Die 12 größten Regisseure von langen Einstellungen in der Geschichte
Zwölf Filmemacher prägten die Grammatik der langen Einstellung, wie wir sie heute kennen. Einige erfanden sie, andere perfektionierten sie, und wieder andere trieben sie an ihre Grenzen. Hier ist unser Ranking, geordnet nach ihrem gemeinsamen Einfluss auf die Technik und das Kino.
Zusammenfassung
Unsere Rangordnungsmethode
Die Top 12 der Meister der langen Einstellung – von Platz 12 bis Platz 1
Ehrenvolle Erwähnungen: 7 Filmemacher, die hätten dabei sein können
Häufig gestellte Fragen – Ihre Fragen zu diesen Regisseuren
Einführung
Die lange Einstellung ist keine Denkrichtung. Sie ist eine Technik, die das gesamte Kino, alle Epochen und alle Ästhetiken durchdringt. Eine lange Einstellung von Béla Tarr und eine von Sam Mendes haben fast nichts gemeinsam außer dem Fehlen eines Schnitts. Und doch, wenn wir einen Schritt zurücktreten, erkennen wir deutlich eine Reihe von Filmemachern, für die die Weigerung, zu schneiden, ein zentrales Stilmittel war.
Manche Filmemacher haben in ihrer gesamten Karriere nur eine einzige wirklich bedeutende lange Einstellung gedreht – aber was für eine! Andere haben sie zum Markenzeichen ihres gesamten Werks gemacht. Dieses Ranking versucht, beide Aspekte zu berücksichtigen: Tiefe (eine ganze Karriere, die von dieser Technik geprägt ist) und Intensität (ein oder zwei Einstellungen, die das Kino verändert haben)
Sie finden hier die absoluten Klassiker: Scorsese, Cuarón, Kubrick, Welles. Sie werden aber auch auf einige Filme stoßen, die Sie vielleicht überraschen werden. Das ist Absicht. Eine allgemein anerkannte Liste wäre sinnlos
Für jeden Regisseur finden Sie seinen charakteristischen Stil, seine wichtigsten Filme, eine Anekdote vom Set und die Begründung für deren Auswahl. Die meisten der erwähnten Szenen sind auf der Website ausführlich beschrieben ; Sie können dies nach dem Lesen des Textes nachlesen.
1. Unsere Rangordnungsmethode
Drei gewichtete Kriterien:
Auswirkungen auf die Grammatik des Prozesses. Hat dieser Regisseur eine Art des Filmens ohne Schnitt erfunden oder neu definiert? Hitchcock erfindet. Welles etabliert. Kubrick systematisiert. Cuarón digitalisiert.
Wiederkehrendes Stilmittel im Werk. Ein Filmemacher, der die lange Einstellung in mehreren Filmen einsetzt, hinterlässt einen nachhaltigeren Eindruck als einer, der sie nur einmal versucht, selbst wenn er es meisterhaft tut.
Kulturelles Erbe. Wie oft wird dieser Regisseur von seinen Nachfolgern als Einfluss genannt? Wie viele nachfolgende Filme tragen seine Handschrift? Scorsese übertrifft sie alle in dieser Hinsicht.
Drei Kriterien, deren Gewichtung jedoch je nach Fall variiert. Sam Mendes drehte nur einen einzigen Film mit einer einzigen langen Einstellung (1917), doch dieser Film hatte einen so großen Einfluss, dass er es unter die Top 6 schaffte. Béla Tarr hingegen drehte nie eine spektakuläre lange Einstellung, doch sein gesamtes Werk basiert auf dieser Technik, und sein Einfluss auf das zeitgenössische Autorenkino ist beträchtlich.
Noch etwas: Diese Rangliste vereint Genrefilme und Arthouse-Filme, amerikanisches und europäisches Kino, technische Brillanz und radikalen Minimalismus. Es gibt nicht den einen richtigen Weg, eine lange Einstellung zu drehen. Es gibt mindestens zwölf.
