Schlussszene (2018)

• Jahr : 2018

• Regisseur / Drehbuchautor / Mitherausgeber: Gaspar Noé

• Länder: Frankreich / Belgien

• Kameramann: Benoît Debie (SBC - Irreversible, Enter the Void, Spring Breakers, The Beach Bum)

• Choreografin: Nina McNeely (Björk, Rihanna – aus London)

• Bearbeitung: Denis Bedlow und Gaspar Noé

• Musik: Thomas Bangalter (Daft Punk) + Zusammenstellung: Daft Punk, Aphex Twin, Cerrone, Giorgio Moroder, Erik Satie, Gary Numan, Soft Cell, Kiddy Smile

• Kamera: kurze Brennweite, sehr weiter Bildausschnitt, nachträglicher Beschnitt zur Fokussierung auf bestimmte Tänzer

• Kran: 30-Fuß (~10 Meter) Supertechno-Kran für Sturzflugaufnahmen

• Filmlänge: 96 Minuten

• Wichtige Sequenzaufnahmen:

  • Der Eröffnungstanz: ca. 10 Minuten, in einer einzigen Einstellung (16 Einstellungen, die letzte wurde beibehalten)

  • Die zweite Hälfte (Abstieg in die Hölle): ~42 Minuten ununterbrochen ohne Schnitte

• Drehbuch: 5 Seiten, der Rest ist zu 100 % von den Tänzern improvisiert.

• Dreharbeiten: 15 Tage, in chronologischer Reihenfolge

• Vorbereitung der Tanzszene: 2 Tage (1 Tag Choreografie, 1 Tag Dreharbeiten). Nur 15 der 21 Tänzer standen für die Proben zur Verfügung.

• Besetzung: 21 professionelle Tänzer (Krump, Vogue, Breakdance, Contemporary), fast keiner mit Schauspielerfahrung, außer Sofia Boutella und Souheila Yacoub

• Drehort: verlassene Schule in den Pariser Vororten

• Budget: 2,9 Millionen Dollar

• Inspiration: Ein Voguing-Ballsaal, besucht von Noah + Rize von David LaChapelle (2005)

• Visuelle Referenzen: Christiane F. (Uli Edel, 1981), Salò (Pasolini, 1975), Un Chien Andalou (Buñuel, 1929), Possession (Żuławski, 1981)

• Cannes 2018: Art Cinema Award (Quinzaine des Réalisateurs)

Eine verlassene Schule in den Pariser Vororten. Winter 1996. Einundzwanzig Tänzer (Krumper, Voguer, Breakdancer, zeitgenössische Tänzer) haben gerade ihre Probe beendet. Die Kamera fährt an einem zehn Meter hohen Kran über sie. Die Musik setzt ein. Und zehn Minuten lang tanzen sie. Ohne Schnitt. Der Supertechno senkt sich, dreht sich, taucht zwischen den Körpern hindurch, steigt in einem tiefen Sturz empor, um die Ensemblechoreografie zu enthüllen, senkt sich wieder, um ein Solo einzufangen. Kiddy Smile verlässt das DJ-Pult und teilt die Menge, Romain Guillermic verrenkt sich wie von Sinnen, Sofia Boutella reiht Spagat und High Kicks mit tödlicher Präzision aneinander, Thea Carla Schott entkleidet sich hinter einem Vorhang aus zitternden Händen. Die Kamera folgt ihnen allen, fängt sie einzeln ein, verbindet sie durch kontinuierliche Bewegung und schneidet nie. Zehn Minuten in einer einzigen Einstellung. Sechzehn Takes, um sie zu erreichen.

Dann kommt die Sangria. Dann wird LSD dazugegeben. Dann laufen die Credits nach 46 Minuten. Dann die zweite Hälfte des Films: 42 Minuten ohne Unterbrechung. Der kollektive Trip, der Wahnsinn, die Gewalt, die Schreie, die Krämpfe, das Kind im Elektroraum, die Schwangere, die sich in den Bauch schlägt, der Tänzer, der sich selbst anzündet, und die Kamera immer noch ohne Schnitt. Zweiundvierzig Minuten. Ungeschnitten. Ohne Drehbuch. Ohne Netz und doppelten Boden.

