner tödlichen Präzision am Ende steht. Eggsy: akrobatischer, brutaler, „straßenmäßiger“ Kampfstil, der physische Motor des Kampfes. Whiskey: ein „zentrifugaler“ Stil, basierend auf Lasso und Peitsche. Er kontrolliert den Raum durch Distanz und zwingt die beiden Galahads zur Zusammenarbeit, um seine Deckung zu durchbrechen. Das Lasso ist eine eigenständige Figur; es greift, wirft, schneidet und setzt Stromschläge ein. Seine Physik ist unmöglich (es bewegt sich wie eine intelligente Schlange), weshalb die Schauspieler die Interaktionen mit einem unsichtbaren oder unvollständigen Objekt mimen mussten. Das eigentliche Lasso wurde per CGI hinzugefügt.

Das Ende, in dem Whiskey mit dem Kopf voran in den Fleischwolf geschoben wird, ist komplett computergeneriert. Breakspear beschrieb es als „eine Last-Minute-Ergänzung, die sich als einer der coolsten Momente des ganzen Films entpuppte“: Fünf Sekunden lang sieht man, wie gerendertes Fleisch, Blut und Knochen mit dem kalten Metall der Maschine interagieren – alles in fotorealistischer Beleuchtung. Cartoonhafter Body-Horror, so übertrieben, dass er schon wieder komisch ist.

Worauf man bei der Überprüfung achten sollte

• Harrys missglückter Bierkrugwurf (Anfang): Harry wirft einen Bierkrug nach Whiskey und verfehlt ihn. Es ist kein Zufall, sondern so geplant. Harry verlor im ersten Film ein Auge. Sein eingeschränktes Sehvermögen ist eine Behinderung. Als er am Ende des Kampfes seine Pistole abfeuert und das Lasso mit chirurgischer Präzision durchtrennt, ist dies die Wiedergeburt des Charakters, der spirituelle Vater, der seine Behinderung überwindet, um seinen Adoptivsohn zu retten.

• Die Kamera durch das Lasso (Mitte): Die Kamera folgt dem Lassoseil, taucht in die sich bewegende Schlaufe ein und kommt wieder heraus. Diese Bewegung ist physikalisch unmöglich; genau in diesem Moment weicht das Live-Bild der virtuellen CG-Kamera. Der Übergang ist nicht sichtbar. Genau das ist der Clou.

• „Word Up!“ vs. „Saturday Night’s“ (der gesamte Kampf) Häufige Verwechslung: Elton Johns „Saturday Night’s Alright for Fighting“ untermalt den vorherigen Angriff auf Poppy Land. Der Kampf im Diner wird von The BossHoss’ „Word Up!“, einem Funk-Song (Cameo), neu interpretiert als Country-Rock, untermalt. Diese musikalische Verschmelzung spiegelt die visuelle Verschmelzung wider: der britische Spion in einem amerikanischen Diner.

Wussten Sie das?

Der Choreograf Brad Allan verstarb 2021. Als erstes nicht-asiatisches Mitglied des Jackie-Chan-Stuntteams brachte er die Hongkonger Actionphilosophie ins westliche Kino: Rhythmus, Präzision, Klarheit und der innovative Einsatz von Requisiten (das „Prop-Fu“). Der Kampf im Diner zählt zu seinen letzten großen und komplexesten Werken: ein Dreieckskampf (zwei gegen einen) in einem beengten Raum mit reflektierenden Oberflächen, wobei eine Schlüsselrequisite (das Lasso) während der Dreharbeiten völlig unsichtbar ist.

George Richmond, der Kameramann, ist derselbe, der die Schlacht von Bexhill in „ Children of Men “ (2006) aus der Hand filmte, die Kirchenszene im ersten „Kingsman“ (2014) drehte und hier für die Dinnerszene zurückkehrt. Drei der gefeiertsten Actionsequenzen des 21. Jahrhunderts – und derselbe Kameramann. Von Cuarón bis Vaughn, von der handgeführten Dokumentarkamera zum digitalen Ballett: Richmond ist der unsichtbare rote Faden in der Entwicklung der Actionsequenz.

Diese Szene ist das genaue Gegenteil von Creed (2015) aus der Sammlung der Website. Creed ist eine echte, ungeschnittene Einstellung, ein einziger Take, ohne jegliche visuelle Effekte, ein Steadicam-Operator, der im Ring Schlägen ausweicht. Die Dinner-Szene in Kingsman hingegen ist eine vorgetäuschte, ungeschnittene Einstellung, dutzende Takes, digitale Gesichter, eine computergenerierte Kamera, ein Lasso, das gar nicht existiert. Zwei diametral entgegengesetzte Philosophien, zwei Antworten auf dieselbe Frage: Wie filmt man einen Kampf ohne Schnitt ? Die eine Antwort: Schweiß. Die andere: Pixel.

Quellen

• Technische Produktionsanalyse (Referenzdokument)

• Mark Breakspear / Sony Pictures Imageworks (Interview The Credits - „Die Szene mit dem Kampf um den Aktenkoffer in Kingsman: The Golden Circle dauerte Monate“, Dezember 2017)

• George Richmond – Interviews zur Wahl der Hawk V-Lite/V-Plus-Anamorphoten

• Matthew Vaughn (Interview mit ComicBook.com – Musikauswahl, Zusammenstellung von 3 Live-Versionen von Elton John, „Word Up!“ Remix)

• TV Tropes – Kingsman: The Golden Circle, „stilisierte One-Shot-Szene mit Musik, genau wie die Kirchenszene“

• WatchMojo – „Die 10 besten Kampfszenen in den Kingsman-Filmen“ (Januar 2026)

• CinemaBlend – „Die besten Kingsman-Kampfszenen der gesamten Filmreihe bisher“

• Wikipedia - Kingsman: The Golden Circle (Produktion, Dreharbeiten in Longcross/Leavesden)

• Brad Allan – als Stuntkoordinator und Regisseur der zweiten Dreheinheit genannt (verstorben 2021)

Lesen Sie auch:

Creed (2015) https://www.plan-sequences.com/categories-de-plans-sequences/creed – Der absolute Gegenpol: eine echte, durchgehende Einstellung, keine visuellen Effekte, eine Steadicam im Ring

Atomic Blonde (2017) https://www.plan-sequences.com/categories-de-plans-sequences/atomic-blonde - Gleiche Ära, gegensätzliche Philosophie: echter Wasserfall versus Pixel