2. Die Top 12: von Platz 12 bis Platz 1
#12. Béla Tarr (ungarisch, 1955-)
Sein Markenzeichen : die kontemplative, zurückhaltende lange Einstellung, frei von erkennbarer Virtuosität. Wo Scorsese die Technik zur Schau stellt, lässt Tarr sie verschwinden.
Der ungarische Meister treibt die Technik der langen Einstellung bis an ihre Grenzen. Sátántangó (1994) dauert 7 Stunden und 30 Minuten und besteht aus nur etwa 150 Einstellungen mit einer durchschnittlichen Dauer von 3 Minuten pro Einstellung, wobei einige Szenen bis zu 12 Minuten dauern. Das Turiner Pferd (2011), sein letzter Film, kommt mit 30 Einstellungen in einer Laufzeit von 2 Stunden und 25 Minuten aus. Die Kameraführung ist nie spektakulär: Sie gleitet, sie wartet, sie beobachtet den Regen, der auf die ungarische Ebene fällt. Die Schauspieler gehen, trinken, schweigen. Die Zeit vergeht. Der Zuschauer verweilt mit ihr.
Ein wichtiges technisches Detail: Die Krankenhausszene in „Werckmeister Harmonies“ wurde lange Zeit fälschlicherweise als Steadicam-Aufnahme dargestellt. Rob Tregenza filmte diese Sequenz mit einem Dolly Panther, was die verblüffende Stabilität der Bewegung und die beinahe zeremonielle Schwere der Kamerafahrt erklärt.
Warum diese Platzierung ? Tarr gilt als Vater des zeitgenössischen kontemplativen Kinos (Reygadas, Alonso, Puiu). Sein Einfluss ist immens, doch sein Publikum bleibt klein.
#11. Gaspar Noé (Französisch, 1963-)
Sein unverkennbarer Stil : die extrem sinnliche, lange Einstellung, die oft als unangenehmes physisches Erlebnis für den Zuschauer konzipiert ist.
Noé nutzt die Plansequenz als Mittel der Provokation. In Irreversible (2002) dauert die Tunnelszene neun Minuten und ist von frenetischer Kameraführung geprägt; der Zuschauer ist mit dem Opfer gefangen. Enter the Void (2009) erfindet eine neue Bildsprache: Die Kamera wird zu einem posthumen Blickwinkel, der über Tokio schwebt. Und Climax (2018) fängt eine Tanzgruppe in einem kollektiven Horrortrip ein, gefilmt in langen Einstellungen von 10 bis 40 Minuten, wobei die Kamera am Ende um 180 Grad geneigt ist.
Noah lehnt den erzählerischen Komfort des traditionellen Schnitts ab. Für ihn wird die Weigerung zu schneiden zu einer Form bewusster ästhetischer Gewalt; man ist in der Szene gefangen, ohne Ausweg
Warum diese Rangliste ? Provokativ, aber jeder Film erfindet die Technik neu. Ein Werk, das vollständig von der langen Einstellung geprägt ist.
#10. Andrei Tarkowski (Sowjet, 1932-1986)
Sein unverkennbarer Stil: die spirituelle, meditative, lange Einstellung, oft bewusst langsam.
Tarkowski entwickelte die Theorie der „Zeitgestaltung“: Kino als Kunst der Dauer, nicht des Schnitts. Für ihn ist eine lange Einstellung keine Kunstfertigkeit, sondern eine philosophische Notwendigkeit. Das berühmteste Beispiel ist die Kerzenszene in Nostalghia (1983): Neun Minuten lang durchquert ein Mann ein leeres Thermalbecken und schützt eine kleine Flamme vor dem Wind. Die ersten Takes misslangen. Tarkowski versuchte es hartnäckig so lange, bis er das richtige Tempo gefunden hatte.
Seine Filme Stalker (1979), Das Opfer (1986) und Andrei Rubljow (1966) enthalten zahlreiche ähnliche lange Einstellungen. Sie alle eint derselbe Ansatz: eine Kamera, die sich weigert, das Geschehen zu kommentieren, wodurch die Zeit selbst zum Kern des Films wird.