Warum diese Szene legendär ist

Auf die Frage, wie er die Eröffnungsszene gestaltet habe, antwortete Noah: „Wir brauchten 15 bis 16 Takes, weil wir nicht geprobt hatten. Wir fingen also an zu drehen, und natürlich waren die ersten acht oder neun Takes unbrauchbar. Aber wir sahen sie uns gemeinsam mit den Tänzern an und suchten nach Möglichkeiten, den nächsten Take zu verbessern. Und am Ende des Tages hatten wir es dann im Kasten.“

Das ist Noahs Methode: keine Probe, kein Drehbuch, kein Plan B. Filmen, ansehen, von vorn beginnen, filmen, ansehen, von vorn beginnen, bis aus dem Chaos Choreografie wird. Das Drehbuch zu „Climax“ umfasste fünf Seiten. Fünf! Sämtliche Dialoge, Geständnisse, Anschuldigungen, Schreie, paranoide Tiraden – alles improvisiert von Tänzern, die noch nie zuvor geschauspielert haben. Horror Press schrieb: „Man spürt förmlich Noahs Liebe und Bewunderung für diesen Film, so präzise sind die Kamerabewegungen, insbesondere für einen Film, der ausschließlich aus Improvisation besteht.“

Das Springback Magazine analysierte den Eröffnungstanz als „eine perfekte Party, verfeinert zu einem reinen, berauschenden Sirup, in fünf intensive Minuten voller Vogue und Attitüde“. Doch die zweite Hälfte (die ungeschnittenen 42 Minuten) verwandelt diese Party in einen Albtraum. BFI Sight & Sound bemerkte, dass Debie „Noah in einer schwindelerregenden, in einer einzigen Einstellung gedrehten Schlüsselszene (die übrigens endlos erscheint) die Zügel in die Hand nimmt, die physiologisches Chaos so aussehen lässt, wie es sich anfühlen soll“. Der Verzicht auf Schnitte in der zweiten Hälfte ist keine technische, sondern eine sensorische Entscheidung. LSD lässt sich nicht schneiden. Der Trip hört nicht auf. Man kann nicht aus dem Bild treten, genauso wenig wie die Tänzer aus dem Trip.

Wie sie es gefilmt haben

Benoît Debie beschrieb den Prozess gegenüber der Belgischen Gesellschaft der Kameraleute: „Für diese Sequenz benötigten wir zwei Tage, wobei ein ganzer Tag der Choreografie und den Proben mit den Tänzern gewidmet war. Die Choreografin Nina McNeely (die bereits mit Björk und Rihanna zusammengearbeitet hat) kam aus London, um die Choreografie zu verfeinern, während wir mit einer 9 Meter langen Supertechno-Kamera probten, um die Kamerawinkel zu finden.“

Der Supertechno (ein 10 Meter langer Gelenkkran) ist das wichtigste Hilfsmittel für den Eröffnungstanz. Er ermöglicht es der Kamera, in einer Draufsicht über die Tänzer zu schwingen (und so die choreografischen Formationen von oben zu zeigen), dann für ein Solo auf den Boden abzutauchen und anschließend nahtlos wieder aufzusteigen – eine fließende, kontinuierliche Bewegung. Noé erklärte gegenüber THR: „Wir haben mit kurzer Brennweite und einem sehr weiten Bildausschnitt gedreht und anschließend in der Postproduktion bestimmte Teile des Bildes neu kadriert, um den Fokus auf einzelne Tänzer zu richten.“ Die Eröffnungseinstellung wurde daher nachträglich neu kadriert; was man sieht, ist nicht genau das, was die Kamera ursprünglich aufgenommen hat, sondern ein Ausschnitt aus einer viel weiteren Aufnahme.

Die Dreharbeiten erstreckten sich über 15 Tage und fanden in chronologischer Reihenfolge statt – eine Seltenheit. Noah filmte die erste Hälfte (die Proben, die Gespräche, die Party) und anschließend die zweite Hälfte (den Trip, den Wahnsinn, die Gewalt) nacheinander. Die Tänzer erlebten die Entwicklung der Geschichte in Echtzeit, was bedeutet, dass das Unbehagen in der zweiten Hälfte nicht nur gespielt ist: Nach einer Woche Dreharbeiten in einer verlassenen Schule, in der der Regisseur brüllte: „Ihr seid zu zahm, schreit beim Tanzen!“, waren die Erschöpfung und die Anspannung echt.

Debie beschrieb die visuellen Bezüge: „Wir wollten, dass der Film mit etwas völlig anderem beginnt. Ein Bild, das Christiane F., einer drogenabhängigen Prostituierten, nahesteht und sich dann zu etwas sehr Stilisiertem wandelt, während Trance und Demenz die Figuren ergreifen.“ Der Übergang von der ersten zur zweiten Hälfte (vom ausgelassenen Tanz zum Albtraum) ist nahtlos. Die Farben verändern sich, die Beleuchtung wechselt, die Kamera schwenkt (das Bild ist an einer Stelle invertiert), und plötzlich befindet man sich in der Hölle, ohne zu merken, dass man die Grenze überschritten hat.

Das Gesamtbudget betrug 2,9 Millionen Dollar. Die Produzenten Edouard Weil und Vincent Maraval finanzierten den Film zunächst selbst. Noé wollte einen temporeichen Film im Stil von Fassbinder drehen: „Man sagte mir, ich hätte zwei Wochen Zeit, aber ich habe drei Wochen daraus gemacht, also insgesamt 15 Tage.“

Worauf man bei der Überprüfung achten sollte

• Supertechno von oben (Eröffnungstanz, Minuten 3–5): Die Kamera fährt auf 10 Meter Höhe und enthüllt die choreografischen Formationen aus der Vogelperspektive. Dann senkt sie sich, um ein Solo einzufangen. Diese vertikale Bewegung (die Weitwinkelaufnahme, die ins Detail geht) ist das charakteristische Merkmal der Einstellung. Es ist dieselbe Logik wie die Kranfahrt in Kill Bill (das Diner, von oben gesehen, vor dem Massaker), nur dass hier Tänzer statt Yakuza vorkommen.