Warum diese Platzierung ? Als geistiger Vater des kontemplativen Langzeitfilms. Sein Einfluss auf Malick, Sokurov, Zvyagintsev und Reygadas ist unbestreitbar.
#9. Brian De Palma (Amerikaner, 1940-)
Sein Markenzeichen : die an Hitchcock erinnernde, spannungsgeladene lange Einstellung, oft konstruiert wie ein komplexes räumliches Puzzle.
De Palma ist wohl der Filmemacher, der die lange Einstellung im amerikanischen Kino von den 1980er- bis zu den 2000er-Jahren am systematischsten einsetzte. „Snake Eyes“ (1998) beginnt mit einer 13-minütigen, scheinbar langen Einstellung in einem Casino in Atlantic City, unterteilt in fünf visuell choreografierte, sekundengenau getimte Kapitel. „ Carlito’s Way“ (1993) enthält die berühmte Sequenz in der Grand Central Station. „ Blow Out “ (1981), „Femme Fatale“ (2002), „Redacted“ (2007), „Body Double“ (1984) – jeder dieser Filme enthält mindestens eine lange, ungeschnittene Einstellung, die zu einem wahren Meisterwerk wird.
De Palma beruft sich ausdrücklich auf Hitchcocks Erbe. In seinen Filmen wird Spannung nie durch den Schnitt erzeugt, sondern durch die Dauer, durch das, was die Kamera in einer einzigen Bewegung zeigt und verbirgt
Warum diese Platzierung ? Er ist ein absoluter Virtuose seiner Technik, hatte aber einen geringeren kulturellen Einfluss als die Filmemacher, die ihm folgten, weil sein barocker Stil in die Jahre gekommen ist.
#8. Steve McQueen (britisch, 1969-)
Sein unverkennbarer Stil : die theatralische lange Einstellung mit Dialog, statisch oder fast statisch, wie ein abgefilmtes Theaterstück.
McQueen lehnt, anders als Scorsese oder Cuarón, fließende Virtuosität ab. Seine langen Einstellungen bestehen oft aus direkten Dialogen, einer kaum bewegten Kamera und zwei Schauspielern, die eine Szene von Anfang bis Ende tragen. Das Gespräch zwischen Bobby Sands und dem Priester in „Hunger “ (2008) dauert 17 Minuten. Vier Takes wurden gedreht. Beim dritten bricht der Tonassistent vor Erschöpfung zusammen. Der vierte Take ist der perfekte. Michael Fassbender und Liam Cunningham lebten während der Proben zusammen, um ihren Dialog zu perfektionieren.
Shame (2011) und 12 Years a Slave (2013) enthalten ähnliche Einstellungen, starre Gesichter, gefilmte Stille, eine Dauer, die eine moralische Bedeutung erlangt. McQueen kehrt die vorherrschende Logik der langen Einstellung um: Sie ist nicht länger eine Inszenierung der Regie, sondern eine schauspielerische Leistung.
Warum diese Platzierung ? Ein radikal anderer Ansatz, der beweist, dass die lange Einstellung auch völlig ohne Bewegung auskommen kann. Ein wichtiger Kontrapunkt zum vorherrschenden Kanon.
#7. Alejandro González Iñárritu (Mexikaner, 1963-)
Sein Markenzeichen : der gesamte Film in einer einzigen Einstellung gedreht, erreicht durch unsichtbares digitales Zusammenfügen.
Iñárritu schuf zusammen mit Kameramann Emmanuel Lubezki mit Birdman (2014) eine neue Filmsprache: ein Spielfilm, der als eine einzige, ununterbrochene Einstellung konzipiert ist und tatsächlich aus Dutzenden von 5- bis 10-minütigen Takes digital zusammengeschnitten wurde. Die Illusion ist vollkommen und trägt den Film von Anfang bis Ende. Birdman gewann 2015 den Oscar für den besten Film.
„The Revenant “ (2015) enthält mehrere minutenlange Einstellungen, insbesondere die Bärenattacke und die Eröffnungsszenen im Fluss. „Amores Perros“ (2000) und „21 Gramm“ (2003) nutzten die lange Einstellung von Anfang an als erzählerisches Mittel. Iñárritu teilt mit Cuarón denselben Kameramann (Lubezki) und dieselbe Vorliebe für fließende Übergänge, sodass man von einer zeitgenössischen mexikanischen Schule der langen Einstellung sprechen kann.
Warum diese Platzierung ? Birdman ist ein Meilenstein, doch Iñárritu fehlt die Erfahrung seiner Vorgänger. Ein Höhepunkt virtuoser Kunst, aber kein vollendetes Werk.
#6. Sam Mendes (britisch, 1965-)
Sein unverkennbarer Stil: der immersive, in einer einzigen Einstellung gedrehte Film, der einer absoluten narrativen Beschränkung dient.
Mendes hat in seiner Karriere nur einen einzigen Film in einer einzigen Einstellung gedreht: 1917 (2019). Doch dieser Film ist vielleicht die ambitionierteste zeitgenössische Umsetzung dieser Technik. Zwei Stunden lang schlüpfen die Protagonisten in die Rolle zweier britischer Soldaten, die den Auftrag haben, 1.600 Männer zu retten – scheinbar in Echtzeit, mit Roger Deakins als Kameramann.
Die Vorbereitungen dauerten neun Monate. Produktionsdesigner Dennis Gassner baute jeden Schützengraben exakt so lang wie die dort stattfindenden Dialoge. Die Crew probte bereits vier Monate lang mit den Schauspielern, noch bevor die Kulissen gebaut wurden. Als Deakins das Drehbuch las und auf der ersten Seite die Anweisung „One Shot“ sah, hielt er es für einen Tippfehler
Spectre (2015) enthält bereits eine bemerkenswerte lange Einstellung (die Eröffnungsszene), aber erst 1917 sichert Mendes einen Platz auf dieser Liste. Ein Film – und was für ein Film!
Warum diese Platzierung ? Oscar-Gewinn 2020, ein monumentales und einzigartiges Werk. Die beste zeitgenössische Nutzung der langen Einstellung im Dienste des Geschichtenerzählens.
#5. Orson Welles (Amerikaner, 1915–1985)
Sein Markenzeichen : die Grammatik der Spannung in ununterbrochenen Einstellungen, die er bereits 1958 erfand.
Welles gilt als der wahre Vater der modernen, künstlerischen Plansequenz. Die Eröffnungsszene von „ Im Zeichen des Bösen “ (1958) dauert 3 Minuten und 20 Sekunden und wurde mit einem Kran gefilmt. Eine Bombe wird im Kofferraum eines Autos platziert. Die Kamera folgt dem Fahrzeug durch eine Grenzstadt an der Grenze zwischen den USA und Mexiko. Man weiß, dass die Bombe explodieren wird. Welles weigert sich zu schneiden. Die Spannung steigt Sekunde für Sekunde und gipfelt in der Explosion. Die gesamte moderne Grammatik der Spannung in einer Plansequenz ist hier bereits enthalten.
Doch Welles' Beitrag beschränkt sich nicht darauf. „Citizen Kane“ (1941) enthält gewagte lange Einstellungen (die Wohnzimmerszene der Ambersons, die Redaktionssitzung). „ Der Prozess “ (1962), „Der Glanz des Hauses Amberson“ (1942) und „Falstaff“ (1965) nutzen die lange Einstellung mit einer für die damalige Zeit seltenen Virtuosität. Welles denkt in Kategorien von Schärfentiefe, Dauer und Kontinuität – drei Konzepte, die das klassische amerikanische Kino seiner Zeit weitgehend ablehnte.
Warum diese Rangliste ? Ohne Welles gäbe es keine der vorherigen. Er schuf eine Grammatik, die das Kino 70 Jahre lang prägen sollte.
#4. Alfred Hitchcock (britisch-amerikanischer Regisseur, 1899–1980)
Sein Markenzeichen : der konzeptionelle Pionier des Films mit langer Einstellung.