• Die 42 Minuten dauern an (zweite Hälfte): Nach dem Abspann bei Minute 46 läuft der Film weitere 42 Minuten ohne Schnitt. Achten Sie auf den Moment, in dem Ihnen bewusst wird, dass die Kamera schon lange nicht mehr geschnitten hat; es ist ungefähr der Moment, in dem die Tänzer merken, dass die Sangria mit Drogen versetzt wurde. Das Fehlen von Schnitten und der Kontrollverlust treten gleichzeitig auf.

• Das umgekehrte Bild (zweite Hälfte): An einer Stelle dreht sich das Bild um. Die Decke ist unten, der Boden oben. Man bemerkt es vielleicht nicht sofort, und genau das ist der Sinn. LSD verzerrt die Wahrnehmung. Die Kamera verzerrt das Bild. Die durchgehende Aufnahme verhindert, dass man sich an einem Schnitt festhält, um das Gehirn neu zu orientieren.

Wussten Sie das?

Noé fand die meisten seiner Darsteller selbst, indem er regelmäßig Pariser Krump-Battles und Voguing-Ballrooms besuchte. Léa Vlamos, ein Mitglied des legendären House of Ninja, lud ihn zu einem Voguing-Ballroom ein. Noé war „von der Energie und der Menge fasziniert“. Dann sah er David LaChapelles Dokumentarfilm „Rize“ (2005) über Krumping in Los Angeles und hatte die Idee: „Warum nicht einen Katastrophenfilm mit Tänzern drehen?“

Climax ist Gaspar Noés radikalster Film. Zu seinem Werk zählen unter anderem Irreversible (2002), ein Film, der komplett rückwärts geschnitten ist und eine elfminütige Vergewaltigungsszene enthält, sowie Enter the Void (2009), gefilmt aus der Perspektive eines Toten, der über Tokio schwebt. In dieser Sammlung reiht sich Climax neben Timecode (2000) und Victoria (2015) – Filme, in denen die lange Einstellung nicht nur ein waghalsiger Akt ist, sondern das filmische Format selbst darstellt. Doch während Timecode ein intellektuelles Konzept und Victoria ein Thriller ist, ist Climax ein sinnliches Erlebnis, ein Film, den man nicht einfach nur sieht, sondern erlebt.

Debie drehte auch „Irreversible“ für Noah, die elfminütige Plansequenz im Rektumtunnel. Dasselbe Team, dieselbe Methode, dieselbe Weigerung, zu schneiden, obwohl alle wollten, dass es aufhört. „Climax“ ist quasi „Irreversible“ in umgekehrter Richtung : Anstatt mit Horror zu beginnen und sich der Schönheit zuzuwenden, beginnt er mit Schönheit und führt hinab zum Horror. Dasselbe Mittel (die Plansequenz), dieselbe Funktion (den Zuschauer am Wegschauen zu hindern), entgegengesetzte Richtung.

Quellen

• Gaspar Noé – The Hollywood Reporter, „Cannes: Gaspar Noé über das schmierige Paradies von Climax“ (Mai 2018)

• Gaspar Noé – Wonderland Magazine, „Der Meister der Provokation über Climax“ (September 2018)

• Benoît Debie - SBC (Belgische Gesellschaft der Kameraleute), „Benoît Debie über das Filmen von Höhepunkten“ (2018)

• BFI Sight & Sound – „Climax First Look: Gaspar Noés Dance Demonic“ (Mai 2018)

• Springback Magazine – „Gaspar Noé: Climax“ (März 2020)

• Horror Press – „Climax: Gaspar Noés Meisterwerk des Tanzes“ (Juni 2025)

• The Horror ×2 / Substack - "Start the Dance: Climax (2018)" (detaillierte Analyse)

• Wikipedia – Climax (Film von 2018)

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La La Land (2016) – Lange Einstellung https://www.plan-sequences.com/categories-de-plans-sequences/la-la-land – Die andere großartige Tanz-Langeinstellung in der Sammlung: dieselbe Kranfahrt, dieselbe Choreografie, durchgehend gefilmt, aber eine Party, die eine Party bleibt.

Die lange Einstellung und die Psychologie des Zuschauers https://www.plan-sequences.com/blog-plan-sequences/plan-sequence-psychologie-spectateur - Warum 42 Minuten ohne Schnitt das Gehirn so beeinflussen wie LSD Tänzer: die lange Einstellung als Mittel zur sensorischen Desorientierung