1948 drehte Hitchcock mit „ Cocktail für eine Leiche“. Die achtzigminütige Laufzeit bestand tatsächlich aus zehnminütigen Einstellungen, die hinter dunklen Objekten (dem Rücken einer Jacke, einem Koffer, einem Kronleuchter) zusammengefügt wurden. Die Technik war rudimentär und unvollkommen, und Hitchcock selbst betrachtete das Experiment als „einen Fehlschlag“.
Er versuchte das Experiment erneut mit „ Unter dem Steinbock “ (1949), einem weiteren Film, der mit langen, ungeschnittenen Einstellungen konstruiert war, doch dessen kritischer und kommerzieller Misserfolg überzeugte ihn, diese Herangehensweise aufzugeben. Seine nachfolgenden Filme kehrten zu einem konventionelleren Schnittstil zurück.
Entscheidend ist nicht die technische Perfektion; die kommt später. Es ist die konzeptionelle Geste : Hitchcock war der erste große Filmemacher, der bewusst auf den Schnitt eines ganzen Films verzichtete. Ohne diese Entscheidung von 1948 wären seine späteren Werke undenkbar gewesen. Weder „ Im Zeichen des Bösen“ zehn Jahre später noch „ Die russische Arche“ ein halbes Jahrhundert später.
Warum dieser Rang ? Er ist der Gründervater. Sein technisches Erbe ist veraltet, sein konzeptionelles Erbe ist immens.
#3. Stanley Kubrick (Amerikaner, 1928–1999)
Sein Markenzeichen : die architektonische Steadicam, die einen Raum in ein lebendiges Wesen verwandelt.
Kubrick gilt als Erfinder der modernen Erzähltechnik mit der Steadicam. Mit „Shining“ (1980) und der Szene mit Danny auf dem Dreiradtat er weit mehr, als nur eine neue Technologie einzusetzen: Er schuf eine radikal neue Art, einen Raum zu filmen. Die Kamera folgt nicht Danny. Es ist das Overlook Hotel, die Verkörperung eines selbstbewussten Ortes, der das Kind durch seine eigenen Korridore verfolgt.
Drei Jahre zuvor, in Barry Lyndon (1975), experimentierte er bereits mit der Totalen bei Kerzenlicht. Dreiundzwanzig Jahre zuvor, in Wege zum Ruhm (1957), erfand er die Schützengrabenfahrt, die 1917 sollte. Seine Karriere ist geprägt von einer Obsession für kontrollierte Dauer, geometrischen Raum und architektonische Bewegung.
Eine oft erzählte Anekdote: Kubrick schickte Garrett Brown, dem Erfinder der Steadicam, ein Telex mit einer einzigen Frage: „Gibt es eine Mindesthöhe, ab der Ihr Gerät verwendet werden kann?“ Brown hatte den „Low-Mode“ speziell für die Szene mit dem Dreirad entwickelt. Als er am Set in Elstree ankam, stellte er fest, dass Kubrick „eine aufwendige und teure Alternative zur Steadicam“ gebaut hatte. Kubrick verwarf dieses Projekt, sobald er Browns erste Tests gesehen hatte
Warum diese Platzierung ? Erfinder der modernen Steadicam-Technik. Ein Werk, das über mehr als zwanzig Jahre hinweg von dieser Technik geprägt wurde.
#2. Alfonso Cuarón (Mexikaner, 1961-)
Sein unverkennbarer Stil : die atemberaubende, immersive lange Einstellung, die oft in Zusammenarbeit mit dem Kameramann Emmanuel Lubezki entstand.
Cuarón gilt als Meister der spektakulären Plansequenz. Drei Hauptwerke prägen seine Karriere: Children of Men (2006), Gravity (2013) und Roma (2018). Drei unterschiedliche Stilmittel der Plansequenz: ein Hinterhalt in Echtzeit in einem Auto, schwerelose Choreografie im Weltraum, die Rettung von Kindern in den Wellen eines mexikanischen Strandes.
„Children of Men“ enthält vermutlich die technisch kühnste One-Take-Szene, die je in einem Mainstream-Film gedreht wurde: den Autoangriff, bei dem sich die Kamera dank einer von dem britischen Studio Doggicam Systems entwickelten Spezialkonstruktion im Fahrzeuginneren um 360° dreht. Die sechs Minuten spätere Bexhill-Sequenz ist noch komplexer: Hunderte Statisten, das Chaos des Stadtkampfes und einige unsichtbare digitale Schnitte.
„Gravity“ treibt die Technik auf die Spitze: Die ersten 13 Minuten des Films sind eine einzige, digital aus Realfilmaufnahmen und CGI zusammengesetzte Einstellung. Sandra Bullock verbrachte Monate in einer Lichtkonstruktion, um Lubezki die Illusion der Schwerelosigkeit zu ermöglichen. „Roma“ kehrt zu einem intimeren Ansatz zurück: Die Strandszene von Tuxpan wurde in einer einzigen Einstellung gedreht, wobei Cuarón selbst hinter der Kamera stand und durch die Wellen ging.
Warum diese Platzierung ? Drei Hauptwerke, drei unterschiedliche Stilrichtungen, eine völlig neue, zeitgenössische Definition der Technik. Eine ganze Generation von Filmemachern bezieht sich auf ihn.
#1. Martin Scorsese (Amerikaner, 1942–)
Sein unverkennbarer Stil : die narrative Steadicam als Werkzeug zur sozialen Immersion, die Kamera, die den Betrachter in eine Welt hineinzieht.
Scorsese dominiert diese Rangliste aus drei Gründen: dem kulturellen Einfluss von Copacabana in Goodfellas (1990), dem Wiederauftreten dieser Technik in seinem Werk seit den 1970er Jahren und seinem direkten Einfluss auf mindestens zwei Generationen amerikanischer Filmemacher.
Zuerst die Copacabana. Drei Minuten lang, mit einer Steadicam gedreht, betreten Henry Hill und Karen den Club durch den Hintereingang. Die Kamera folgt ihnen durch die Küchen, die Flure, die Treppe zu ihrem Tisch, der wie von Zauberhand in der ersten Reihe vor der Bühne erscheint. Scorsese hätte diese Szene auch in mehreren Einstellungen drehen können. Er wählte die lange Einstellung aus einem bestimmten Grund: um dem Zuschauer körperlich spüren zu lassen, wie es ist, ein Mafioso zu sein. Die Türen öffnen sich. Jeder erkennt dich. Die Welt gehört dir
Scorsese auf diese eine Einstellung zu reduzieren, würde ihm nicht gerecht werden. Casino (1995) systematisiert die Grammatik der Copacabana im Maßstab eines ganzen Films. The Irishman (2019) enthält eine grandiose Steadicam-Eröffnung in einem Altersheim und beweist damit, dass seine Beherrschung dieser Technik nichts von ihrer Faszination eingebüßt hat. Hexenkessel (1973), Taxi Driver (1976) und Wie ein wilder Stier (1980) zeichnen sich bereits durch bemerkenswerte lange Einstellungen aus. In seiner fünfzigjährigen Karriere kehrt Scorsese immer wieder zur langen Einstellung als seinem charakteristischen Stilmittel zurück.
Und schließlich der Einfluss. Paul Thomas Andersons Eröffnungssequenz von „Boogie Nights “ (1997) ist eine explizite Hommage an das Copacabana. Der Abspann von „The Player“ (1992) verweist sowohl auf Welles als auch auf Scorsese. Eine ganze Generation amerikanischer Filmemacher (Fincher, Anderson, Aronofsky, Chazelle) trägt Scorseses Handschrift der narrativen Steadicam.
Warum diese Platzierung ? Maximale kulturelle Wirkung + kontinuierliches Schaffen über 50 Jahre + direkter Einfluss auf seine Kollegen. Kein anderer Filmemacher erfüllt alle drei Kriterien auf diesem Niveau.
3. Lobende Erwähnungen: 7 Filmemacher, die hätten dabei sein können
Sieben Regisseure, die es nicht unter die Top 12 geschafft haben, aber dennoch einen Platz in der Diskussion verdienen.
Alexander Sokurov (russisch, *1951). Mit „Russian Ark“ (2002) schuf er den ambitioniertesten Film, der je in einer einzigen Einstellung gedreht wurde: 96 Minuten, 2000 Statisten und die gesamte Eremitage. Er ist nicht in den Top 12 vertreten, da sein Werk außerhalb dieses Films weitgehend unbekannt ist.
Park Chan-wook (Südkoreaner, * 1963). Die Korridorsequenz inOldboy (2003) begründete die moderne Grammatik der langen Einstellung einer Kampfszene. Die gesamte nachfolgende Filmreihe – Daredevil, Atomic Blonde, The Raid – basiert direkt darauf.
Cary Joji Fukunaga (amerikanischer Schauspieler, *1977). Seine Razzia-Szene am Ende der vierten Folge der True Detective ersten Staffel (2014) gilt als die berühmteste lange Einstellung im Fernsehen aller Zeiten. Eine einzige, unvergessliche Einstellung – aber was für eine!
Philip Barantini (britisch, *1980). Regisseur von „Boiling Point“ (2021) und der Serie „Adolescence“ (2025). Er hat einen unverwechselbaren Stil für zeitgenössische, in einer einzigen Einstellung gedrehte Gesellschaftsaufnahmen entwickelt. Ein Regisseur, den man im Auge behalten sollte.
Paul Thomas Anderson (amerikanischer Regisseur, *1970). Die Eröffnungsszene von „Boogie Nights“ (1997) ist eine direkte Hommage an die Copacabana. „Magnolia“ (1999) verwendet mehrere choreografierte, lange Einstellungen, untermalt mit Aimee Manns „Wise Up“. Ein Filmemacher, der stark von Scorsese beeinflusst wurde.
László Nemes (ungarisch, *1977). Son of Saul “ (2015), Gewinner der Goldenen Palme in Cannes, besteht vollständig aus engen, lebensgroßen Kamerafahrten in einem Sonderkommando in Auschwitz. Ein moralisch beispielloser Einsatz dieser Technik.
Robert Altman (amerikanischer Regisseur, 1925–2006). Die Eröffnungssequenz von „The Player“ (1992) ist eine achtminütige Steadicam-Aufnahme, die die Filmindustrie explizit thematisiert. Virtuoses Metakino.
Um tiefer in die historischen Wurzeln all dieser Filmemacher einzutauchen, zeichnet der Artikel „ Geschichte der langen Einstellung im Kino“ die Entwicklung der Technik von Renoir und Ophüls bis zu den zeitgenössischen Meistern nach.
4. FAQ – Ihre Fragen zu diesen Regisseuren
Warum ist Scorsese die Nummer 1 und nicht Kubrick oder Cuarón?
Scorsese vereint alle drei Kriterien für eine Rangliste, die ihresgleichen sucht: maximale kulturelle Wirkung (die Copacabana-Szene ist die meistanalysierte lange Einstellung der Filmgeschichte), wiederkehrende Themen in seiner fünfzigjährigen Karriere (von „ Hexenkessel “ 1973 bis „The Irishman“ 2019) und direkter Einfluss auf eine ganze Generation amerikanischer Filmemacher. Kubrick ist technisch bedeutender, Cuarón spektakulärer, doch keiner von beiden hatte einen so weitreichenden Einfluss auf das zeitgenössische Kino.
Warum ist Béla Tarr unter den Top 12 und nicht Andrei Tarkovsky unter den Top 5?
Tarkowski ist historisch gesehen zweifellos bedeutender als Tarr. Sein direkter Einfluss auf die zeitgenössische lange Einstellung beschränkt sich jedoch auf den kontemplativen Stil – ein wichtiges, aber begrenztes Feld. Tarr rangiert niedriger, da sein Einfluss noch eingeschränkter ist. Beide verdienen ihren Platz, erreichen aber nicht die Bedeutung der angelsächsischen Filmemacher in den Top 5–10
Warum sind so wenige französische Filmemacher in diesem Ranking vertreten?
Ehrlich gesagt, weil die französische Tradition der langen Einstellung anders ist. Jean Renoir und Max Ophüls legten zwar wichtige Grundlagen, doch die Nouvelle Vague und das französische Autorenkino erforschten eher die kontemplative lange Einstellung (Bresson, Pialat, Dumont) als die virtuose. Gaspar Noé, der französisch-argentinische Filmemacher, bildet hier die Ausnahme. Für eine umfassendere Auseinandersetzung mit diesem Aspekt ist ein Artikel geplant, der sich der langen Einstellung in verschiedenen nationalen Traditionen widmet
Wäre eine chronologische Reihenfolge genauer gewesen?
Vielleicht, aber das ist nicht der Ansatz dieses Artikels. Wir haben uns entschieden, sie nach ihrem kombinierten Einfluss auf die Technik und das Kino, nicht nach der Reihenfolge ihres Erscheinens. Hitchcock ist chronologisch der erste, aber weder der technisch einflussreichste (Kubrick, Cuarón) noch der kulturell einflussreichste (Scorsese). Für eine chronologische Lektüre bietet der Artikel „ Geschichte der langen Einstellung im Kino“ eine chronologische Darstellung des Themas.
Wie beeinflussen sich diese Filmemacher gegenseitig?
Auf sehr erkennbare Weise. Welles beeinflusst Scorsese, der wiederum Anderson beeinflusst, der wiederum Chazelle beeinflusst. Kubrick beeinflusst Cuarón, der wiederum Mendes beeinflusst. Tarkowski beeinflusst Sokurov, der wiederum Nemes beeinflusst. Hitchcock prägt De Palma maßgeblich, der wiederum eine ganze Generation amerikanischer Thriller beeinflusst. Diese Kette der Weitergabe strukturiert die moderne Grammatik der langen Einstellung; jeder der zwölf Filmemacher ist sowohl Erbe als auch Einflussnehmer.
Wird es eine Aktualisierung dieser Rangliste geben?
Ja. Die lange Einstellung entwickelt sich stetig weiter, insbesondere in Fernsehserien. Philip Barantini könnte es in die Top 12 schaffen, wenn seine Karriere weiterhin so verläuft. Junge Regisseure wie Alfonso Ruizpalacios (A Model Police, Museo) sollte man im Auge behalten. Diese Liste wird jährlich aktualisiert, um bedeutende neue Werke zu berücksichtigen.
Abschluss
Zwölf Filmemacher. Zwölf verschiedene Arten, den Schnitt abzulehnen. Auffällig bei der Zusammenstellung dieser Liste ist die Vielfalt der Philosophien , die unter denselben technischen Beschränkungen koexistieren. Scorsese filmt Macht. Cuarón filmt Überleben. Tarkovsky filmt Zeit. Noé filmt Schmerz. Tarr filmt Langsamkeit. McQueen filmt Gesichter. Keiner von ihnen dreht das gleiche Kino. Sie alle lehnen den Schnitt ab.
Es ist kein Zufall, dass diese Technik in so vielen Denkrichtungen Anklang findet. Die lange Einstellung gehört niemandem; sie wartet darauf, dass ein Filmemacher sie aufgreift. Sobald dieser Filmemacher auftaucht, erfindet sich die Technik jedes Mal neu. Sam Mendes hätte „ 1917“ ohne „Cocktail, doch sein Film hat nichts mit Hitchcocks Werk zu tun. Alfonso Cuarón hätte „Children of Men“ ohne „Goodfellas“, doch sein Film hat nichts mit Scorseses Werk zu tun. Jede Generation erfindet die Weigerung, zu schneiden, neu .
Das ist wohl der Grund für die anhaltende Wirkung dieses Prozesses. Jeder Filmemacher, der sich darauf einlässt, weiß, dass er in eine Tradition eintritt. Gleichzeitig weiß er, dass er etwas Neues hinzufügen muss, sonst wird er unsichtbar. Es ist diese doppelte Anforderung – Erbe und Innovation –, die die zwölf Regisseure in diesem Ranking von allen anderen unterscheidet
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